ARTISTS:
Johannes Probst - trumpet
Gerhard Schramke - piano
Dusan Novakov - drums
Marton Papp - saxophone
Uli Langthaler - bass
special guest: Andi Steirer - percussion

Bop Explosion is the result of musical collaboration, mutual appreciation and friendship between some top players based in Vienna. After a series of concerts with various line-ups, my desire that we would come together for a common musical project, was born.
I have been playing with the wonderful trumpet player Johannes Probst for many years, and with the incredible great team of Uli Langthaler and Dusan Novakov we have performed with the great alto saxophonist Allan Praskin, who together with the late Fritz Pauer was my earliest musical mentor.
After hearing young alto saxophonist Marton Papp who studies at the famous Music and Arts Private University of Vienna, we knew that we have found the ideal voice to complete our group, and immediately there was a tele-pathic understanding between the musicians, as you hear from how they play the themes and solos on this album. We are so glad that our favourite percussionist Andi Steirer agreed to join us in the studio and he contributes wonderful sounds and rhythm patterns to five of the tunes.
We have included 6 compositions of mine, with a wide variety of styles and moods. The title tune Waltz for Serena is dedicated to the stunning cover model, my beloved wife. Blues for Allan, how could it be else, was written for my musical mentor Allan Praskin. Little Town shows a different direction, as I was thinking about a special symbiosis between horns and percussion. With Tin Tin Deo and Lover Man we added Afro Cuban moods and one of the most beautiful ballads to complete this album.
Gerhard Schramke

ARTISTS:
Cozy Friedel - Violine, Gesang, Komposition
Anna Keller - Saxophon, Flöte, Komposition
Maximilian Gerstbach - Piano, Keys
Vuk Vasilic - Bass
Markus Gruber - Drums

Mit ihrem Debütalbum „Extrahügel“ vereinen 5 X 5 ihre im Jazz verankerten Wurzeln mit innovativen Sounds. Mit dieser energiegeladenen Platte geben sie ein starkes, in neue Richtungen weisendes musikalisches Statement. Violine mit simultanem oder auch mehrstimmigen Gesang, Live Electronics, Saxophon, Flöte und eine starke Rhythm Section aus Bass, Keys und Drums schaffen pulsierende Klanglandschaften, die das Publikum in den Bann ziehen. Die mit dem ersten Preis des deutschen Women in Jazz Wettbewerbs 2023 ausgezeichnete Band konnte seit ihrer Gründung im Jahr 2021 bereits zwei erfolgreiche Konzerttourneen durch Österreich und Deutschland verbuchen. Dabei gastierten sie bei namhaften Festivals wie den „47. Jazztagen Ilmenau“, der „Jazzwerkstatt Graz“, der „Musikwerkstatt Wels“, der „Weltecho Chemnitz“ und dem „Focus Female Festival“ im Blue Note Dresden.

ARTISTS:
Lukas Gabric (Tenor Saxophone & Compositions)
John Arman (Guitar)
Mátyás Bartha (Piano)
Danny Ziemann (Bass)
Klemens Marktl (Drums)

Das Album präsentiert eine Sammlung von Eigenkompositionen, die emotionale Tiefe, Virtuosität und Vielseitigkeit vereinen. "Moving On" ist auch eine eindrucksvolle musikalische Reise durch persönliche Erfahrungen, globale Einflüsse und Jazztraditionen darstellt.

Die Liner Notes der CD bieten einen Einblick in die Hintergründe der einzelnen Stücke auf "Moving On". Der Title Track spiegelt den Optimismus, die Energie und das Momentum, wider das es bedarf, stetig neues zu schaffen. "Got to B" bringt eine frische Wendung, während Jazz-Enthusiasten Anleihen an die Stile von Michael Brecker, Joshua Redman und Eddie Harris erkennen können. Das Stück "Sai Ma" ist eine Hommage an Gabrics Erfahrungen in Guangzhou, China, während der letzten Phase der COVID-19-Pandemie. "9:29", entstand als Reaktion auf den tragischen Mord an George Floyd. Gabric nutzt hier die Kraft der Musik, um Gefühle von Empörung, Unverständnis, Trauer und Wut zu vermitteln. "Life on Hold" erinnert sanft daran, das gegenwärtige Leben zu ergreifen und die Fülle des Lebens ohne Aufschieben zu umarmen. Das Album zeigt auch Gabrics Auseinandersetzung mit Jazzstandards, insbesondere mit der Anwendung von Coltrane-Zyklen auf das zeitlose Stück "Love Walked In". Darüber hinaus beinhaltet es eine spontane Interpretation von "My One and Only Love", die dem Hörer einen sanften Abschluss bietet.

Die Musiker, die auf diesem Album zu hören sind, werden als außergewöhnliche Talente und geschätzte Freunde vorgestellt. John Arman, Mátyás Bartha, Danny Ziemann und Klemens Marktl bringen ihre einzigartigen Fähigkeiten und künstlerische Sensibilität in die Aufnahme ein, wobei besonders Danny Ziemanns Aufmerksamkeit für Detail und technisches Know-how in der Produktion hervorstechen.

Dr. Lukas Gabric, ein Henri SELMER Paris Artist, hat sich bereits als "master musician" mit "atemberaubender Tenorvirtuosität" einen Namen gemacht. Seine internationalen Auftritte und pädagogischen Tätigkeiten haben ihn weltweit anerkannt gemacht. Als Preisträger von mehreren renommierten Wettbewerben und Absolvent der Juilliard School bringt Gabric eine beeindruckende musikalische Expertise in "Moving On" ein.

Mit "Moving On" bietet Lukas Gabric den Hörern eine einzigartige Kombination aus kraftvoller Musik und tiefen emotionalen Nuancen. Das Album, das Anfang 2024 über Alessa Records veröffentlicht wird, verspricht, die Herzen der Jazzliebhaber zu erobern und die Vielseitigkeit dieses Ausnahmekünstlers zu unterstreichen.

ARTISTS:
Tamara Obrovac - vocalist
Matija Dedić - piano
Žiga Golob - double bass
Krunoslav Levačić - drums

Twenty-five years after the debut album Ulika, which presented the unique musical style of Tamara Obrovac, and ten years after Ulika Revival, we have before us Nuvola, Tamara Obrovac's new original album, the third one created by this outstanding musician and author and her Tamara Obrovac Quartet.
Seven original compositions are featured on this album, from the opening Na nebu postelja, through La nuvola (Cloud) from which the album takes its name, Zatancaj, Dvi divojke and Niki drugi svit, to the closing Oče moj and Kovarskih litanija. Tamara Obrovac is the author of all the compositions and lyrics on Nuvola, with the exception of the lyrics of the compositions La nuvola and Kovarske litanije which were written by Daniel Načinović, an acclaimed Istrian poet and Tamara’s regular associate.

Like the previous albums, this one was also recorded by the quartet lineup that has not changed since 1997: Tamara Obrovac (vocalist), Matija Dedić (piano), Žiga Golob (double bass) and Krunoslav Levačić (drums). Nuvola by the Tamara Obrovac Quartet marks the quartet’s 25th anniversary and their 25 years of playing music together.
The Quartet’s first concert promoting Nuvola before the largest musical audience will take place at the JazzHR Festival in the Tvornica culture on March 29, followed by the album presentation in Pula (April 6, Klub & knjižara Giardini 2), and concerts in Split (April 27, Hrvatski dom Split) and Zadar (April 28, Providurova palača).
Our well-known jazz columnist Davor Hrvoj wrote the opening text of the CD, in which he highlights the new creative step that Tamara Obrovac took with Nuvola,
“Just when you think there could be no major change or a new creative twist after her countless performances and albums, with which she surprises us again and again, Tamara manages to delight us with new creativity. While she still retains her distinctive approach, her new songs are completely different from everything she has done to date. They are more contemplative, more spiritual and more suggestive. The unveiling of the soul in these compositions is more noticeable than ever.”
Nuvola is Tamara’s 13th album, recorded at the Istrian National Theater in Pula late last year. This is what Tamara says about the album and her cooperation with the long-time quartet members,
“Though the compositions are a bit more complex, they follow my existing expression. It is always a pleasure to play with Matija, Kruno and Žiga, with whom I have shared an uncompromising dedication to music for the past 26 years. This ensemble has shared tremendous understanding, communication and joy in playing music from the very beginning, and it continues to do so to this day.”

In fact, on this new album Tamara draws the listener into her inner world and engulfs them in her visions, and she shares these visions, as Hrvoj notes, with her musicians, who play “not only from the soul, but like the soul itself",
“Although she has played with the same associates for years, she has not attained such extraordinary harmony, such mutual insight with them up to now, which has resulted in coherent performances. It is as if there are no instruments, no musicians, just light slowly changing color as the musicians telepathically process the thoughts exchanged.”
Tamara dedicated the album to her father Ivan Obrovac, a renowned artist from Istria who died in 2019. His painting is featured on the album cover.
The album was released on the Cantus label in collaboration with the Croatian Composers’ Society and with the support of the Ministry of Culture and Media of the Republic of Croatia. Bernard Mihalić from the Podmornica Studio was the sound engineer and did mixing and mastering, while the music producers were Bernard Mihalić and Tamara Obrovac.

"...Her album “Heartbeat” won the hearts of listeners on the playlists of major American and international radio stations.
Jelena is a spiritus movens and a musician who has captivated people’s hearts with her musical talent on many international stages for more than three decades. With the voice of Sarah Vaughan and the velvet of Billie Holiday, but also with the modern approach of Dianne Reeves she won the hearts of many music critics and audiences worldwide."
Bob Weir, jazz journalist

Jelena Jovovic ‘s Jazz Junction: the band:
Bojan Zulfikarpašić, known as Bojan Z is one of the forerunners and representatives of jazz musicians who have ethnic music in the essence of their creativity. With outstanding pianism, strong musical and subtly Balkan influenced motifs immersed in mature jazz vocabulary, he rounds off that combination into a contemporary and authentic expression. Ameen Saleem, as a longtime member of the legendary Roy Hargrove's band and a highly sought-after double bass player, adds the sound and rhythm of Brooklyn to this music chemistry. His understanding of space and time in music frameworks is congruent with Bojan's, which creates a unique platform for Vladimir Kostadinović to enhance the levels of this groovy interplay and further more provide the dance floor for Jelena Jovovic’s music, lyrics and arrangements to come alive. Many fine featured artist are a part of this recording: Steve Fishwick, Max Kochetov, George Kujundzic, Aca Pejcic, Tom Fedja Franklin, Maya Klisinski, Ivan Radivojevic, Milan Nikolic, Andrija Gavrilovic, Milos Branisavljevic, to mention a few.

Download tracklist & musicians (.pdf)

ARTISTS:
Felix Biller - Keys, Voice (Track 1)
Martin Melzer - Bass, Voice (Track 6)
Christoph Karas - Drums
Lukas Lauermann - Cello (Track 5)

People on the same Meridian share a time zone; one could say they are in unison. Reflecting on the individual paths they’ve taken through life and finding themselves brought together by their collective love of music, Vienna based trio PRIM dedicate their album to the feeling of unison they share.
Following the success of their 2020 album ‘Garnet Tales’, PRIM have been establishing themselves on the international stage through tours around Europe and China, appearances at industry leading festivals including jazzahead!, Mladi Ladi Jazz Prag and Jazz Fest Wiesen as well as reviews and radio play in the UK (Jazz FM), Germany (Jazzpodium), and Italy (Jazzit) to name but a few.
PRIM are influenced by jazz greats like the Esbjörn Svensson Trio, classical luminaries like Johann Sebastian Bach, new music composers such as John Cage and folk cultures from around the world, brought together with the goal of crafting a sound that is uniquely theirs.
"Our music is a bit like ordering a scoop of everything at the ice cream parlour and then mixing it wildly," Martin Melzer explains. From modern jazz to funk and soul to western classical music, there is something from many corners of the musical landscape.
Featuring heavily affected bass tones, passages of spoken word, the warm organic timbre of a cello, lush synthesizers, and propulsive drum grooves, the trio’s sound is wide reaching and full of surprises. Built around airtight arrangements of intricate compositions, dramatic changes in energy, time, and tonality take the listener on an exciting journey through PRIM’s eclectic musical minds.
PRIM has celebrating the release with a special performance on the 13th of October at ORF RadioKulturhaus, Vienna as part of Austrian public radio station Ö1’s ‘5 Millionen Pesos’ series.

ARTISTS:
Paul Schuberth - Akkordeon
Johannes Münzner - Akkordeon
Victoria Pfeil - Saxophon

11 Jahre hat es gedauert, bis wir als trio akk:zent endlich unser erstes großes Jubiläum feiern konnten: Das 11-jährige. (Wir hatten das 10-jährige verpasst.) Die großartigen, aus elf Einzelbildern zusammengesetzten Collagen des Künstlers Adrian Suknjov auf dem Cover sind ein Sinnbild für dieses schöne Ereignis. Unsere 4. CD „datreveno“, Esperanto für „Jubiläum“, ist ein kleines Geschenk an uns selbst. Und trotzdem plagt uns die Frage, wie unser neues Werk bei anderen Hörer*innen als uns selbst ankommen wird.

Wie soll man sich nach 10 Jahren präsentieren? So, als hätte man noch die jugendliche Frische von früher? Oder doch, als hätte man endgültige kompositorische und interpretatorische Reife schon erreicht? Nein – zum Beweis dafür, dass wir gar nichts mehr beweisen müssen, legen wir eine Art ideelle Gesamtschau unseres bisherigen Schaffens vor. Eine Art Best Of – bloß (fast) ausschließlich mit neuen Stücken! In den „Almost secret dances“ erinnern wir an die Spielfreude und Spontaneität unserer Anfangszeit; die drei Sätze der „datreveno suite“ trieben uns beim Proben die Schweißperlen und Zornesröte in die Gesichter, wie es bislang nur die kompliziert arrangierten Stücke der 2. CD vermocht hatten; „Grauschattenschein“ ist unser nahezu unveränderter Evergreen; mit „A merl on its way from Amherst to Pelham“ knüpfen wir an die (versuchte) Melodieschönheit unserer letzten Kompositionen an; „Chicago isn’t comparable to Hollabrunn“ würdigt auf musikalische Weise die Akkordeonheroen Guy Klucevsek, Bratko Bibič und Lars Hollmer, ohne die es uns gar nicht gäbe; „Ameisen kauen leise“ ist eine logische Weiterentwicklung unserer Versuche, Groove und atonale Eskapaden zu verknüpfen; und über „Rock-Schock“ reden wir besser erst gar nicht. Wir wissen, dass es leider nur neun Stücke geworden sind. Aber insgesamt sind sie so lang, als wären es elf.
Wir wünschen allergrößten Hörspaß!
Ihr trio akk:zent, Linz, 2023

Drummer and composer Udi Shlomo born in Kibbutz Nahshon (Israel), with roots from Iraq, Poland, Old Czechoslovakia, and since 2010 has been living in Trondheim (Norway). Shlomo's music is inspired by memories, pictures and stories from his upbringing, coloured by experiences from life in Norway.
Shlomo's diverse background is well expressed in his music, creating what is today called "World Jazz".
On March 1st, he will be releasing his second album, entitled You & Me.
Shlomo has played at venues such as Pizza Express Jazz Club, Jazz Dock, Tangente Jazz +, Blue Note (Poznan), Ankara Jazz Festival, Sibiu Jazz Festival, Oslo Jazz Festival, Trondheim Jazzfest, Jerusalem Jazz Festival, Tel Aviv Jazz Festival, Usadba Jazz Festival, Delhi Jazz Festival, Styer Jazz Festival.

"This quintet gives solid musical pleasure. A bunch of great musicians make a bunch of well composed music with indestructible arrangements and compositions. Music that you would like to immerse yourself in, that you would like to be surrounded by. What more do you need?"
Martin Hufner - nmz - neue musikzeitung

ARTISTS:
Gerhar Ornig - trumpet
Tobias Pustelnik - sax
Dusan Novakov - drums
Uli Langthaler - bass
Andi Steirer - percussion

For a long time, | have been playing with the idea to form a band with just two horns, bass and drums. The absence of a harmonic instrument poses an artistic challenge and offers new creative opportunities.
My favorite drummer, Dusan Novakov creates the foundation of our music and his finest solo can be heard on D’s Delight. Andi Steirer, one of Austria’s best-known percussionists was called in for the studio sessions. On tracks such as Flower Power he added beautiful colors and made a great contribution to the groove.
| am very pleased to have Gerhard Ornig and Tobias Pustelnik, two young horn players from Graz. The clear and focused sound of the trumpet and the warm and wide tone of the saxophone give a beautiful shine to the melodies. Listen to how they play the themes of Mesdames et Messieurs — as well as to their fantastic soloing on tunes like Jhelum or Ah Leu Cha.
Finally, | thank my daughter Paula Langthaler. When asked to contribute some music, she wrote One For J.S., which starts with a fugue and develops into a jazz tune, and Ama’s Blues. She was also responsible for the arrangement of Ask Me Now, worked as a producer and collaborated in the sound mixing with Dusan Novakov.

ARTISTS:
Eloá Gonçalves - piano
Mathilde Vendramin - cello, vocals
Tobias Steinrück - double bass
Luis Oliveira - drums
Jakob Helling - flugelhorn

“Sobre o que move as coisas” (About what moves things) is the second album of the Brazilian pianist and composer Eloá Gonçalves. The album was recorded in June 2022, at Sounddesign Studios (Hagenberg - Austria), in a partnership with the Austrian label Alessa Records.
It’s a collaboration between the composer/pianist and the musicians Luis Oliveira (drums - from Brazil), Mathilde Vendramin (cello, vocals - from France), Tobias Steinrück (double bass - from Austria), featuring the special guest Jakob Helling on flugelhorn (from Germany). The album was supported by AKM/Austro Mechana, and presents 11 tracks, varying between trio, quartet and quintet formations.
All the music was composed by the pianist, excepted “Alegre Menina” - an original arrangement signed by Eloá for a composition by Dori Caymmi. Unlike her debut album (“Casa”), which carried a feeling of freedom and discoveries, her second album is much more represented by introspection and reflection, as we can see in the tunes “Breathe”, “Inhale, Exhale” and “Once more, breathe”, a meditative theme composed during the 1st lockdown and recorded with a kind of free jazz taste.
With the same mood are all the pieces of “Over weird times suite”, a set of music inspired by different feelings experienced also during lockdown: hopefulness (“Hopefulness”), anger (“Impromptu over weird times”), sadness (“Breathe”), thoughts that never cease and the failed attempt to understand reality (“Thoughts”).
We can also see the Brazilian music references in her music, in tunes such as “Choro pra Tati” (a choro dedicated to the great Brazilian singer Tatiana Parra), and “Alegre Menina” (in which once more the pianist honors one of the most acclaimed Brazilian composers - Dori Caymmi - with an original arrangement for jazz trio).

About Eloá Gonçalves: Brazilian pianist and composer, Eloá Gonçalves is graduated from Universität für Musik und darstellende Kunst Graz (Austria) in Jazz Piano, under the guidance of German pianist Olaf Polziehn (having completed the course with outstanding performance mention). She holds also a Bachelor and Master´s degree in Popular Music by UNICAMP (Brazil).Her debut album “Casa”, released in 2020, was mentioned by jazz critics in magazines such as Downbeat (USA), Kulturní Magazín (Czech Republic), Jazz 'Halo (Belgium) and Concerto (Austria).
As a pianist, she has performed and recorded with both instrumental and pop music names such as Sandy (Latin Grammy nominated, Brazil), Zalon Thompson (England), Vinicius Dorin (Brazil), Nailor Azevedo “Proveta" (Brazil), Ivan Vilela (Brazil), Daniel Barry (USA), Marcelo Martins (Brazil), Marco Lobo (Brazil), Joe Fiedler (USA), Luis Bonilla (Latin Grammy winner, USA), Sigi Feigl (Austria), Emiliano Sampaio (Brazil - Austria), Vine St. Horns - Brad Cole & KUG Jazz Orchestra (USA/Austria), Kaya Meller Quartet (Poland), Jaka Arh Triptych (Slovenia), Experience of the North (Denmark/Austria), Iñaki Askunze (Spain), Cristina Miguel Martínez (Spain), Mario Campos and Orchestral Collective (Brazil), Rafael de Lima Quartet (Latin Grammy nominated, Brazil),
UNICAMP Symphony Orchestra (Brazil), Indaiatuba Symphony Orchestra (Brazil), Campinas Jazz Big Band, and KUG Jazz Orchestra (Austria).
In Brazil, she was finalist at MIMO Instrumental Award 2015 with Trio Matiz. With Eloá Gonçalves TRIO, she was invited to begin the partnership of SAVASSI Jazz Festival (one of the most recognized festivals in Brazil, in Belo Horizonte) with the Women Creating Collective, performing on the stage "Women Creating Music" in 2017. After moving to Graz, the trio was invited to join festivals such as the Jazzwerkstatt Graz 2019, Steyr Jazz Festival 2020, Jazz im Generalihof 2021 and Austrian Soundcheck 2021.
In Europe, she has been performing in Austria, Croatia, Slovenia, Poland and Germany, at jazz clubs and festivals such as Unterfahrt Jazz Club (Munich), Stockwerk (Graz), Jazzwerkstatt Graz 2019, Warsaw Summer Jazz Festival 2019, All That Jazz Art Festival Malinska 2019, Graz Jazz Nacht, Kranj Jazz Camp, and Steyr Jazz Festival.
In September 2020 she was selected with her Trio as a finalist of the Central European Jazz Showcase, event organized in partnership with JazzFest Brno - Czech Republic.
Currently, she is living in Brazil, where she is touring with one of the most acclaimed Brazilian pop singers/songwriters, Sandy. She leads her trio with two of the most sought-after musicians from the Brazilian jazz scene (the drummer Paulinho Vicente and the bass player Iury Batista).In June 2023 she will be touring in Europe playing the music of her 2 albums (“Casa” and “Sobre o que move as coisas”) in Austria, Germany and the Czech Republic.
For learning more, please visit: www.eloagoncalves.com.br

ARTISTS:
Gerhard Graml - bass, compositions
Joe Herrera - trumpet
Bobby Muncy - tenor saxophone
Abram Mamet - french horn
Chris Stiles - piano
Julian Berkowitz - drums

The versatile bassist and composer Gerhard Graml returns to recording his original music in prime form. He is joined by a group of Washington DCs finest and most respected jazz instrumentalists: Joe Herrera on trumpet, Bobby Muncy on tenor saxophone, Abram Mamet on French horn, Chris Stiles on Piasno and Julian Berkowitz on drums.

"Years ago the late great pianist Paul Bley remarked to me that in the new realm of contemporary jazz players, many of whom either improvised freely or used that approach as an organizing or guiding force for improvisation, he could always tell the difference between those who were solidly grounded in the music – notably, he didn’t used the word tradition – and those who were (and these are my words, as the conversation was a long time ago) flailing around, trying to find a way into, with some difficulty, this art form that many of us still call jazz. The album you are holding, Everything, is a perfect illustration of what Paul was talking about. In a world where everyone and his brother and sister is recording, streaming, putting his/her work online, this is a refreshing reminder of everything that those who love jazz value in the music. Everything is heartfelt (not sentimental), technically accomplished (meaning, well executed but not slick), professional (but not stodgy or dull), emotionally satisfying and deep. I can usually tell from the first few minutes, on both recordings and in live performance, whether musicians care about what they are performing or are just going through the motions (just another payday? Well, this is jazz, but still there are many very workmanlike performances that indicate a certain jaded consistency; but you won’t find any of that on this album). Who was the philosopher – or comedian?- who said that half the battle in life was just showing up? Well, in jazz that’s particularly true, and sometimes the lack of certain things – recognition, work, money – leads to a certain consistent yet bored quality in the music produced. On the CD Everything the great bassist Gerhard Graml (who composed all tunes herein) has shown us how it can be done correctly, with a straightforward depth that is not just musical but artistically satisfying.

The pieces on this album are all compositions, in the truest and best sense of the term. The job of the jazz composer varies, but there are certain requirements that never really change, generation to generation (in my opinion). Writing for jazz ensemble is a challenge, given all that jazz has been through, how much material it has eaten up and spit out in its never-ending search for the new. Musicians need to be challenged without completely detaching themselves from their comfort zones, and it helps to give them something they won’t see or hear in their day-to-day professional lives. And so we have it all here – bluesy extrapolations of the jazz/gospel tradition; modality in the service of exploration; ballads and near-ballads, never exchanging virtuosity for feeling; a certain lightness of being with a Latin tinge; and it all swings.

I have known Gerhard Graml since late 1980s, I think it was. We first played together in New York City on an old project I organized on a modern approach to the music of Louis Armstrong, and later recorded together as part of a series of blues and blue-like performances. He has everything I like and need in a bass player: good time, a great sound, and consistent rhythmic/harmonic definition. He has the kind of artistic consistency I admire; nothing is ever “phoned in,” as the saying goes. Everything he plays shows commitment and artistry, attention to musical detail. He leads a group, on Everything, that accomplishes same. Persistent arguments in jazz about old versus new, free versus structured, blues versus no-blues, are becoming, in light of music as good as this, less and less relevant, less and less important. What matters finally is whether the music created shows care and love for the itself, and has feeling. This album, if you will pardon the expression, has everything."

Allen Lowe (Allen Lowe is a saxophonist and music historian who has recorded 20+ albums and written a number of highly acclaimed books on American music)

ARTISTS:
Yvonne Moriel, Robert Schröck, Ilse Riedler, Florian Fennes – reeds
Joschi Öttl, Markus Pechmann – trumpets
Alois Eberl, Daniel Holzleitner – trombones
Philipp Wohofsky – synthesizer
Andreas Erd – guitar
Philipp Kienberger – bass
Andi Senn – drums
Simon Frick – e violin
Jelena Popržan – quinton viola, vocals
Thessa Habeler – vocals
Kathi Baschinger – diatonic harmonica
Valentina Cinquini – concert harp
Christoph Cech – piano, leader

Der ORF Mitschnitt vom CC JOP Auftritt am 20.8.2022 ist das Dokument eines wunderbaren Konzertes vor begeisterter Zuhörerschaft. Es lag nahe, eine CD zu produzieren, welche nun auf Peter Guschelbauers Alessa Records erscheint.

Strawinsky, Zappa oder Gil Evans und überhaupt Komponisten, die „selbst verwirrt sind bezüglich ihrer Einflüsse, die einfach voll Neugierde stecken und keine Angst haben, sich auf neues Terrain zu wagen“ inspirieren die Arbeit von Christoph Cech, seit fünf Jahren Träger des musikalischen Kunstpreises der Republik Österreich und seit mehr als dreißig maßgeblich am Aufbau der österreichischen Bigband-Szene beteiligt. Mit seinem für das Porgy & Bess zusammengestellten siebzehnköpfigen Jazz Orchestra Project setzt der komponierende Pianist seine musikalischen Visionen so aufregend wie klangvoll um.

"Es ergab eine packende Stunde der rhythmisch-melodischen Schichtungen, bebopig rasender Pointen, die Substanz und Kurzweil einten."
Ljubisa Tosic, Standard, 22.8.22

ARTISTS:
Per Mathisen - electric & double bass
Hans Mathisen - guitar
Petter Wettre - sax
Gary Husband - drums, keys

Per “BASS VIKING” Mathisen is finally releasing a new album on Alessa records, this time collaborating with his brother, Norwegian grammy award winning guitarist, Hans Mathisen.
The brothers invited sax player, Petter Wettre and the living legend, Gary Husband, to play both keyboards and drums on the album. The CD is a homage to Husband’s grand musical legacy and features him throughout the album.
Tunes composed by Hans and Per but also versions, arranged by Per, of the major Michael Jackson hit, “Off the wall” and Sting’s “Wrapped around your finger”.
With Per switching between acoustic upright and electric basses, the group spans between acoustic modern to high voltage electric jazz, always with intense interplay and virtuosity.

ARTISTS:
Swantje Lampert (A) - tenore sax
Karl Hodas (CZ) - double bass
Christian Eberle (A) - drums

Nach dem großen Erfolg der Debut CD "NOW!" (u.a. dritter Platz in den Falter Jazzcharts 2020) hat sich das Trio um die Wiener Tenorsaxophonistin Swantje Lampert nun wieder zusammengefunden, um ein neues Album aufzunehmen. Phönix besteht aus 13 Eigenkompositionen Lamperts, die zum Großteil im Herbst 2021 entstanden sind.
So wie sich der Phönix aus der Asche emporhebt um sich in höchste Höhen zu schwingen, so entwickeln sich die Rhythmen des seit 2019 existierenden Trios von zutiefst erdigen und gebrochenen Grooves hin zu treibenden, perlenden und mitreissenden Beats. Gerade in der reduzierten Besetzung ohne Harmonieinstrument kommt dem Schlagzeug eine besondere Rolle zu, die Christian Eberle fulminant ausfüllt. Gemeinsam mit dem arrivierten Kontrabassisten Karol Hodas gelingt es Swantje Lampert, auch knifflige chord changes souverän auszuspielen und zu umspielen, sodass die Spannung durchwegs gehalten wird.

In "Lavapiés" wird man durch die laue Nacht eines niemals schlafenden, pulsierenden madrilenischen Viertels getrieben, in "Step Back" werden auf neue Weise allzubekannte Coltrane Changes verarbeitet, während man in der titelgebenden Nummer der neuen CD/LP, "Phönix" auf die Reise des mythischen Vogels mitgenommen wird. Viele Kompositionen ("Surrender", "Panta Rhei", "Phönix", "Der Vedantische Löwe" u.a.) spiegeln aber vor allem den spirituellen Weg der Komponistin wieder, den die Komponistin seit vielen Jahren beschreitet, und der ihr immer Weg und Ziel zugleich ist.

ARTISTS:
Claus Raible - piano
Giorgos Antoniou - double bass
Xaver Hellmeier - drums

Ausnahmepianist Claus Raible erstmals ausschließlich mit Eigenkompositionen.
Claus Raibles Musik packt einen, spricht, Logik und Leidenschaft verbindend, alle Sinne an und macht noch den kritischsten Hörer zum Klanggenießer.
Sich einen bestimmten Stil zu verschreiben und, was heute selten vorkommt, sich konsequent an ihn zu halten, ist eine ganz besondere Herausforderung, denn das klingende Resultat wird an großen Musterbildern, den Klassikern des Genres, gemessen. Der Pianist muss weit mehr können als technisch zu brillieren und zu swingen, er muss überragende Kreativität an den Tag legen. Raible klingt als Pianist und Komponist als wäre er persönlich bei Thelonious Monk, Bud Powell, Elmo Hope oder Herbie Nichols in die Lehre gegangen. In der Tat hat er sich bei Barry Harris, einem Pianisten dieses Kreises, den letzten Schliff geben lassen.

Der Vollblutmusiker hat mit stilistischen Elementen dieser Geistesverwandten seine eigene Ausdrucksform geschmiedet mit der er wie kein zweiter deren Erbe weiterführt. Nur wer mit einem Idiom bis in jede Nuance vertraut ist wie ein Muttersprachler, kann darin jeden Gedanken, jedes Gefühl vollkommen ausdrücken. Bebop spielt Claus Raible mit Elan und Enthusiasmus, Witz und Würde, Autorität und Authentizität, unverfälscht, mitreißend, bewegend, lebendig und belebend.
Während der Pianist in Zeiten der Lockdowns seine Aktivitäten zurückschrauben musste, hatte der Komponist Raible viele Stunden Zeit sich von der Muse küssen zu lassen, Sternstunden wohlgemerkt, in denen Motive und Fragmente, die lange schon in ihm herumgeisterten, sich zu Songs formten.

Mit „Fugitive Figures“ legt Claus Raible nun erstmals ein Album vor, auf dem er ausschließlich eigene Kompositionen spielt: Von den elf leaderlichen Originals ist jedes ein Prachtstück an Kreativität und Groove.
Man betrachte etwa die Harmonik: In „What Love Exotique“ reharmonisiert Raible kühn die Changes zu “What Is This Thing Called Love”, das hier als Latin-Stück à la Caravan einen irren Trip durch exotische Gefilde unternimmt. Raible verwendet hier viele dissonante Akkorde, was aber dadurch, dass es eine sinnvolle Bassfortschreitung und Stimmführung in der rechten Hand gibt, einen stimmigen Verlauf ergibt. In vielen Stücken stecken Allusionen, weniger erkennbare Allerweltszitate als versteckte Ostereier, die dem Kenner der Jazzhistorie Vergnügen bereiten werden wie ein Detektivspiel.
Hut ab vor Raibles Fähigkeit mit Hörererwartungen zu spielen. In „Fugitive Figures“ scheint er zunächst bekannte Motive wie z.B. Monks „Little Rootie Tootie“ zu zitieren, aber doch nur kürzelhaft und verfremdet. In den Soli entpuppt sich das Stück nur scheinbar als Blues. In Wirklichkeit steigen die vermeintlichen Blues-Chorusse in der Mitte immer um eine kleine Terz in die Höhe.
Seine Kunst „unerhörte“ Voicings zu verwenden lässt aufhorchen: In „Blamelessly“, einem Stück, das den Standard „Don’t Blame Me“ zu einem seltsamen Klanggebilde paraphrasiert, scheinen etwa im Mittelteil immer wieder Glocken in gespenstischer Verzerrung zu ertönen.
In früheren Produktionen engagierte Claus Raible oft berühmte Schlagezuger wie Ed Thigpen, Ben Dixon und Alvin Queen. Da aber auch das Bedürfnis groß war vor Ort immer mit einem erstklassigen Drummer zusammenzuarbeiten, ist es ein Glücksfall, dass er auf den dynamischen, präzisen und hellhörigen Schlagzeuger Xaver Hellmeier traf. Mit dem Ausnahmebassisten Giorgos Antoniou, mit dem Raible bald 20 Jahre fast schon gedankenleserisch verbunden ist und Hellmeier, der mit seinem an Größen wie Max Roach, Kenny Clarke und Art Taylor geschulten Spiel ein kongenialer Spielgefährte für Raible geworden ist, entstand eine Gruppe, in der jeder die gleiche musikalische Sprache spricht.
Die vollkommene Musikalität, die das Trio an den Tag legt, basiert auf der Tatsache, dass jedes Mitglied nicht nur seine persönlichen Fähigkeiten entfaltet, sondern auch Teil eines lebendigen, produktiven musikalischen Organismus ist, der dem Zuhörer unendliche Freude bietet.

Marcus A. Woelfle (Bayerischer Rundfunk)

ARTISTS:
Karel Eriksson - Trombone
Gerhard Ornig - Trumpet
Emiliano Sampaio - Guitar
Thilo Seevers - Keyboards
Luis Oliveira - Drums

Sound Pollution Eclectic (S.P.E) is an Austrian-based group led by trombonist Karel Eriksson and contains musicians from Germany, Brazil, Austria and Sweden. The group was formed in 2017 and has been performing in Austria, Sweden and Germany.
"Same view, Different Meaning" is the second album of S.P.E which they recorded in August 2021 in Stockholm during their Sweden-tour.
As the title suggests, the music on this CD is inspired by surrealism, and asks for an open ear from whoever listens to it.

"What a pleasure to hear Karel and his band on this new album Same View Different Meaning. While the trombone used to be one of the most emblematic instruments in jazz, there are very few of us today who can defend the trombone as a leading instrument. Karel is definitely one of these special player who offers here on this album a great group of musicians who really connect with one another.
Same View Different Meaning is a promising album and prove to only be the beginning of an exciting adventure Karel and his quintet will enjoy. My favorites are "Same View, Different Meaning Part II" and "Echo Chambers”."
Samuel Blaser, June 2022

ARTISTS:
Fabian Supancic - Organ, Composition
Christopher Pawluk - Guitar
Howard Curtis - Drums
Guest Artist: Florian Supancic - tenor sax

Nach seinem Debutalbum „I Think Of You“ (2021) im Klaviertrio, widmet sich Supancic auf seinem neuen Album "Explorations" (Alessa Records 2022) wieder ganz der Hammondorgel. Bestehend aus Eigenkompositionen und freien Improvisationen, zollt dieses Album der Tradition des Orgeltrios Tribut und erforscht durch eine Mischung aus Straight-Ahead und Modern Jazz gleichzeitig freiere Sphären im Sinne der Musik der 1960er Jahre. Klassische Aspekte des Orgeltrios durch Einflüsse wie etwa dem legendären Organisten Jimmy Smith, mischen sich mit energetischen, freieren Konzepten angelegt an die Musik John Coltranes. Mit dem Schlagzeuger und Perkussionisten Howard Curtis, seinerseits ein Verehrer der Spielweise und Musik Elvin Jones’, begibt sich das Trio mit dem Gitarristen Christopher Pawluk auf eine musikalische Entdeckungsreise. Mit dem Saxofonisten Florian Supancic, wird das Trio für einige Stücke zum Quartett erweitert.

ARTISTS:

Woodwinds:
Heinrich von Kalnein - Flute/Alto Flute/Alto Sax
Jaka Arh - Tenor Sax/Clarinet
Milosh Milojevic - Clarinet/Bass Clarinet
Stas Zhukovskyy - Oboe/Duduk
Gerald Preinfalk - Baritone Sax/Bass Clarinet

Brass:
Marc Osterer, Jakob Helling - Trumpet
Karl-Heinz Tappler - French Horn
Ádám Ladányi - Trombone
Johannes Oppel - Bass Trombone

Rhythm Section:
Sandra Macher - Harp
Šimun Matišić, Florian Pöttler - Percussion
Michael Lagger - Piano
Ivar Krizic - Bass
Luis Oliveira - Drums

String Orchestra:
Violin: Andreas Semlitch, Mikołaj Kostka, Kristina Wasik, Cozy Friedel, Daniel Allison, Anna Tropper, Albin Krieger, Pantea Moshfegh
Viola: Gregor Fussenegger, Jakob Suchentrunk, Álvaro Larre, Andreas Trenkwalder
Cello: Sigrid Narowetz, Kristijan Krajnčan, Katja Finsel, Urban Megusar, Eduardo Antiao

This music is a result of the four years of doctoral artistic research I did at the University of Music and Performing Arts Graz. I investigated how one can establish communication between jazz and classical musicians by encouraging them to engage in more collaboration in the large ensemble context. That investigation led my artistic work to examine, explore, and question the hierarchy that is still very present and has historically been reproduced in large jazz ensembles. As Christopher Small points out in his book Musicking, the relationships and traditions in making music are a “matter of choices and there is nothing inevitable about the arrangements we make, it is not ordained by nature but is a social arrangement” (1998: 36).

All pieces were initially composed and arranged by me, however, during the rehearsal process, the musicians had almost infinite freedom to change, erase, recompose, adapt, and improvise the music to fit their own musicality. By using this process, they experienced the feeling of playing in a small jazz band albeit with almost forty musicians… a concept that has been tried in the past by many musicians coming from classical, jazz, and other musical genres to different results. Our orchestra experience seemed to create new hierarchies between the musicians, composer, conductor, and the written music, in general. It strengthened the cooperation between everyone and opened up new ways for us to think about how to make large ensemble music where the barriers between composer, conductor, interpreter, and improviser can be liquid.

On a deeper and more universal level, I would like to dedicate this work to the fight against racism and poverty around the world. In May 2020, the murders of George Floyd, Breonna Taylor, and other black Americans in the US sparked a series of protests against racism around the world and influenced my work directly because I was composing this music at the same time. As a Brazilian, I saw racism and poverty close up as a structural and social problem, however, coming from a white, middle-class family, I always held a privileged position. Now, with 37 years old, I would like to use my own life experiences and human responsibility to draw attention to this highly important topic, which is still present in the world today. Now is the time to make clear to society that basic human needs apply to all and must be met. Only through this clarification and social change can we speak of a world in which justice and equality prevail.

During my musical research for this project, I realized that I knew almost nothing about black orchestra composers and started to discover beautiful music written by composers such as Samuel Coleridge-Taylor, Florence Price, William Grant Still, Undine Smith Moore, Julius Eastman, and George Walker. These and many other black composers have long been denied a proper place in music history and I hope to help change this by highly recommending that you check out their music!

Along with my emotional motivation to write this music, my artistic research also resulted in a dissertation. It aims to help better understand the social arrangements established in Large Jazz Ensembles, to place the Jazz Symphonic Orchestra tradition in historical context, and to link it to the development of the Third Stream, showing aesthetic and social implications that this cultural establishment reproduces to the current day. I would like to recommend the listener (musician or not) to read my dissertation in order to better comprehend how this album was conceived and to learn more about the long journey that encompasses the initial concept through to the final composition of this music. The text can be reached here with this QR code:

I am happily releasing this album after four years of challenges and discoveries about music, the world, and myself. Musicking in a large ensemble context deals intimately with hierarchy and is a powerful tool to help question the ways in which we relate to each other whether in the musical world or in our daily lives. It brings the possibility for new aesthetic experiences, and more importantly, it can improve the artists’ individual and/or group experiences by changing the relationships with each other. Furthermore, for the world as a whole, this kind of concept and experience can provide a way of existing that is based on trust, collaboration, and serenity.

An orchestra playing should be an inspiring example of people working together!

ARTISTS:
Jakob Mayr – Posaune, Flügelhorn, Komposition
Lukas Lackner – Tasten
Thomas Milacher – Kontrabass
Jakob Kammerer – Schlagzeug, Vokal

In ihrer Interaktion kreieren die Musiker des Ensembles lange musikalische Bögen, wechseln verspielt zwischen akustischen und elektronischen Sounds. Das Ergebnis entpuppt sich in energetischer Klangvielfalt: Multiphonics auf der Posaune, raue Grooves der Rhythm Section und einprägsame Melodien.

Nun ist es soweit: die zweite Platte mit dem Namen „Pulsing“ erblickt das Licht der Welt . Wenn man den Sound dieses Albums kurz & knapp beschreiben müsste, könnten das folgende 3 Attribute sein: oszillierend, ideenreich, intensiv, warm, verwachsen – ja stimmt, das sind 5 … wie auch immer.

All diese Attribute werden in den Kompositionen des Posaunisten vereint und beschreiben die stetige Veränderung von Emotionen und Weltanschauungen durch Impulse im Innen und Außen im Wandel der Zeit .
Die intuitiv angelegten Kompositionen in unterschiedlichster Struktur ermöglichen es den Musikern in ihren Solospots die Ideen frei sprudeln zu lassen und verleihen der Musik eine wohltuende Lebendigkeit und unüberhörbares Freiheitsgefühl.

Textauszug aus dem Album "Pulsing":
As seasons, were spinnin' 'round, we had our up's but more downs
Sometimes you need to hit rock bottom to get on solid ground
Sometime you need to hit rock bottom to set off homeward bound
They say home is where your heart is, my heart is where the art is.

ARTISTS:
Nina Plotzki: Vocals
Klaus von Heydenaber: Piano
Thomas Stabenow: Bass
Michael Keul: Drums
Rich Dana Laughlin: Cornett

Es war vor 20 Jahren, als die gerade mal 22-jährige Jazzsängerin Nina Plotzki in München für Aufsehen sorgte. Hatte sie sich doch an ein Marlene-Dietrich-Programm gewagt, mit „dunklem, samtigen Timbre, einem glänzenden Gefühl für Timing, einem Schuss Laszivität und mit einer gehörigen Portion Mut, die es braucht, wenn man gegen einen Mythos antritt“, wie die Süddeutsche Zeitung feststellte. Und das Experiment für gelungen erklärte, weil Plotzki „sie selbst geblieben ist, mit Natürlichkeit, entwaffnendem Charme und funkelnden Augen, ohne Marlene zu kopieren oder sich als Diva auszugeben.“ Ein Anfangs- und Achtungserfolg, der dann erst einmal zu den Akten kam. Wegen einiger Menschlicher Enttäuschungen, weil neue Aufgaben warteten, aber auch, „um nicht in einer Schublade zu landen“, wie sie erklärt. Doch ganz hat dieses Programm sie nie losgelassen, und so wagt sie sich jetzt mit „Marlene“ an eine Neuauflage - völlig neu arrangiert und aufgenommen, vor allem aber angereichert mit 20 Jahren Lebenserfahrung voller Durststrecken und Höhepunkten, die diese Texte noch einmal tiefgründiger und intensiver werden lassen.

Die Marlene-Hommage war damals Plotzkis Berlin-Erfahrung entsprungen. 1998 war die Offenbacherin nach ersten Studienjahren in Mannheim zum Aufbau-Studium an die Hochschule für Musik „Hanns-Eisler“ gegangen, knüpfte in der vibrierenden Berliner Szene schnell neue Kontakte und bekam sogar beim Berliner Sender „Jazzradio 101,9“ als Moderatorin eine eigene Sendung. In München, ab dem Jahr 2000, und nach einem kurzen New-York-Intermezzo, veränderte sich der Blickwinkel.
Drei Kinder wollten großgezogen werden, trotzdem blieb sie vor allem als Frontfrau der heute legendären Al Porcino Bigband in der Szene präsent.
Jetzt war es an der Zeit neu durchzustarten. Ihr Comeback-Album und spätes CDDebüt unter eigenem Namen „De tout mon coeur“ wurde nach dem Erscheinen sogleich für den Preis der deutschen Schallplattenkritik nominiert. „Marlene“ hat sie sich jetzt zum zweiten Projekt auserkoren, nachdem sie mit Klaus von Heydenaber den idealen Partner dafür gefunden hat. Der 39-jährige in Graz ausgebildete Pianist hat sich seit gut 15 Jahren als Komponist, Arrangeur und musikalischer Leiter vor allem im Theaterbereich einen Namen gemacht, an den Schauspielhäusern Graz, Zürich, Hamburg oder Stuttgart wie an den Theatern von Budapest, Heidelberg, Basel oder dem Volkstheater Wien. Seit 2014 leitet er sein eigenes Jazzorchester inMünchen, für das er sämtliche Kompositionen und Arrangements beisteuert. Mit diesen drei Schlüsselqualifikationen war er genau der richtige für Arrangements, die der samtweichen, hintergründigen Stimme Plotzkis trotz aller Feinheit und Intimität einen dramatischen, bühnenreifen Auftritt zu verschaffen.
Und so bekommt schon der Opener, Friedrich Hollaenders unerreichte LibertinageHymne „Ich weiß nicht, zu wem ich gehöre“, einen eigenen swingenden Puls. 13 ganz unterschiedliche Songs hat Nina Plotzki aus dem Oeuvre Marlene Dietrichs ausgesucht: Natürlich „Ich bin von Kopf bis Fuß auf Liebe eingestellt“ aus dem „Blauen Engel“, der sie 1930 schlagartig zum Weltstar machte; die ebenfalls vom großen, die Zwischentöne wie kein anderer findenden Friedrich Hollaender stammenden „Wenn ich mir was wünschen dürfte“ und „Ich weiß nicht zu wem ich gehöre“; einige andere der besten deutschen Schlager aus Merlenes Repertoire, von Lale Andersens „Lilli Marleen“ über Peter Kreuders „Allein in einer großen Stadt“ zu Ralph Maria Siegels „Ich hab noch einen Koffer in Berlin“; vier ihrer grandiosen – vom ungerechterweise vergessenen Wiener Emigranten Lothar Metzl für sie geschriebenen - deutschen Versionen amerikanischer Songs wie „Sei lieb zu mir“ („Mean To Me“) oder „Mein Mann ist verhindert“ (nach Cole Porters Original „Mr. Otis Regrets“); das amerikanisch gehaltene „I’ve Get Accustomed To Your Face“ aus „My Fair Lady“; und schließlich zwei französische Chansons der späten WahlPariserin, das bis zu ihrer Fassung recht unbekannte „Je tire ma reverance“ und das umso bekanntere „La vie en rose“ von Edith Piaf.
Ein bittersüßer Songkosmos, der das Leben nie nur von der heiteren Seite betrachtet. Der nicht von der Dietrich oder von Nina Plotzki geschrieben worden ist, es aber sein könnten. Denn das eint die heutige Nina Plotzki mit Marlene Dietrich: Sie hat all diese Geschichten inzwischen auf ihre Weise erlebt und durchlitten. Es ist die Authentizität, die Glaubwürdigkeit jedes gesungenen Wortes, die diese Interpretationen so überzeugend machen. Abgesehen von den Gesangsqualitäten, die sie dem Sprechgesang der Dietrich gegenüberzustellen vermag. Dazu passt, dass Plotzki diesmal nicht wie vor 20 Jahren junge Wilde begleiten, sondern die im Swing versiertesten Routiniers der Münchner Szene: Der in tausenden von Konzerten und hunderten von Aufnahmen gestählte Bass-Professor Thomas Stabenow, der Besen-Virtuose und Drum-Klassizist Michael Keul am Schlagzeug sowie mit seinen feinen, fließenden Einwürfen der Trompeten-Veteran Rich LaughlinAlles zusammengenommen ergibt das eine außergewöhnlich reflektierte, von Erfahrung gefärbte Marlene-Wiedererweckung, die unwiderstehlich in Geist und Gemüt des Hörers dringt. Zeitlose Schönheit, mindestens so mutig in Szene gesetzt wie vor 20 Jahren.

ARTISTS:
Urs Hager - Klavier
Christopher Pawluk - Gitarre
Tobias Pustelnik - Saxophon
Philipp Zarfl - Bass
Valentin Duit - Schlagzeug

Urs Hager
* 04.01.1996 in Garmisch-Partenkirchen
BA-Abschluss Jazz-Klavier an der Kunstuniversität Graz
MA-Abschluss an der MUK Wien
Konzerttätigkeit:
Jan./Feb. 2020 Europatournee mit Vincent Herring (as), Essiet Essiet (b), Joris Dudli (dr)
Des weiteren: Andy Middleton, Jim Rotondi, Herwig Gradischnig, Jiggs Whigham, Dusko Goykovich, Klemens Marktl, Roman Schwaller, Peter Tuscher
1. Preis beim Zilina International Jazz Contest 2017, Win Pongsakorn Quintet
Festivals:
Thailand Jazz Conference, Bratislava Jazz Days, Langnau Jazz Nights, Brucknerhaus Jazznacht, Passau Jazzfest, Inntöne Jazzfestival, Nicaragua Jazz Festival
Produktionen:
2022 Megalopolis, eigenes Projekt, Alessa Records
2022 Silent City, Lukas Kleemair, ATS Records
2022 Romantic Symmetry, Daniel Holzleitner, Jazzwerkstatt Records

2020 Constellation Project, Raphael Käfer, ATS Records

2019 Comprovisition Project, Daniel Holzleitner, Rote Welt Records 2017

Christopher Pawluk
* 06.05.1990 in Kirchdorf a. d. Krems
BA-Abschluss Jazz-Gitarre am Franz Schubert Konservatorium Wien
Studium Jazzkomposition und Arrangement an der MUK Wien
MA-Abschluss an der MUK Wien
Konzerttätigkeit:
Ack van Rooyen, Howard Curtis, Andy Middleton, Michael Abene, Marianne Mendt, Joris Dudli, Phil Yaeger, Haggai Cohen-Milo, Daniel Nösig, Mario Gonzi, Oliver Kent, Carole Alston, Philipp Nykrin, Georg Vogel, Jakob Gnigler, Gina Schwarz, Mario Rom, Martin Reiter, Gerald Preinfalk, Herwig Gradischnig, Thomas Kugi, Jure Pukl, Fabian Rucker, Vladimir Kostadinovic, Austrian Chamber Jazz Ensemble, Spittelberg Jazz Orchestra, Herbert Pirker, Paolo Cardoso, Alois Eberl, Jan Roder, Piotr Wylezol
Festivals:
Donauinselfest Wien, Jazz is Back Festival Groznjan/HR, Generations International Jazzfestival Frauenfeld/CH, European Jazzfestival Katar, Jazzfestival Leibniz, Jazzwerkstatt
GrazProduktionen:
Tobias Pustelnik Quartett - „Intentional Intuition“ (2021)
Gina Schwarz - „All Alone 2020“ (2021)
Tobias Hoffmann Nonett - „Retrospective“ (2019)
Robert Unterköfler Quintett - „Rote Welt“ (2018)

Tobias Pustelnik
* 09.09.1991 in Graz
BA-Abschluss Jazz-Saxophon an der Kunstuniversität Graz
MA-Abschluss Jazz-Saxophon Amsterdam Hoogeschool voor de Kunsten (NL)
Konzerttätigkeit:
Don Menza, John Fedchock, Eric Truffaz, John Clayton, John Hollenbeck, Dick Oatts, Mathias Rüegg, David Friedman, Miguel Zenon
Preise und Wettbewerbe:
Zilina International Jazz Contest (1.Platz, 2018 - Zilina/SVK)
Generations Frauenfeld Festival (Gewinner, 2016 - Frauenfeld/CHE) Sibiu Jazz
Competition (Gewinner, 2016 - Sibiu/ROU)
21st Porin Award (Gewinner, 2014 - Zagreb/HRV)
Downbeat Award (Best graduate Performance, 2014 - Magazin USA)

Jazz nad Odra (Gewinner in Band Wettbewerb, 2012 - Wrclaw/POL) European Jazz
Contest (Finalist Top 4, 2012 - Rom/ITA)
Getxo Jazzcompetition (2.Platz, 2012 - Getxo/ESP)
Marianne Mendt Nachwuchsförderung (Gewinner, 2012 - St. Pölten/AUT)
Produktionen:
Daniel Holzleitner „Romantic Symmetry“ (2022)
Paula Langthaler Quartet „Double Happiness“ (2021)
Raphael Käfer Constellation Project (2021)
Jonatan Sarikoski Search Party „The time is ripe“ (2020)
Daniel Holzleitner Comprovisition Project „Comprovisition“ (2020)
Emiliano Sampaio Mega Mereneau Project „Music For Large Ensembles Vol II“ (2020)
Roland Hanslmeier Quintet „Polaroid“ (2019)
Balazs Balogh Quintet „Borderline Inspirations“ (2018)
Jazzorchester Steiermark „The Big Base Band Live“ (2018)
Jazzorchester Steiermark feat. Karlheinz Miklin „Next Page“ (2017)
Emiliano Sampaio Mega Mereneu Project „Tourists“ (2015)
Andrej Urminsky Quintet „Four +1“ (2014)

Philipp Zarfl
* 28.07. 1991 in Wolfsberg
Diplom Studium im Fach Jazz Bass am Kärntner Landeskonservatorium
2018 Abschluss des Studiums „Bachelor of Music“ in Amsterdam
2021 Abschluss des Studiums „Master of Arts“ in Wien
Preisträger des Kärntner Kulturförderungspreises 2015
Konzerttätigkeit:
Jim Rotondi, Rob Bargad, Danny Grissett, Ben van Gelder, Thomas Gansch, Ack van Rooijen, Brandford Marsalis, Owen Hart Jr., Wolfgang Puschnig, Igor Lumpert, Dick Oatts, Vincent Bourgeyx, Andy Middleton, Lukas Gabric, Renato Cicco, Oliver Kent, Mario Gonzi, Roman Schwaller, Lorenz Raab, Jorge Fistel, Peter Kronreif, Howard Curtis, Joris Dudli, Cathy Rocco, Ryan Hanselaar...
Produktionen:
„Long Way“ - Tone Jansa
„Tribute to Udo Jürgens“ - Jörg Seidel
„The Gift“ - Fiona Fergusson
„Peter Primus Frosch“ - Peter Frosch
„Sundee Evening“ - Lorrenzo Bonucci
„Retrospection“ - Raphael Käfer

Valentin Duit
* 24.01.1992 in Klosterneuburg
Schlagzeugstudium in Wien und Luzern
Konzerttätigkeit:
Andy Middleton, Roman Schwaller, Andi Schreiber, Dsilton, Jakob Gnigler, Harry Pepl (tape) & The (Lonely) Single Swinger Band, Vienna Improvisers Orchestra, Coastline Paradox, Tobias Meissl Trio, Tobias Pustelnik Quartett
Produktionen:
Robert Unterköfler - Rote Welt
Coastline Paradox - Welf & Eiger
Gnigler/Duit - Live at Amann Studios
Duit & Gadermaier - Raitug Fack No
Mashevene, Duit Solo
Ese-Udu, Duit Solo
zwölf nach vier - Traum #1

ARTISTS:
Lukas Gabric - tenor saxophone
Rob Bargad - piano
Philipp Zarfl - bass
Peter Primus Frosch - drums

Der Title Track, „Double Standard” („Mit zweierlei Maß messen”), soll als Zweideutigkeit verstanden werden, die gesellschaftliche Missstände anspricht, aber auch als eine humorvolle Anspielung, da auf dem Album kein einziger Jazz Standard aufgenommen wurde. Viel eher war es meine Intention, die Stücke nach den archetypischen strukturellen Schemata des Great American Songbook aufzubauen. Die US-amerikanische Jazzikone Walt Weiskopf schreibt in den Liner Notes zum Album: „Lukas’ level of artistry does not come easy, it’s the product of raw talent combined with persistence, hard work, and the evident and apparent love for an artform. Lukas has mastered the tenor saxophone with seemingly flawless technique, a rich big warm sound, and great notes streaming out of the horn. All of Lukas’ compositions on this album make for excellent listening. Beautifully crafted and satisfying to the ear, Double Standard is a terrific collection”.

Since I was lucky enough to mentor Lukas Gabric over ten years ago during his time at the New School in New York City he has accomplished many things in music. He has written excellent books on jazz improvisation, he is a distinguished musicologist, academic, and, best of all, a great player and composer from my admittedly narrow point of view. Double Standard, Lukas’ third album as a leader, features exclusively original compositions and is all about the exploration of the medium of the jazz quartet led by the quintessential saxophonist/leader in the tradition of other jazz greats who have traveled this path.
The musicians Lukas has assembled for this project are beautifully well-matched. Rob Bargad (piano), an alumnus of Nat Adderley’s and Jimmy Cobb’s bands, is well-known as a leader in his own right. He functions here perfectly as the consummate pianist with no other agenda than to compliment and contribute his great piano playing to Lukas’ music. The completion of the quartet with fellow Austrians Philipp Zarfl (bass) and Peter Primus Frosch (drums) reflects a preference for sidemen who can immediately bring all their talents to the table. They are both virtuosic, earthy, and above all: swinging.
“Double Standard” is a perfect lead-off, showcasing the band’s essential love of this music in the shape of an original tune reflecting the tradition that has drawn so many jazz fans to the fold. It’s egoless and draws you right in.
“At the Mercy” is a reference to the endless frustrations of the visa process from the standpoint of those who love life in the U.S. but are not citizens. The loping 12/8 feel of this tune is evocative of the constant uncertainty felt by those of our piers living here who feel their fate is in the hands of bureaucracy.
“Road Trip Melody” is an up-tempo ride showcasing in the introduction and interlude a relatively uncommon linear device in jazz, the augmented scale. Without getting too technical – let’s just say it’s tricky; but the trickiest part of this display is how natural these musicians make it sound. A lay person will likely hear this tune as inspiration to “put the pedal to the metal,” which is the best thing about it.
After the twisting and turning head in “Blue Zone” the band settles quickly into a swinging 12-bar blues; the foundational form of jazz that always endures.
Following “Blue Zone” is another mainstay of the jazz tradition. “Mahalo” is a lovely original ballad inspired by the beauty of Hawaii where Lukas spent his honeymoon. Here is a chance to enjoy and admire the honest intensity of the sound Lukas gets on the tenor saxophone.
One hardly needs to mention the influence of the great John Coltrane on Lukas, on this project and virtually all jazz musicians, who are influenced by this great icon in our music. “Lockdown” is a “tip-of-the-hat” to Coltrane’s composition “Countdown,” which has inspired so many jazz musicians. On hearing “Lockdown” for the first time I had the same reaction as when I heard “Countdown” – better pick up that horn and practice! Importantly, “Lockdown” features a unique chord progression that is distinct from “Countdown,” and the title references the social distancing mandates during the COVID-19 pandemic.
My only clue about the driving and earnest standard-like “What You Are” was the title – an apparent reference to Jerome Kern’s “All the Things You Are.” I guess I’m not the only jazz musician obsessed by this enduring standard. Lukas has a theoretical basis to explain the structure of this tune but it’s not a “contrafact” (an original melody based on a pre-existing chord progression). A good way to compliment this tune is to observe that it’s an original composition that sounds like a great standard. A perfect conclusion to a great album.
Lukas’ level of artistry does not come easy, it’s the product of raw talent combined with persistence, hard work, and the evident and apparent love for an artform. Lukas has mastered the tenor saxophone with seemingly flawless technique, a rich big warm sound, and great notes streaming out of the horn. All of Lukas’ compositions on this album make for excellent listening. Beautifully crafted and satisfying to the ear, Double Standard is a terrific collection.
Walt Weiskopf, September 2021

ARTISTS:
Wolfgang Seligo - piano
Peter Strutzenberger - bass
Heimo Wiederhofer - drums

Manche Musikaufnahmen entstehen fast nebenbei. Das Trio spielte im Rahmen des Nachbarschaftsdialogs Österreich- Slowenien das offizielle Eröffnungskonzert in Ljubljana und zufällig wurde das Konzert mitgeschnitten. Nach dem Durchhören der Aufnahme war man sich einig, dieser Mitschnitt sollte veröffentlicht werden. Somit entstand neben den Studioaufnahmen jetzt auch das erste Live Release des Trios. Bei diesem Konzert wird es jazzig, funkig, rockig, manchmal etwas klassisch, aber auch ethnische Einflüsse sind zu hören.

Wolfgang Seligo, Pianist und Komponist, beschäftigt sich gemeinsam mit dem Jazz Trio in einer lockeren Herangehensweise mit Jazz, Funk und klassischen Einflüssen. Er brachte seine Musik international in unterschiedlichen Besetzungen und auch als Solokünstler auf die Bühne. Er gab Konzerte in der Verbotenen Stadt in Peking, am Roten Platz in Moskau, spielte in Marokko und dem Senegal genauso wie in Chicago oder Washington. Weitere Auftritte bei Festivals, Konzertreihen und in Clubs in Europa, Asien, Afrika und den USA.
Eine Auswahl an Konzerten und Kompositionen ab 2014: Senegal Jazz Fest Saint Louis 2014 - Washington D.C. Kulturforum 2014 - Rom Kulturforum 2016 - Jazz Fest Wien 2017 - Piano solo concert @ Piano Festival, Prag, 2018 - Solokonzerte und WorkshopTeheran 2019 - Eröffnungskonzert Nachbarschaftsdialog Österr./Slowenien Laibach 2019, “Jalousienballet” (“Jalousie Ballet”), Auftragskomposition zum 70. Geburtstag der Volkshochschule Hietzing Wien 2017, Komposition “Sophie” , Uraufführung anlässlich des 70 Jahre Franz Lehar Festival in Bad Ischl 2018, seit 2020: Vorsitz der Gruppe Jazzkomposition @ Austrian Composers Association (ehemals Komponistenbund)

Peter Strutzenberger, Kontrabass, gehört zu den musikalisch vielseitigsten Bassisten Österreichs. Sein Klangbogen reicht von Jazz über Blues und Rock bis hin zur klassischen Musik. Er begleitete viele europäische Jazzmusiker (ua. Karl Ratzer, Harri Stojka, Dana Gillespie), spielte bei klassischen Musikproduktionen in der Wiener Staatsoper und hatte Konzerte mit international bekannten Musikern wie Red Holloway, Big Jay McNeely, Howard Alden und Axel Zwingenberger.

Heimo Wiederhofer, Schlagzeug, studierte Jazz und Klassik und spielte mit Jazzgrößen Sheila Jordan, Albert Mangelsdorff, Bill Dobbins, Jimmy Knepper, Ron McClure, Marc Murphy, Andy Bey, Jarmo Savolainen, Phil Markowitz, Ed Neumeister, Karl Ratzer, Gustavo Bergalli, Fritz Pauer, Steve Gut, Bosco Petrovic. Lange Zeit war er Mitglied im Karlheinz Miklin Trio und arbeitete zusammen mit Harri Stojka

ARTISTS:
Mátyás Bartha - piano
Danny Ziemann - bass
Christian Salfellner - drums

Welcome to the pianistic world of Mátyás Bartha. Mátyás has poured his heart, soul, and mind into his first recording as a leader. This project is a journey of self refl ection - a statement of who he is as a pianist, as a musician, and as a person.

Mátyás has impeccable technique. His hands are able to carry out the ideas his imagination offers, regardless of tempo or complexity.
While he is able to color a song with lush voicings and subtle internal counterpoints, what one hears fi rst and foremost is his deep love of melody. Whether he is stating the main theme of a song or creating variations through chord changes, Mátyás sings through the piano with clear and direct rhythm. He transmits his emotions directly to our ears and hearts.
In the social media age, young musicians are often encouraged to seek immediate attention through dazzling technique and fi reworks, forsaking space, patience, and emotional connection. Although Mátyás can “play the hell out of the piano,” he prefers using sophistication and elegance to draw us into his music to hear his story. Putting aside visions of popularity, he focuses on offering listeners acoustic beauty.

Mátyás is both a wonderful composer and a great interpreter of the Great American Songbook. His clever and melodic compositions and arrangements are full of surprises, smiles, and love for the swing beat.
Throughout the set, bassist Danny Ziemann and drummer Christian Salfellner accompany Mátyás selfl essly, always choosing to support the pianist rather than to show off personal abilities. However, when the moment comes for them to take the spotlight, Danny and Christian each play with fi re, imagination, and tenderness.
All three members of this relatively new yet cohesive group contributed to the direction of the songs, with each player giving his all to the music and the stories. While Mátyás has a strong connection to stride and other earlier piano styles, he felt a more modern approach suited this particular trio and recording project. As you listen, it is evident that rapport won over style – you will feel the connection between these three souls.
What an auspicious start, both for Mátyás Bartha as a lead recording artist, and for this beautifully integrated trio! This maiden voyage is no small feat. The combination of expertise, sincerity and diligence will take Mátyás far and wide artistically. We listeners can look forward to enjoying his journey as it unfolds in the years to come.
–MICHAEL KANAN–
New York Jazz Pianist

ARTISTS:
Oliver Kent - piano
Uli Langthaler -bass
Dusan Novakov - drums

Raised in a middle-classed family (with an affinity to music) in the city of Vienna during the sixties and seventies, the Pop culture and Music of the time poured in from the USA and Great Britain and brought with it some fascinating, revolutionary things like: long hair, hippie styles, drugs and of course inspiring pop and rock music.
My favorites were Jimi Hendrix and Carlos Santana but I also li1ked The Beatles or the Rolling Stones, among many others. I discovered it was much more fun to try to imitate their songs.
A few years later, after some classical training on the upright bass and after having shifted my focus to jazz music, I discovered a pretty good jazz scene and musicians in Vienna. I got the opportunity to play a lot with the ,old cats' and enjoyed learning from them while honing my craft.
Then I met Oliver Kent, who at the time was the up-and-coming pianist on the Austrian jazz-scene. We began working together in different formations. As a trio we regularly opened Jam sessions but also played concerts and at some gigs supplied the background music.
After the amazing drummer Dusan Novakov moved from Graz to Vienna, he joined us playing in clubs and at festivals all across Europe and beyond. Dusan is not only an experienced drummer, open to all kind of styles but also the owner and sound engineer of the Dukatton Studio, where we began to record on a regular basis.
We released our first trio cd, "Triple Ace Trio" on the Montreal Jazz Label in 2012, our second, entitled "Faces" was released in 2016 on Alessa Records.
When, due to the pandemic lockdown 2020, all our live performances were cancelled, we seized the opportunity and met in Dusan's Studio as often as possible. We recorded whatever came to our mind: Standards, Jazz tunes, Popsongs and our own compositions. Of course we then stood before a difficult task because there were ways over 30 tracks we liked. Now this triple album truly represents how beautifully we play together and our concept of a contemporary and modern Jazz Trio. Having this abundance of recorded songs we decided to divide it into 3 CD's.
We proudly present: "triple ace triple"

Uli Langthaler, Vienna, September 2021

ARTISTS:
Piero Odorici - saxophone
Andrea Pozza - piano
Aldo Zunino - double bass
Bernd Reiter - drums
Stephane Belmondo - trumpet

I met Steve for the first time in the early 80‘s in Bologna when he came to play at the historic “Osteria delle Dame”; for me it was a shock to hear a musician like him live and it really changed my way of playing and approaching jazz. Steve stayed for a week back then and was very kind and helpful with me, later on he settled in our city permanently. I was fortunate to establish a beautiful friendship with Steve, he taught me a lot and gave me the chance to play with him many times; being around him has been a great school and life experience for me and I will forever be grateful. We will always miss you, Steve!
Piero Odorici

I had the honor to play with Steve Grossman for many years since 1990, he took me around Europe to perform in important festivals and venues, giving me invaluable opportunities to grow as a jazz musician. He was one of the few musicians that didn’t accept any compromise about music, he liked to swing and to follow the music flow without trying to control it, a rare characteristic that only the masters have! Plus he was always very kind to me, pushing me to play at my best and beyond my limits, I miss him a lot as a friend and I miss his unique sound and swing.
Andrea Pozza

I first saw Steve in the 1980s as a guest of the Cedar Walton Trio. After a few years, in 1990 I played with him for the first time. I confess that I was tense and also a little intimidated; Steve was not an easy type. Instead, a beautiful musical and human relationship was born that lasted more than twenty years. I am happy and honored to be part of this quintet where the, so called by Steve, “Jazz-feeling” is fully represented.
Aldo Zunino

I was very aware of Steve Grossman because of his work with my hero Elvin Jones, since then Steve was one of my favorite musicians, not only saxophone players. When I got called in 2010 to play with Steve’s quintet at Paul Zauner’s “Inntöne”-festival, I was very excited and yes, very nervous too! This was indeed an unforgettable experience, I was thrilled when I heard Steve’s warming up solo-performance of “In A Sentimental Mood”. Steve died last August, way too young and early, all five of us had the desire to honor him with a recording dedicated to his life and musical legacy! I am happy we could do this in February/March 2021 during the difficult lockdown-period which made it even more special and memorable, thanks a lot to everybody for the music, spirit and great vibe!
Bernd Reiter

ARTISTS:
Carles Muñoz Camarero -cello
Tobias Pöcksteiner -double bass
Raphael Schuster - drums

feat.:
Astrid Wiesinger - Alt-/Sopransaxofon
Vincent Pongracz - Klarinette

Hört eine Suche zwingend auf, wenn etwas gefunden wurde? Was, wenn gar nicht klar ist, wonach gesucht wird? Was, wenn die Suche zum Selbstzweck wird – Suchen um des Suchens willen? Dann wird die Lupe zum unermüdlichen Brennglas.
Um diese Gedanken kreist das Album Auf der Suche danach. Denn: Suchen ist immer auch schon Finden. Im Moment des Musizierens verschmelzen die beiden Prozesse, sodass sie nicht mehr klar voneinander unterscheidbar sind.

Die Working Band Saitenfalter erforscht die vermeintliche Grenze zwischen konzeptuellem Denken und spontanem Agieren mit besonderer Vorliebe für unausgetretene Pfade. Die Rollen des gesamten Bandgefüges wie auch die der individuellen Instrumente und Persönlichkeiten werden ständig hinterfragt, was neben den klanglichen Möglichkeiten auch ein Umdenken in Bezug auf Begleit- und Solo-Funktionen mit sich bringt. Durch die gemeinsam gesammelte Bühnenerfahrung hat sich beim Spielen eine intuitive Leichtigkeit entwickelt, die es ermöglicht, den einzelnen Charakteren genügend Raum zu geben und trotzdem als integrative Einheit in großen Bögen zu agieren.

Im Dunstkreis des Instituts für Jazz und improvisierte Musik der Bruckneruni Linz formierte sich die Band 2017 ursprünglich als Quartett, mit Margit Gruber an der Geige. Auf Basis von freien Improvisationen, eigensinnigen Covers und vereinzelten Eigenkompositionen etablierte sich bald ein kreativer Fluss, der über die Jahre einen sehr eigenständigen Bandsound herausbildete. Mittlerweile als Trio agierend, haben sich die Covers verflüchtigt – es stehen nun improvisierte Stücke und solche aus eigener Feder im Mittelpunkt.
Der Klangkörper bestehend aus Cello, Kontrabass und Schlagzeug ist fremd und vertraut zugleich; er versteht sich als paradoxes Wesen, das sich seiner noch wenig abgedroschenen Möglichkeiten erfreut. Das von allen Seiten gegebene Interesse an nicht-konventionellem Umgang mit den Instrumenten (in Form von Klang-Tüfteleien, extended techniques, Entfremdung) kommt dem ebenso entgegen
wie die unterschiedlichen musikalischen Hintergründe der drei Bandmitglieder. So haben zeitgenössischer Jazz, Pop und Rock ebenso Einfluss auf die Ästhetik der Band wie traditionelle ethnische Musik, Alte Musik und Neue Musik.

Im Rahmen der Konzertreihe „Brennkammer“ (Strenge Kammer, Porgy & Bess Wien) im Jahr 2019 lud die Band für drei Abende in Folge jeweils eine Gastmusikerin/einen Gastmusiker ein, um mit ihm/ihr improvisierend den Abend zu gestalten. Auf die bereits aufeinander eingespielte Band traf also eine relativ fremde Person, wodurch einerseits das gewohnte Gefüge bestehen blieb, andererseits aber um eine Unbekannte erweitert wurde, die zudem das Klangbild anders färbte. Da dies so gut funktionierte, wurde entschieden, für das Debut-Album ebenfalls Gastmusiker*innen einzuladen. So werden Astrid Wiesinger (Sopran- und Altsaxofon) sowie Vincent Pongracz (Klarinette) sowohl bei einigen Kompositionen wie auch bei den „catches“ (spontane improvisierte Stimmungen) gefeatured. Auf dem Album ist die gesamte Bandbreite von offener, improvisierter Form bis hin zu klar konzipierter Struktur vertreten, wobei sie gleichermaßen fließend ineinander übergehen oder collagen-artig aneinandergereiht sein können.

ARTISTS:
Richie Winkler - Altsaxophone, Sopransaxophone, Bassclarinet
Burkhard Frauenlob - Klavier, Keyboard
Wolfram Derschmidt - Bass
Christian Stolz - Drums

Mit dem „Richie Winkler Projekt feat. Frauenlob/Stolz/Derschmidt“ gibt es eine Fortführung jenes musikalischen Geistes mit zum größten Teil für dieses Projekt entwickelten neuen Kompositionen.
Es wird „Stitch Down“ heissen!
Dies meint, dass in jenem Programm nicht nur die Schuhsohlen für den einen oder anderen Tanzschritt genagelt werden sollen, es wird durchaus der Beat im wahrsten Sinn des Wortes genagelt, um Sitztänzer von ihren Hockern zu liften!
Es findet sich eine Erweiterung der musikalischen Sprache, die durchaus einen attraktiven, fesselnden Bogen durch die Jazzgeschichte spannt, um letztlich eine eigene Bandsprache gefunden zu haben.
Da wurde das Rad nicht neu erfunden, nichtsdestotrotz swingt und grooved es gleichermaßen und versprüht auch nicht zu knapp positive Energie.
Es wird großen Meistern, wie Thelonius Monk, Chick Corea, John Coltrane, Steve Lacy, Cannonball Adderley bis Kenny Garrett, Steve Coleman und Greg Osby nachgespürt,
Eine Band, die lyrisch und mitunter sehr emotional musiziert und improvisiert, figurativ, flamboyant und doch sehr sensibel zwischen den Stilen mit sehr variierenden und multiplen Perspektiven changiert.
Situativ und performativ zugleich, stets zerstörend und neu erschaffend.
Dennoch findet sich eine sehr streng geführte Formensprache mit Liebe zum Detail!
Als Komponisten zeichnen nach wie vor Richie Winkler und Burkhard Frauenlob verantwortlich

ARTISTS:
Udi Shlomo - compositions, arrangements and drums
Omri Abramov - tenor and soprano saxophone
Jesse Schilderink - tenor saxophone
Håvard Aufles - piano
David Andersson - double bass

Udi Shlomo is a drummer, composer and arranger, born in Kibbutz Nahshon (Israel), with roots from Iraq, Poland, Old Czechoslovakia, who since 2010 has been living in Trondheim (Norway). This diverse background is being expressed in Shlomo's debut album with the title Diaspora House. The album combines Shlomo's original compositions, that are inspired by memories, pictures, stories and nature from his early life in the kibbutz, together with new arrangements of traditional Hebrew folk music, and colored by the experience of life in Norway – away from the roots; within the diaspora. This blend of cultures creates what today is called "World Jazz". Just like himself.

ARTISTS:
Monika Dörfler - Komposition/Klavier
Josef Wagner - Komposition/Bass
Rainer Deixler – Schlagzeug

Muss politisches, weltanschaulich-ideologisches Bekenntnis von der Kunst ferngehalten werden? 
Darf eine um den Zustand der Welt besorgte Vollblut-Musikerin ihrer Besorgnis mit den Mitteln der Kunst Ausdruck verleihen? 
 
Das Ensemble TRIS (Monika Dörfler - Komposition/Klavier, Josef Wagner - Komposition/Bass, Rainer Deixler – Schlagzeug) entkommt dieser Gefahr mit seiner Debut-CD Endangered Species mutig, souverän, überzeugend. 
 
Denn obwohl eine repräsentative Auswahl in höchstem Maß gefährdeter Tierarten zum Namen des Albums und zu den einzelnen Song-Titeln geführt hat, wird die Besorgnis keineswegs plakativ oder gar anklagend, viel mehr mit musikalisch feinster Klinge, behutsam und man möchte fast sagen mit schockierender Eleganz vermittelt. Die Sorge macht sich nicht durch das Schwert, sondern eher durch Tränen Luft. 
 
Gleichzeitig entsteht förmlich ein staunender, leichtfüßig-spontaner Dialog mit den Tieren, welcher durch die Texte der Schriftstellerin Andrea Grill im Booklet eine weitere Dimension erhält. Ein Dialog, der dem subkutanen Grauen die Vielfalt und Schönheit der Lebewesen und der Natur mühelos entgegenhält, sodass der Funke zu Solidarität und Handlungsbedarf überspringt, aber gleichzeitig ein beseeltes Lächeln aufs Gesicht zaubert.” (Jörg Duit, OE1) 

Der variantenreiche Zugang zur Musik, der Improvisation und Komposition gleichermaßen zu einem organischen Ganzen verbindet, ist die wesentliche Charakteristik von TRIS. Klare kompositorische Strukturen werden durch den Raum sich entfaltender Improvisationen ab- und aufgelöst. In diesem Spannungsfeld entsteht eine Fülle an Freiheiten, die von den Musiker/innen perfekt ausgelotet werden. Das "klassische" Jazztrio löst sich dabei von den Grenzen der Genres, verbindet eigene, oft lyrisch anmutende Kompositionen mit freier Improvisation – spontan, interaktiv, kommunikativ – und findet spielerisch und virtuos einen unverkennbaren und eben für TRIS typischen Klangraum. Biologin und Schriftstellerin Andrea Grill hat zu jedem Track der "Endangered Species" einen Text geschrieben und Richard Barus ein eindrucksvolles 16-seitiges Booklet zum Thema gestaltet. 

ARTISTS:
Kristina Barta - Piano, Rhodes, Synth, Voc
Nela Dusova – Sax, Voc
Krystof Tomecek – Guitar
Jan Feco – Bass
Marek Urbanek – Drums

Feat.:
Martina Barta - Lead Voc (2,8,11)
Simon Marek - Violoncello (2, 4, 6, 7, 8, 11)

Pianist & composer Kristina Barta debuted with her album “EMA29” in 2017, where she presented a selection of her early compositions.
The base of the lineup for this recorded consisted of bassist Jan Fečo and drummer Marek Urbánek, but the album also featured guests from the Czech Republic and beyond – guitarist Kryštof Tomeček, trumpetist Miroslav Hloucal, as well as the American vibraphonist David Friedman and US-based saxophonist Karel Růžička jr.
This ensemble evolved into Event Horizon – adding saxophonist Nela Dusová to the tried-and-true rhythm section consisting of Fečo, Urbánek and Tomeček. The success and critical acclaim of Kristina’s debut album, which showcased her unique compositional approach, as well as years spent perfecting her newer repertoire resulted in Event Horizon having been invited to perform on Jazzahead! – the world’s biggest trade fair of its kind – thus being the first ever Czech band to perform
there.
Her sophomore studio record Love and Passion reflects Kristina’s affinity for the contemporary New York jazz scene and strives to pass on this atmosphere to the listener.
Compared to “EMA29”, which draws inspiration mostly from jazz tradition, “Love and Passion” incorporates a more eclectic mix of influences including modern jazz, elements of classical music and pop.
The album is stylistically diverse, yet still bound together with the motif of love and burning passion. Love is expressed in many ways here, be it the love between spouses, lovers, friends and even the love for mankind and life itself.
This message of humanity is the centerpiece of this record and it is all the more pressing during a worldwide pandemic.
Kristina Barta’s albums come out under the Austrian label Alessa Records. The recording of “Love and Passion” was postponed by 6 months due to the ongoing situation and ended up being recorded in the Czech SONO Records studio under Adam Karlík. Similarly to her debut album, this second CD will not be without special guests. This time Barta invited cellist Šimon Marek and her sister, vocalist Martina Barta, who is also the lyrics author for two of the album’s tunes.

ARTISTS:
Nina Plotzki - vocals
Vincent Bourgeyx - piano
Darry Hall - bass
Bernd Reiter - drumns
Tony Lakatos - saxophon

"On ne voit bien qu`avec le coeur - l`essentiell est invisible pour les yeux" schrieb Antoine de Saint-Exupéry“ einst: "Man sieht nur mit dem Herzen gut, das Wesentliche ist für die Augen unsichtbar".

Mit "De tout mon Coeur" legt Nina Plotzki ein außergewöhnliches Debut-Album vor. Sie singt dem Zuhörer direkt ins Herz, ohne Umschweife oder gekünstelte Distanz. Fein verlesene Stücke, die ihr selbst schon seit langer Zeit am Herz liegen, mischen sich mit aussagekräftigen Eigenkompositionen. Wer diese Produktion anhört, wird mitgenommen auf eine sehr emotionale Reise in die große Welt des „American Songbook“.
In Vincent Bourgeyx fand Plotzki einen idealen Partner am Piano: sensible Harmonien, starke Rhythmen, Comping und Improvisation auf allerhöchstem Niveau. Der französische Titelsong entsprang Nina Plotzkis Feder nach beseelter Probe in Paris und dem Auffrischen ihrer geliebten frankophilen Neigung.
Der in Frankreich lebende, aber aus Philadelphia stammende Bassist Darry Hall ist zweifelsfrei einer der gefragtesten Vertreter seines Instruments. Seine unbändige Musikalität, Energie und Standfestigkeit ist der Garant für das nötige Fundament. Der immer gerne swingende, aus Österreich stammende und seit langer Zeit in Paris lebende Routinier Bernd Reiter am Schlagzeug wurde während der facettenreichen Aufnahmesession teilweise in unerwartet moderne Gefilde geleitet - einige Arrangements ergaben sich aus der großen Spielfreude direkt am Aufnahmetag. »De tout mon coeur« transportiert als One-Take-One-Room-Record die Energie einer echten Live-Aufnahme in Anlehung an die großen Records der 60er Jahre.
Mit Tony Lakatos hat Nina sich den Traum erfüllt, nicht nur einen sehr sympathischen, liebgewonnenen Freund, sondern darüber hinaus den absoluten Meister seines Faches an Ihrer Seite zu platzieren. Tonys Solo bei „Little white Rabbit“ oder auch seine bluesige Stimme bei „The Nearness of you“ lässt Gänsehaut entstehen.
Zusammen ergeben diese Musiker eine brilliante Band mit enormaler Spielfreude, Musikalität, Energie, Finesse und weitem dynamischen Spektrum: fünf außergewöhnliche Ausnahmemusiker, deren Musikalität eine wahre Freude ist und die man unbedingt bei hoffentlich bald wieder stattfindenenden Live-Konzerten erleben muss. Nicht nur Amerikanisch und Französisch, sondern auch Portugiesisch erklingt während dieser polyglotten Produktion. Dieser Hinweis auf die bunte und internationale Vielfalt in der Kunst, die so viele Sprachen spricht, ist gerade gegenwärtig von ungebrochener Bedeutung und Aktualität.

De tout mon Coeur - von ganzem Herzen - eine rundherum gelungene Herzensangelegenheit in jazzigem Gewand.

ARTISTS:
Manuel Weyand - drums
Chad Lefkowitz-Brown - sax
David Hazeltine - piano
Peter Washington - bass

In his first outing as a bandleader on Alessa Records, drummer Manuel Weyand states his personal Rejoinder (ALR 1089) toward what jazz drumming sounds like in the 21st Century. During a weeklong Festival in Switzerland in 2012, Weyand had the good fortune to be mentored by two of the premier Jazz artists of their generation: pianist David Hazeltine and bassist Peter Washington.
The seed for Rejoinder had been planted.

To commemorate the decade Weyand lived in New York City, Hazeltine and Washington flank him in this impeccably swinging trio. The stellar saxophonist Chad Lefkowitz-Brown joins for half of the album, extending the outfit into a quartet. Through a deftly curated repertoire that spans the stylistic spectrum – equally as sizzling as it is refined – Rejoinder will take you on a deeply satisfying aural journey. Out now on Alessa Records.

ARTISTS:
Daniel Bulatkin (CZ) piano, organ, keys
Kirill Yakovlec (UA) guitars
Utsi Zimring (ISR) drums on tracks 1,2,3,5,7,8
Petr Nohavica (CZ) drums on tracks 4,6,9,10,11

At 20 years old, Daniel Bulatkin is already one of the leading voices of young jazz in the Czech Republic. Despite his age he actively collaborates with world-famous players such as Ulf Wakenius, Justin Faulkner, Tineke Postma, Gary Husband and Gergo Borlai. 

Kirill Yakovlev is a skilled crossover guitarist and composer well-known from his previous project CIRILIC, but also from many projects where he performs as sideman. This duo cooperates with highly in-demand European drummers such as Utsi Zimring or Petr Nohavica. 

Balancing between piano and organ; guitar, duduk and balalaika; drums, exotic percussion and electronics; Organism seeks to create unforgettable music textures and powerful rhythms. Inspired by world music, americana, ambient, blues and jazz traditions, Organism pioneers a new synthesis of genre and sound in the organ trio paradigm.

Daniel Bulatkin is the youngest professional jazz musician on the Czech scene. He was born in 1999 in Prague. When he was 15 years old, he was awarded 3rd place in the prestigious solo piano competition ‘Pianist of the Year’ organized by the company PETROF. He was the youngest participant in the history of the competition. He defended his 3rd place in the following year of the competition. In 2018 he won the individual talent prize at the Cen-tral European Jazz Competition in Brno. Daniel is currently studying the jazz bachelor program at the Academy of Performing Arts in Prague. There, he's had the opportunity to perform, among others, alongside extraordinary saxophonist Zhenya Strigalev (RU).
Over the span of his short career he has collaborated, among others, with: Russ Spiegel (USA), Ben Tiberio (USA), Allison Wheeler (USA), Utsi Zimring (IL), Elon Turgeman (IL), Oleg Kireyev (RU), David Buchbinder (CAN), Ruggero Robin (IT), Rodrigo Parejo (ESP), Martin Valihora (SK), Milo Suchomel (SK), Miriam Bayle (SK), Yvonne Sanchez (CZ/PL), Martina Bárta (CZ/DE)…

His most valued collaboration, however, is with the Norwegian “Bass Viking” Per Mathisen. Together with him, Daniel tours with jazz&fusion superstars such as Ulf Wakenius (SWE; Oscar Peterson Quartet, Ray Brown trio, Herbie Hancock); Gary Husband (UK; John McLaughlin, Level 42, Allan Holdsworth) and Gergo Borlai (HU; Steve Vai, Trilok Gurtu, Al DiMeola).
Daniel currently prepares to release two long-anticipated debut albums with his projects presenting alloriginal music. The first album is the product of extensive touring alongside British alto sax prodigy Tom Smith. The second album will be the debut of the B/Y Organism – a collaboration with ethno-fusion guitarist Kirill Yakovlev, featuring Daniel mostly as an organist.

Daniel’s first original composition Lady of the Lake, arranged for big band by Andy Schofield, is now part of the repertoire of the prestigious Jazz Dock Orchestra. He is also currently a member of faculty at the International Conservatory in Prague.

ARTISTS:
Eloá Gonçalves - piano
Tobias Steinrück - double bass
Luis Oliveira - drums

“I think everyone has a way of feeling “at home”. That could be a place, someone’s company, a smell or a taste. For most of my life making music has been what makes me feel that way. It’s through music that I’ve had the opportunity to meet people, places, discover new flavours, smells, colours and to know myself, not only as a musician but as a human being. I hope that you, just like me, through the music you’ll listen to here, also feel at home.” (Eloá Gonçalves)

“Casa” is the 1st album of the trio led by Brazilian pianist and composer Eloá Gonçalves, in collaboration with the musicians Luis Oliveira on drums (also from Brazil), and Tobias Steinrück on double bass (Austria).
Supported by ...H (University of Music and Performing Arts Graz) and Stadt Graz, the album has 9 tracks, all of them original compositions (except one tune, which is an original arrangement for “Desenredo”, a composition from the Brazilian composer Dori Caymmi).The sound of the album carries a mix of jazz, Brazilian music, and sometimes a “classical taste”, especially in some compositions as “Elo” (inspired by the Hungarian classical composer Bela Bart—k and his Mikrokosmos series), “Choro de pai e mãe” (a traditional Brazilian genre reframed from a jazz perspective), and “Um, o que veio depois” (inspired by the Impressionism).
Three of the nine tracks had the very special participation of talented musicians from the jazz scene in Graz nowadays: Jaka Arh (Slovenia/ tenor saxophone); Karel Eriksson (Sweden / trombone); Laura Zšschg (Italy / vocal) and Mathilde Vendramin (France / cello).
In collaboration with the musicians Luis Oliveira (drums) and Tobias Steinrück (double bass), the trio led by the Brazilian pianist and composer presents a blend of sonorities that walks between the freedom of jazz, some compositional references in classical music, and Brazilian music.
Luis Oliveira is one of the most outstanding drummers in the jazz scene in Graz nowadays. He is graduated from University of Music and Performing Arts Graz, and has been recording and touring for 15 years with his trio “Meretrio” and also big band “Mereneu Project” (both led by Brazilian composer Emiliano Sampaio) around Europe (Austria, Germany, France, Croatia, Slovenia, among other countries), Brazil and Australia.
Tobias Steinrück is also graduated from University of Music and Performing Arts Graz, under the guidance of renowned Danish bassist Morten Ramsbøl, and is a very versatile and sensitive bass player.
The repertoire presented by the trio is full of elements found in Brazilian music, ranging from simple and lyrical melodies to traditional genres found in Brazilian music such as waltz, choro, and baião. In addition, there are traces of modal and contemporary jazz, always permeated by improvisation.

The pianist and composer is currently living in the city of Graz (Austria), where she is pursuing a master's degree in Jazz Performance from the University of Music and Performing Arts Graz, under the guidance of the German pianist Olaf Polziehn. As a pianist in her country of origin, she has performed and recorded in both jazz and pop scene, with names such as Sandy (Latin Grammy nominated), Vinicius Dorin, Nailor Azevedo "Proveta", Ivan Vilela, Daniel Barry (USA), Marcelo Martins, Rafael de Lima Quartet (Latin Grammy nominated composer), UNICAMP Symphony Orchestra, and Indaiatuba Symphony Orchestra, to mention some. After moving to Austria, she has been performing with ensembles and names such as Joe Fiedler (USA), Kaya Meller (Poland), Jaka Arh Triptych, Experience of the North, Iñaki Askunze (Spain), KUG Jazz Orchestra, Vine St. Horns (USA) and Luis Bonilla (USA, Latin Grammy awarded).
In Brazil, she was finalist at MIMO Instrumental Award 2015 with Trio Matiz, presenting some of her compositions. With Eloá Gonçalves TRIO, she was invited to begin the partnership of SAVASSI Jazz Festival (one of the most recognized festivals in Brazil, in Belo Horizonte) with the Women Creating Collective, performing on the stage "Women Creating Music" in 2017. After moving to Graz, the trio was invited to join the Jazzwerkstatt Graz 2019.
In Europe, she has been performing at jazz festivals such as Shortcuts (Jazzwerkstatt 2018); Jazzwerkstatt Graz 2019, Graz Jazz Nacht, Warsaw Summer Jazz Festival (Warsaw, Poland, 2019); and All That Jazz Art Festival Malinska 2019 (Croatia).

ARTISTS:
Swantje Lampert - Tenorsaxophon
Karol Hodas - Kontrabass
Christian Eberle - Drums

Mit "SWANtje" realisiert die Wiener Tenorsaxophonistin Swantje Lampert ein lange gehegtes Herzblutprojekt. Die Triobesetzung ermöglicht der Band die größtmögliche Freiheit innerhalb des Pfades der harmonie- und rhythmusbetonten Eigenkompositionen der Musikerin, die es sich auch nicht nehmen lässt, einige Standards mit in das Programm einfließen zu lassen. Das im Herbst 2020 bei Alessa - Records erscheinende Vinylalbum „NOW!” fasst die Kompositions- und Arrangiertätigkeit mehrerer Jahren komprimiert zusammen. Es ist Zeit!

Swantje Lampert (ts) holt sich für ihr neues Projekt „SWANtje” mit Karol Hodas (b) und Christian Eberle (dr) arrivierte Musiker der österreichischen Jazzszene mit ins Boot. Karol Hodas kann als einer der gefragtesten Sidemen Wiens auf Auftritte mit Scott Hamilton, Don Menza, Red Holloway und Willy Resetarits verweisen, während Christian Eberle unter anderem mit Uri Caine, Rob Bargad, Jorge Pardo und Bob Mintzer auftrat. Swantje Lampert vervollständigte ihre Studien nach einem Diplom am Konservatorium der Stadt Wien am renommierten Berklee College of Music bei George Garzone und Frank Tiberi und arbeitete als Saxophonistin und Komponistin mit Richard Oesterreicher, Cleo Panther, Gina Schwarz, Betty Semper, Alexander Ehrenreich Big Band, Vienna Big Band Unit und The FeMale Jazz Art zusammen.

ARTISTS:
Felix Biller - keys
Martin Melzer - bass
Christoph Karas - drums
Guest: Victoria Pfeil - sax

PRIM was formed in 2015 by three musicians steeped in Vienna’s vibrant music scene. Since then they have impressed critics and crowds alike with their progressive sound and technical virtuosity. The cultural landscape of Vienna – the world’s classical music capital – serves as an interesting background for their experimental but nonetheless accessible style. Their intriguing compositions and innovative use of the standard piano trio line-up differentiate them from standard jazz trios. Despite their diverse musical inspirations and individual manner of playing, the three musicians complement each other perfectly.

Their collaboration results in imaginative, visually evocative music that challenges expectations. Their debut album, More & Less Diminished, released in 2016 with a different line-up (Biller, Konuray Mutluer, Ralph Dammerer) was described as demonstrating “how jazz in Austria can and should sound” (music-news.at). One year later, the EP 40 Days (Biller, Mutluer, Sherif Abdalla) proved the band’s willingness to constantly experiment with sounds and schemes to achieve great narrative quality. They have been enthusiastically received by the public in many settings (Jazzahead Clubnight in Weserburg Museum Bremen, at Jazz Brno, ACF Bratislava, on tour in China etc.) and featured on radio shows like the Ö1 Jazznight and Radio Proglas’ “Jak se vám líbí”.

With its diverse influences, clever compositions and unique ensemble sound – augmented on one track by rising star saxophonist Victoria Pfeil – their new release Garnet Tales demonstrates that Vienna and its jazz scene have much to offer.

ARTISTS:
Jack Marsina - vocals & trumpet
Rob Soelkner - piano, keyboards
Florian Hupfauf - double bass
Flo Baumgartner - drums

Frontman Jack Marsina ist und bleibt trotz seines jungen Alters der klassische Swing Crooner, aber es haben sich neue Farben und Sounds in seine Vocals gemischt, und auch die Band Flo's Jazz Casino bleibt im weitesten Sinne eine klassische Jazzformation. Da die Protagonisten jedoch auf diesem, insgesamt zwölf Titel umfassenden Album, mit sieben äußerst vielversprechenden Eigenkompositionen aufwarten, klingt das neue Album eigenständiger, frischer, bunter, und neben Swing auch mal nach Bossa Nova, Salsa, Blues, Lounge Music, oder einem groovend aus der Reihe tanzenden Hip Hop - Tango.
Die Lyrics hüpfen hin und her zwischen der italienischen und der englischen Sprache und schon das mediterrane Cover der CD verrät, dass ihre Musik gänzlich dem Sommer frönt. Ein Streichoktett hüllt die Band auf vier Stücken in eine romantisch-nostalgische Klangwolke die an das Hollywood der 1950er Jahre erinnert. Zahlreiche hochkarätige Künstler der österreichischen Jazz- und Popszene wie etwa Sara De Blue (vocals), Florian Bramböck (saxophone), Yvonne-Stefanie Moriel (saxophone), Alois Eberl (trombone) und Michael Mittersteiner (percussion) sind auf diesem Tonträger gekonnt in Szene gesetzt.
Recorded wurde das Album in mehreren Etappen, von Erich Pintar und Matthias Kronsteiner im Studio Weinberg in Oberösterreich sowie von Joe Laube im Studio Sillton in Tirol. Für den Mix verantwortlich zeichnet der erfolgreiche Wiener Musikproduzent Lukas Hillebrand. (Julian Le Play, Lemo, Thorsteinn Einarsson). Gemastert wurde das Album von Renaud Tschirner.

ARTISTS:
Gerard Guse - guitar
Peter Herbert - bass
Wolfgang Reisinger - drums
special guest: Heinrich von Kalnein - tenor saxophone

"Bob-Dylan-Fan bin ich, seit ich 13 war. Wahrscheinlich war es seine Stimme, die mich fasziniert hat, denn die Texte konnte ich damals kaum verstehen. Dylan wurde mein großes Vorbild - bis heute. Und als ich später mit Jazz anfing, verlor ich mein Interesse an Rockmusik, aber nicht an Bob Dylan", schrieb mir Gérard Guse.

So blieb dem seit 2005 auf Ibiza lebenden Fan kaum etwas Anderes übrig, als irgendwann beide Passionen künstlerisch wertvoll miteinander zu verschmelzen. Vorab allerdings bedurfte es dreier anderer Guse-Platten, bis endlich die Zeit für die Jazz/Dylan-Symbiose reif war: 2016 "Ingoma" im Weltmusik-Duo mit dem Kenianer Denis Inyani, voc plus Rhythmusgruppe, 2018 seines überraschenden akustischen Soloalbums "Allotropes" und im spanisch-österreichischen Trio mit der Jazzbassistin Gina Schwarz und dem Drummer Ramon Lopez des (auf der E-Gitarre gespielten) Albums "Trillium" im selben Jahr als einer Art Vorecho des "Oh No!"-Projektes.

Guses überwiegend improvisierten und oft freien Jazz mit der Musik des US-Sängerpoeten und Nobelpreisträgers unfallfrei in eins zu bringen, war natürlich eine alles andere als einfache Aufgabe, die freilich von dem Gitarristen/Komponisten mit deutsch-spanischen Wurzeln im Trio mit dem Wahl-Pariser Peter Herbert am Bass , dem Wiener Schlagzeuger Wolfgang Reisinger und dem deutschen Wahl-Österreicher Heinrich von Kalnein am Sax als Duo-Gast im achten der zehn Stücke (Gérards "Early May") so respektvoll wie kompromisslos gelöst wurde.

Dass sowohl Herbert, als auch Reisinger mit Joachim Kühn gespielt haben, lenkt den Focus auf den ebenfalls auf der spanischen Insel lebenden deutschen Piano- und Improvisations-Giganten. Beide Wahl-Insulaner sind seit Jahren Freunde. Guse nennt Kühn einen Mentor und Förderer, dem auch die Geburt der Dylan-Hommage entscheidend mitzuverdanken ist. So entstanden Gérards Titelstück, das erwähnte Duo mit von Kalnein und Guses Solo-Dylan "With God On Our Side" in Kühns Salinas Studio auf Ibiza, und alle sieben Trio-Titel – die sechs Dylans und das von Kühn beigesteuerte "After the Morning" - wurden in Wolfgang Reisingers Wiener Studios eingespielt.

"Ich habe die Dylan-Stücke etwas bearbeitet", schrieb mir Gérard noch, "... meistens nur einige Akkorde geändert, aber auch versucht, dass man sie erkennt. Die Improvisation ist bei den meisten frei, ohne Struktur."

"Oh No!" ist ein trotz aller Risiken exzellent bestandenes Abenteuer. Die Hörer-Antwort kann nur heißen: "Oh Yes!" 

Alexander Schmitz ("Das Gitarrenbuch", "Jazzgitarristen")

ARTISTS:
DANIEL NÖSIG – trumpet
THOMAS KUGI – tenorsaxophon
OLIVER KENT – piano
DUSAN NOVAKOV – drums
ULI LANGTHALER – bass

„Live at Jazzland/ Vienna“ ist die 2.CD der österreichischen Jazzformation „WORRY LATER“.
Präsentiert werden hier ausschließlich neue Kompositionen der beiden Bandleader Uli Langthaler (bass) und Oliver Kent (piano) , die mit ihrem swingenden und experimentier-freudigen Konzept weiter die Idee ihrer Debut CD „Humpty Bump“ verfolgen.
Unterstützt werden sie von einigen der besten und vielbeschäftigsten Szene Musikern, Daniel Nösig (trumpet), Thomas Kugi (tenor/ sopran saxophon) und Dusan Novakov (drums).
Die CD bietet eine dichte, energetische live Atmosphäre, aufgenommen in einem der traditionsreichsten europäischen Jazzclubs vor einem enthusiastischen Publikum, das die Musiker zu solistischen Höchstleistungen antreibt.

ARTISTS:

Claus Raible - piano
Giorgos Antoniou - double bass
Alvin Queen - drums

Der Münchener Claus Raible ist ein ungewöhnlicher Pianist. Er ist fest in der afroamerikanischen Tradition verankert, zu seinen Leitsternen gehören Bud Powell und Thelonious Monk, seine Musik ist Bop, pur und ungefiltert. Bop ist der Ausdruck seines swingenden Selbst. Den Bop ironisert er nicht, imitiert er nicht, verwässert er nicht, vermengt er auch nicht mit tausend Musikformen, die es auch noch gibt. Raible lebt ihn, spricht ihn mit der Authentizität des Muttersprachlers, der Intensität eines Besessenen, der Souveränität des Insiders und der Originalität dessen, der längst mit stilistischen Elementen seiner Vorgänger seine eigene Ausdrucksform geschmiedet hat.
Das kam auch schon auf zahlreichen Alben des Labels Alessa zur Geltung; z.B. wirkte er als einfühlsamer Partner der italienischen Sängerin Anna Lauvergnac („Unless There Is Love“, „Coming Back Home“, „Free Fall“), während er auf „Searchin' For Hope“ (Alessa ALR 1042) im Quintett mit dem Saxophonisten Herwig Gradischnig die Kompositionen des Pianisten Elmo Hope wiederbelebte. Bei diesen Gelegenheiten war bereits der Athener Bassist Giorgos Antoniou mit von der Partie, der mit seinem mitreißenden Groove schon seit 15 Jahren immer wieder Raibles kongenialer Spielgefährte ist. Das aktuelle Album „Trio!“, seinem neunten unter eigenem Namen, dokumentiert erstmals die Zusammenarbeit mit Alvin Queen, der als einer der kreativsten und gefragtesten Schlagzeuglegenden nicht vorstellungsbedürftig ist. Ihr Zusammenwirken ist von kraftstrotzender Vitalität, beeindruckender Homogenität und ansteckender Spielfreude.
Auf drei Säulen ruht das Album: Leaderliche Originals, Stücke von Monk und Standards. Wer außer Raible könnte mit dieser Bravour „Round Midnight“ unbegleitet mit den selten gespielten Originalharmonien Monks spielen? Altehrwürdige Standards erscheinen in Raibles Arrangements frisch und neu: Man achte auf das Glockengeläute in der Bridge von „Somewhere Over The Rainbow“ oder die monkigen Ecken und Kanten in „Smoke Gets in Your Eyes“. Schließlich legt Raible fünf ausgefuchste Originals vor. Vom starken 6/8 –Groove in „Ridin‘ High“ zum gewitzt-quirligem „Course de Ville“ ist jedes ein Kabinettsstückchen.
In „Trio!“, das am 9.1.2020 erscheint, bestätigt sich Gutstav Mahlers Diktum, Tradition sei nicht die Anbetung der Asche, sondern die Weitergabe des Feuers.
Marcus A. Woelfle

ARTISTS:

Milos Branisvljevic -Vibes/Perc/Melodica
Dragan Heinrich - Guitar
Bane Markovic - Bass
Bogdan Djurdjevic -Drums
Special Guests:
Rastko Obradovic - Sax
Tamara Jokic - Vocal
Milena Jancuric - Flute
Vladan Mijatovic - Piano
Tarek Beswick - French Horn

Led by Berklee Alumni Milos (Vibraphone) accompanied with Guitar, Bass and Drums. Combines Balkan rhythms and melodies with western jazz/fusion harmony. Inspired by jazz legend Chick Corea, Milos introduces his original music to the world. The album also features Sax, Flute, Vocal and Piano played by professional guest artists who studied at prestige’s world class academies in US, Germany and Norway.

Milos Branisavljevic was born on 6th of April 1992. As a full scholar student he graduated from Berklee College of Music in Boston, at the department of drums and composition. Milos cooperated with influential musicians in different genres of music, one of them was jazz legend Phil Wilson. For his band he performed as a drummer, vibraphonist and arranger. As a student he won an award for the “Most Active Drummer” and participated in large international projects such as Zildjian Mega Drum Project and a concert with Dream Theater in Boston Opera House. In September 201 5. Milos moved to New York where he continued developing his music career. He played in various famous jazz and blues clubs and concert halls along the entire East Coast, including Nublu, BB King, Metropolitan Room and Symphony Hall. As an orchestrator and arranger Milos worked for the New York’s local musicians, and also conducted the church choir St. Sava. The same year Milos joined the orchestra of the United Nations, where he became head of the percussion section . He has performed and recorded with various orchestras and bands such as Johnny Young (Stellar Dogs ), Johnah Francesse Big Band , Lin Biviano Jazz Band, Silent Film Orchestra, Victor Mirallas , Greg Hopkins Concert Jazz Orchestra and Phil Wilson Rainbow Big Band.
On April 30th 2016. he participated in International Jazz Day in Washington with all the biggest international jazz names of today. Milos is the founder of “Milos Branisavljevic Quartet” in which jazz vibraphone appears as a leading instrument for the first time in Serbia. For this band he arranges and composes music. He is also one of the co-founders of New York’s band called V3, with keyboard player and leader Vladan Mijatovic and bass player Akos Forgacs. Together they recorded an album called Folk Legacy at Peter Karl studio in New York. Along with members of the band the album also features a world-renowned clarinetist Ismail Lumanovski.
As a classical musician Milos performs with the Belgrade Philharmonic Orchestra, Radio Symphony Orchestra of Serbia and with the Belgrade National Theater Opera. He was a professor of percussion in music school “Josip Slavenski” in Belgrade for the school year 2016/17. As a drummer and a percussionist he performs on “Off Broadway” Theater “Terazije” in Belgrade.

ARTISTS:

Stephanie Schoiswohl – Soprano Saxophone
Anna Keller – Alto Saxophone, Flute 
Katharina Maier – Alto Saxophone
Sara Hoffer – Tenor Saxophone
Florian Bauer – Baritone Saxophone
Andrea Šulcová – Flute on Tracks 
Michael Ringer – Bass
Balázs Balogh – Drums

Das Grazias Saxophone & Flute Quintet ist ein neu gebildetes musikalisches Phänomen. Mit Grundzügen eines traditionellen Saxophon-Quartetts, einem höchst zeitgenössischen Programm im Gepäck und der Erweiterung um Elemente auf der Flöte als farbgebende Stimme, ist das Quintett so einzigartig wie kein anderes und zur selben Zeit genauso konkurrenzfähig wie irgendein anderes Saxophon-Ensemble auf der Welt. 

Das Grazias S&F Quintet wurde im Herbst 2017 von sehr guten Freunden und Kollegen in Graz (AT) gegründet, mit dem Ziel gemeinsam ihre technischen und solistischen Fähigkeiten im Saxophonspiel und Können beim Arrangieren umzusetzen und auszutesten.
Die Band hat ein vielfältiges Programm aus Eigenkompositionen und originellen Arrangements von mal mehr, mal weniger bekannten Songs aus verschiedensten Stilrichtungen.
Nach ihrer auf YouTube veröffentlichten Live-Video Produktion haben die Grazias ihr erstes komplettes Album produziert, welches im Februar 2020 bei Alessa Records veröffentlicht wird.

ARTISTS:

John Arman - guitars
Johannes Enders - tenore saxophon
Renato Chicco - hammomd organ
Flip Phillipps - vibraphon
Christian Salfellner - drums

Ich kam erst auf die Idee eine neue CD zu machen als Peter Guschelbauer auf mich zu kam und mir die Möglichkeit bot unter seinem Label was zu veröffentlichen. Ich habe mich sehr darüber gefreut und den Anlass begrüßt, ein paar musikalische Ideen zu verwirklichen die mir so im Hinterkopf schwebten: was mich schon lange fasziniert hat war die klangliche Kombination von Gitarre, Tenor Saxophon und Vibraphon - wie etwa zu hören bei Grant Green mit Bobby Hutcherson und Joe Henderson auf der Platte “Idle Moments”. Und diesen Sound habe ich auch beim schreiben immer im Hinterkopf gehabt, nahe an der Tradition und fast wie ein Bläser-Satz miteinander verschmolzen. So hab ich auch den ein oder anderen Standard verarbeitet und zum teil umarrangiert ("Tiny Leaps" ist an Coltrane's "Giant Steps" angelehnt, “Bright Shiny Beats” ist eigentlich der Standard “ Baubles, Bangles and Beads”, etc). Mein verlangen nach  Modalen Stücken kommt ebenso zum Ausdruck, wie in dem 3/4 Takter “Double Moon” oder bei meiner Aeolischen (im original Dorisch) Version von “So What” mit dem verräterischen Titel “So That”. 
Besonders gefreut hat mich auch, zum ersten Mal mit Johannes Enders zu arbeiten. Auf “The Lamp Is Low” sind die ersten gemeinsamen Töne verewigt - erster Tag, erster Take, kurz nach dem Vorstellen. Wir hatten hörbar viel Spaß dabei und fingen spontan zum “traden” an vor dem letzten Thema (man hört sogar kurz wie Renato die Orgel auslässt in der Erwartung eines drum-trades)!
Auf eine echte Ballade habe ich diesmal verzichtet und stattdessen den Standard “Tenderly” (original als Ballade gespielt) mit einer art “Poinciana” Groove versehen, a la Ahmad Jamal. Man kann dabei das Herzstück dieser Band in Form von Schlagzeug und Orgel und den fantastischen “feel" dieser beiden Musiker in vollem Umfang genießen.
John Arman

P.S.: Der Titel “Fingerstylin” bezieht sich auf die gleichnamige Gitarrentechnik “Fingerstyle”, bei der nur mit den Fingern, und nicht wie meist mit dem Plectrum gespielt wird.

ARTISTS:

Tamara Obrovac - vocals
Stefano Battaglia - piano
Salvatore Maiore - bass
Krunoslav Levačić - drums

Mit ihren besonderen und eigenen Kompositionen, exzellenten Musikern und ihrer ausdrucksstarker Stimme schafft Tamara eine einzigartige künstlerische Form, in der sie mühelos und logisch Melodie und Improvisation, Sensibilität und Leidenschaft, formale Anforderungen und Freiheit, ethnische Musik und Jazz, Tradition und Moderne, ernsthaften Ansatz und Humor verbindet. (Pressetext)

“Tamara Obrovac hat sich still und heimlich zu einer der großen europäischen ethnischen Jazzsängerinnen entwickelt … lm Grundton melancholisch, ist ihr Gesang zugleich von einer beeindruckenden inneren Kraft und Leidenschaftlichkeit, die die Mentalitätsgeschichte einer ganzen Region mitführt.” (Jazz Podium)

ARTISTS:

Simon Plötzeneder - Trumpet & Flugelhorn
Stefan Gottfried - Alto Saxophone
Tobias Hoffmann - Tenor Saxophone & Soprano Saxophone
Daniel Holzleitner - Trombone
Fabian Rucker - Bass-Clarinet & Baritone Saxophone
Christopher Pawluk - Guitar
Philipp Nykrin - Piano
Andreas Waelti - Bass
Michael Prowaznik - Drums

Das Tobias Hoffmann Nonet is winner of the Made in NY Jazz Competition in the categorie best band, judged by Randy Brecker, Mike Stern and Lennie White.

Ever since I have been a musician, there have been two hearts beating in my chest: on the one hand that of the saxophone player and on the other that of the composer and arranger. It is not always easy for me to unite both. With the Nonet, I have finally not only managed to merg e all my different musical influences of the past years but also to write and play music in which I find myself reflected both as a saxophone player and as a composer and arranger.
When in 2017 I started to plan this project and write the music, I didn’t know yet in which direction the music would go, not to mention what was lying ahead of me, which ups and downs I would need to go through and if I would ever be able to realize this project on the level I was aiming for. Looking back, it feels almost surreal to hold the CD in my hands and being able to say that I am very satisfied with the result.
I would to thank my incredible band. Each of them helped with their commitment, their musicality and their personality to bring this music alive.
Enjoy listening to the recordings.
Tobias Hoffmann 

I first met Tobias Hoffmann when he contacted me while I was teaching in Graz and wanted to do some studying with me. When I first heard his writing I was impressed with his melodic and rhythmic ideas. Over a period of time we discussed on how to fine tune some of the musical questions he had asked. This CD is some of the results of our meetings and am very happy with the results. When you listen to the performances you cannot believe the wonderful fat sound he gets out of five horns and four rhythm. This has to do with his sense of orchestration, knowing how to put the right instruments on the right notes creating some interesting colors. Sometimes the music can be quite difficult but for the right reasons and the musicians he assembled to play his music play it superbly from beginning to end both in ensemble playing and the solos including Tobias himself on tenor and soprano saxophones. Some great grooves and great melodies. Please enjoy this recording of Tobias’ work as much I have.
Michael Abene, Grammy winning Producer/Arranger/Educator, March 2019

I first met saxophonist and composer/arranger Tobias Hoffmann in 2011 and since that time have delighted in watching him become the highly skilled, widely informed and musically adept composer and arranger that his latest recording shows him to be, not to mention a fine saxophonist and improvisor and a scholar of jazz arranging as well. As both my saxophone and composition student I know Tobi to be an amazingly hard-working, results-oriented and inspired musician willing to do what it takes to reach his goals. His honesty and personal integrity complete the package of a maturing young musician on the path to his own voice!
Andy Middleton, February 2019

Lukas Gabric begann seine musikalische Laufbahn in der Musikschule Villach und wechselte wenig später in das Kärntner Landeskonservatorium. In seiner Jugend erhielt er unter anderem einen Kulturförderpreis des Landes Kärnten, welcher ihm ermöglichte, seine erste CD, A Tribute to my Brother (2005), aufzunehmen. Ein Stipendium des Berklee College of Music in Boston, das dem damals 14 jährigen angeboten wurde, war der Grund für den Sprung über den Atlantik. Nach der Matura am BG St. Martin erhielt Lukas Gabric ein weiteres Stipendium. Diesmal von der renommierten New Yorker Universität "The New School". Seit 2006 lebt Gabric in NYC. Er wurde dort zum BA graduiert und erlangte einen MA vom City College of New York.
Das postgraduate Artist Diploma in Jazz Studies absolvierte er an der Juilliard School, und arbeitet zur Zeit am PhD in Musikwissenschaften am CUNY Graduate Center.

Lukas Tätigeit als Saxophonist führte ihn schon mehrmals nach Asien, Südamerika, Europa und Nordamerika. Er wurde unter den Gewinnern des Schweizer Generations Festival’s von Louis Hays, Dave Hazeltine, und Peter Washington als Mitglied der European Generations Unit’12 ausgewählt und nahm als erster und bisher einziger Österreicher 2013 am Finale der Thelonious Monk Competition in Washington D.C. teil. Gabric war 2014 Gewinner des 3. Platzes der North American Saxophone Alliance Competition und gewann im selben Jahr den Best Soloist and Audience Choice Award beim Getxo Jazz Fesitval in Spanien. Gabric ist Saxophondozent and der Juilliard School, und der George Jackson Academy, und unterrichtet Musikgeschichte, Theorie und Ensembles am City College of New York. Als Komponist erhielt er 2016 einen Herp Alpert Award der American Society of Composers, Authors and Publishers (ASCAP) und seine erste musikwissenschaftliche Publikation ,“Beyond the surface: Hermeneutic implications of Blue by MOPDTK”, erscheint im Journal Jazz Perspectives im Herbst 2018. Lukas Gabric arbeitet zur Zeit am Projekt Labor of Love für Streichquartett und Rhythmusgruppe mit dem deutschen Komponisten Alexander Liebermann.

ARTISTS:

Victoria Pfeil (at) - soprano & baritone sax
Thatiana Gomes (br) - double bass
Tzu-Min Lee (tw) - piano

Drei Musikerinnen, drei Länder, drei Kontinente. Drei musikalische Geschichten, drei Traditionen, drei Sprachen.
Die Kanten des Dreiecks zeigen unsere Unterschiedlichkeit und verbinden uns zugleich. Trotz unserer Unterschiedlichkeit musizieren wir gemeinsam und drücken durch unsere Musik aus, was uns allen am Herzen liegt. Wir bringen unsere Gedanken, unsere Gefühle zu Papier und lassen die Musik im gemeinsamen Spiel wachsen. Wir wollen Menschen erreichen, zum Innehalten und zum Aufhorchen anregen.
Wie faszinierend, dass es keine Sprache braucht, sondern nur drei Instrumente, um miteinander zu kommunizieren.

ARTISTS:

Christopher Haritzer - Klarinette, Bassklarinette, Steirische Harmonika, Gesang, Kompositionen, Konzept
Gizem Kuş - Gesang
Victoria Pfeil - Sopransaxophon, Baritonsaxophon, Komposition
Lothar Beyschlag - Trompete und Flügelhorn
Bilge Kaan Kuş - bundierte Gitarre, bundlose Gitarre, Gesang, Komposition
Tobias Steinberger - Rahmentrommeln, Perkussion
Tomáš Novák - Geige, Gesang, Komposition
Iradi Luna - Kontrabass, Komposition

SEPP ist ein Oktett, das 2017 vom Österreichischen Jazz-Klarinettisten Christopher Haritzer gegründet wurde. Es ist seinem Großvater, Josef Lackner ( vulgo Brandstätter ) aus Heiligenblut gewidmet. Dieser war Bergführer, Bergretter, Pionier in Sachen Lawinenschutz, Obmann mehrerer Vereine im Ort, Bauer, leidenschaftlicher Musiker und Familienvater mit Leib und Seele. Er zeigte seinem Enkel nicht nur die ersten Griffe auf der Klarinette, sondern wurde durch seine unerschrockene und aufgeschlossene Lebensweise zum großen Vorbild Christophers, welchem er musikalisch und menschlich immerzu Rückenwind gab. Sepp vertraute stets auf seinen Instinkt, schlug neue und nicht immer ungefährliche Wege ein, letztere etwa wenn es darum ging, seine Heimatgemeinde vor Lawinenkatastrophen zu schützen.

Dieser unerschrockenen Haltung setzt Christopher gemeinsam mit einem erlesenen KünstlerInnen-Kollektiv aus Brasilien, Tschechien, Deutschland und verschiedenen Regionen Österreichs ( inklusive türkischem Wurzelwerk ) nun ein Denkmal. Dabei machen sich die 8 MusikerInnen ebenfalls auf, neue Wege zu ergründen, indem sie ausschließlich Eigenkompositionen und Eigentexte zum Klingen bringen.

ARTISTS:

Oliver Kent - piano        
Joe Abentung - double bass
Klemens Marktl - drums

Die Kompositionen sind wie der Titel der CD schon zu erkennen lässt, ein Rückblick, eine Aufarbeitung der vergangenen Jahre, die in gefühlter Lichtgeschwindigkeit an mir vorbeigezogen sind.
Was mir am meisten neben den Kompositionen, den großartigen Improvisationen, dem Zusammenspiel der Musiker gefällt, ist der Flow der sich durch die ganze CD durchzieht. Es beginnt mit der „Introduction“ und endet mit dem „Happy End“.
Mit den 2 Mitmusikern, Oliver Kent und Klemens Marktl habe ich die perfekten Partner für mein Projekt gefunden, weil sie unglaublich gut sind, und meine Ideen perfekt umzusetzen können.
Alle Stücke sind in Straight 8ts für Jazz Trio komponiert. Die CD „Reflections“ ist neben der CD „Any Questions“, Erscheinungsdatum Februar 2017 die 2. CD unter eigenen Namen mit ausschließlich eigenen Kompositionen.

ARTISTS:

Christoph Cech - piano
Gerald Preinfalk - sax, clarinet
Per Mathisen - double bass

The American multi-woodwind and composer Jimmy Giuffre, born in 1921, stands for a number of artistic significant attempts to enrich the Improvisation practice. This includes the large orchestral and Chamber music connection of jazz with modern e-music and Anglo-American folklore. In front Giuffre was forty-five years old Austrian Jazz lovers especially as the initiator of the four saxophonists - Group, the Woody Herman „Second Herd“, the one Composition Giuffres the name „Four Brothers Section ”(1947) and as a member of various West Coast bands, such as the Lighthouse All Stars (1951/52). Later activities as a clarinetist or Giuffres Saxophonist with his trio, including with Bob Brookmeyer, Valve trombone, or Jim Hall, guitar, (Wiener Konzert im Spring 1959), were mainly legendary appearance in the film „Jazz on a summer evening“ The Train And The River (1958) perceived positively. Around the shock was greater for many jazz fans than Jimmy Giuffre as part of a spectacular European tour in 1961 in Austria (Vienna and Graz) his new trio, “The Jimmy Giuffre Three ”, (with Paul Bley, piano, and Steve Swallow, Bass) and presented a new music concept.
Giuffre back then: „I give the continuous, articulated rhythm for more clarity and freedom. I believe that the pounding rhythm makes it impossible to get the real one Sound of wind instruments can be heard or on solo lines to concentrate“.
Giuffre, who also has many teaching positions carried out various universities was due to this dissolution traditional jazz shape pattern also a significant one Preparer of free jazz.
Klaus Schulz 2006

Like a newly discovered old love affair, a newly repaired one. It feels like a classic car, the “Giuffre Zone” formation again to start. We have become more mature and more experienced.
It a lot has happened, a lot of music has happened the last time Christoph Cech, Per Mathisen and I surrendered to Giuffres music.
It is nice to note that there are fundamental. Do not change attitudes and passions.
A Rolling Stone fan will always be Rolling Stone fan. It is similar with Giuffre‘s music, albeit that Comparison lagging a bit due to popularity. Next of pure music consumption comes from the executor Musicians to the existing passion still of creation and The spirit of research added to that in Giuffre’s music too is omnipresent. Because of the openness of the improvisations versus the beauty of the compositions is always useful never recreating these pieces repeatedly. So what‘s new how we think about it today.
The reflections, miniatures and Compositions that we create after the years of fermentation to lean, write and design Giuffre’s work definitely sound different than when it was sparkling youth.
Gerald Preinfalk

ARTISTS:
Lisa Hofmaninger - Bassklarinette, Sopransaxophon
Alexander Fitzthum - Hammond, Rhodes, Piano
Judith Schwarz - erweitertes Schlagzeug

Spannend in der Instrumentierung setzt sich der Sound des jungen Trios aus Bassklarinette und Sopransaxophon, Schlagzeug und anderen Klangspielereien sowie Hammondorgel, Rhodes und Piano zusammen.

"They're singing your praises while stealing your phrases." - Charles Mingus

Ihr erstes Programm widmen sie der Musik von Charles Mingus und Thelonious Sphere Monk, die hörbar macht, wie zeitlos Jazz ist. Inspiriert durch deren Energie, Leidenschaft und Spielfreude greifen sie Kompositionsideen der alten Meister auf und setzen sie mit neuen Arrangements in eigener musikalischer Sprache um.

"Everyone is influenced by everybody but you bring it down home the way you feel it." - Thelonious Sphere Monk

Bedacht darauf, den wahren 'Spirit' nicht aus den Augen zu verlieren, nicht einfach zu kopieren, sondern sich auf Ideen einzulassen, die damals wie heute die selben geblieben sind. Sie setzen auf Mingus ohne Bass und Monk ohne Hut.

"[…] Maybe it’s going to hell. […]" - Thelonious Sphere Monk

ARTISTS:

Per "Bass Viking" Mathisen - fretless electric bass
Gerald Preinfalk - saxes
Paul Urbanek - keyboards
Kornel Mogyoro - percussion
Herbert Pirker - drums

The album you are now holding in your hand, and are about to listen to, is a homage to, in my opinion, the greatest quintet in the history of jazz. When Joe Zawinul, Wayne Shorter, Jaco Pastorius and Alex Acuna made "Heavy Weather" they produced a milestone in the world of music and one of the top most selling jazz records ever.
The musical chemistry, the firing drive, the sense of rhythm, melodies and harmonies, those 4 had together has never ever been seen or heard, before or after. The interplay was sensational, intricate, groundbreaking and the lines between what was composed and what was improvised, were completely camouflaged in the most beautiful and natural way.
This live recording is our humble way of showing immense gratitude to what these amazing musical geniuses performed and created as musical legacies.
I’m extremely happy for having the band, "Heavy Weather", together with some of Europe's most in demand musicians. As you will hear they are all fantastic virtuoso, creative and on the highest musical level.
This CD is our very first performance as a group and we are thrilled to have captured that very special and magical evening. We all felt like we had been playing together for years, everything was easy and flowing by itself, a 100% click. Also the deep impact, you will hear the wild applause, we had on the audience was highly overwhelming, specially considering the concert was in Austria, homeland of Joe Zawinul. The utmost test is to perform Zawinul’s music in Austria. If the audience
appreciate what you are doing you know for sure you're doing it right, they show no, "Mercy, Mercy, Mercy" for doing it wrong.

ARTISTS:
Vincent Herring (USA) - alto sax
David Kikoski (USA) - piano
Essiet O' Essiet (USA - double bass
Joris Dudli (AT) - drums

Über viele Jahre haben die Teams Herring/ Kikoski und Essiet/ Dudli eine besondere Chemie wenn sie miteinander spielen. Ihre neue Kooperation bringt swingenden und immer extrem souligen Jazz der heutigen Zeit hervor. Vincent ist ein Saxophonvirtuose mit einem einzigartigen und intensiven Sound. In den frühen 80er Jahren tourte er in Europa und den Vereinigten Staaten mit der Lionel Hampton Big Band und begann kurz danach ein 9 Jahre Engagement mit Nat Adderley. In weiterer Folge arbeitete er dann mit Cedar Walton, Freddie Hubbard, Dizzy Gillespie, Louis Hayes, Art Blakey and The Jazz Messengers, Horace Silver Quintet, Jack DeJohnette's Special Edition, The Mingus Big Band, Kenny Barron, Nancy Wilson und Dr. Billy Taylor. Als Gastsolist spielte er u. a. mit Wynton Marsalis at Lincoln Center und John Faddis mit der Carnegie Hall Big Band. Nebst diesen beeindruckenden Höhepunkten in seiner Karriere hörte Vincent jedoch nie auf, seine eigenständige Stimme zu entwickeln.

Während den 90er Jahren in New York stieg Dave's Karriere rasant an. Sowohl als Sideman als auch als Leader etablierte er sich neben Jazzgrößen wie John Scofield, Ravi Coltrane, Chris Potter, Dave Holland, Mike Stern, Chick Corea, Bill Stewart, Tom Harrell, Marcus Miller, Michael Brecker, Jack Dejohnette und vielen anderen. 2001 lud ihn Roy Haynes zusammen mit Dave Holland, Roy Hargrove and Kenny Garrett in seine All-Star Band ein. Bei diesem Projekt "Birds of a Feather" wirkten auch Christian McBride und Nicholas Payton mit und das Album ."Caribbean Jazz Project" wurde 2004 für einen Grammy nominiert.

Wie Vincent Herring war auch Bassist Essiet Essiet jahrelanges Mitglied bei Art Blakey's Jazz Messengers. Essiet ist ursprünglich aus Nigeria und kam zog zuerst an die Westküste, dann aber Mitte 1980 nach New York. Auf der internationalen Jazzszene ist sein Name nicht mehr wegzudenken. Er spielte viele Jahre mit Abdullah Ibrahim- Dollar Brand, in Bobby Watson's Horizon, mit Billy Cobham, Bobby Hutcherson, Danilo Perez, Kenny Barron u v.a.

Joris Dudli konnte sich besonders während seines fast 10 jährigen Aufenthalts in New York vielschichtig musikalisch profilieren. Davor war er schon in jüngsten Jahren zuerst im Austopop und später mit dem Vienna Art Orchestra und dem Art Farmer Quintet etabliert. Es folgen unzählige Konzerte mit internationalen Musikern wie Benny Golson, Chicco Freeman, Johnny Griffin, Joe Henderson u.v. a. - 2002 war es auch mit dem Joe Zawinul Syndicate.

ARTISTS:

Paul Schuberth - accordion, vocals, what ever...

Paul Schuberth galt in Steyr schon immer als “Wunderkind”, er konnte Akkordeon spielen wie kein Zweiter.
Paul Schuberth hat schon als 14-jähriger als Highlight am Wiener Akkordeonfestival gespielt und damals seine erste Soloplatte veröffentlicht. Wohlgemerkt mit selbstgeschriebenen Kompositionen!!

Er spielte in der Folge mit vielen österreichischen und internationalen Musikern und gründete einige Ensembles in Duo und Trio Formaten wie zB das Trio Akk:zent das Duo mit Atanas Dinovski und auch mit dem Geiger Tomas Novak, und veröffentlichte dabei 6CDs . Jetzt fühlte er sich wiederum reif genug um eine weitere Solo CD zu veröffentlichen.

Dark side of sun ist eine Jazz CD mit world-musikalischen Einflüssen, die alleine schon dem Instrument innewohnen und Paul Schuberth zeigt uns in virtuoser Weise, wie man heutzutage mit diesem ja doch so lange geschmähten Instrument, außerhalb volksmusikalischer Anwandlungen, umgeht. 12 tolle Kompositionen zeigen, dass seine Kompositionsstudien auf der Bruckneruniversität in Linz seine Wirkungen zeigen. Paul wird 2018 sowohl solo als auch mit seinen unterschiedlichen Ensembles weltweit unterwegs sein.

ARTISTS:
Daniel Nösig - trumpet 
Thomas Kugi - tenore saxophon 
Oliver Kent - piano 
Uli Langthaler - bass 
Dusan Novakov - drums

This jazz formation brings together one of the most active musicians of the Austrian and European jazz scene: WORRY LATER with Oliver Kent (p), Uli Langthaler (b), Dusan Novakov (d), Daniel Nösig (tp) and Thomas Kugi (ts) unites one of the best soloists.

The repertory of this ensemble is mostly compiled by original compositions of themselves, which provide the basis for their outstanding personal statements and unique expressions
in contemporary european Jazz music.

All together, this musicians present a unique program and impress not only with their solistic highlights but also with the distinctive sound in this jazz formation.
After long term engagements in all Viennese jazz clubs WORRY LATER is one of the most well-rehearsed groups and present themselves as an euphonic ensemble.
Not only in their hometown they attract large audiences and have a continuing influence on contemporary jazz musicians.

WORRY LATER have played at jazz festivals throughout Europe as well as at International Jazz Festivals in the USA, Cuba, Israel, China, Vietnam, Thailand, Indonesia, Russia, Mongolia, Mexico, Tunesia, Ukraine, India, Nepal and South-Africa.
Everybody, who is into Jazz will love this band!

ARTISTS:
Dorothea Jaburek - vocal, composition
Michael Kahr - piano, arrangement
Milan Nikolic - bass
Vladimir Kostadinovic - drums
Ilse Riedler - saxophone
Marco Antonio da Costa - guitar

Gene Kelly, Fred Astaire, Ella Fitzgerald oder Sarah Vaughn: Ihre Kinder- und Jugendzeit verbrachte die Wiener Jazzsängerin und Komponistin Dorothea Jaburek mit der Musik und den Filmen ihrer ganz großen Idole.
Studiert hat Dorothea Jaburek allerdings zunächst am Wiener Konservatorium: „Durch das Violinspiel habe ich gelernt, auch meine Stimme wie ein echtes Instrument einzusetzen, und die vielen Facetten des Improvisierens zu lernen.“, so die Sängerin heute. Dabei erkannte sie auch, welche Musikrichtung für sie künftig zur Leidenschaft werden sollte: der Jazz.
Diese Leidenschaft wurde schnell zur Berufung: Nach abgeschlossenem Jazzgesangstudium an der Universität Graz bei Dena de Rose zog sie als einzige Österreicherin ins Semifinale der International Sure Jazz Competition in Montreux ein. Ihr Weg setzte sich in New York fort und führte sie schließlich einige Jahre als Sängerin auf zahlreichen Schiffen über die Weltmeere. Internationale Konzertreisen in die Schweiz, Deutschland, Tschechien, Belgien bis hin zum südostasiatischen Raum folgten.
Mit ihrer samtweichen Stimme begibt sich Dorothea Jaburek nun in ihrem mittlerweile zweiten Soloalbum wieder auf Reisen. Im Gepäck dabei: Viele Eigenkompositionen sowie neue Arrangements.
Groovige Rhythmen, zarte Popballaden, Bossa Nova, Samba, sowie Swing und Blues - so vielfältig ihre Musik, so international ist auch ihre Band: Allen voran die beiden steirischen Musiker Michael Kahr am Klavier und Ilse Riedler am Saxophon sowie die beiden aus Serbien stammenden und international gefeierten Musiker Milan Nicolic am Bass und Vladimir Kostadinovic am Schlagzeug. Das Sextett komplett macht der virtuose brasilianische Gitarrist Marco Antonio da Costa. Dorothea Jabureks Mitreisende schaffen einen wunderbaren Raum für einzigartigen Jazzgenuss.
Nach vielen musikalischen Erlebnissen führt die Reise Dorothea Jaburek letzlich wieder zurück in ihre Heimatstadt. Thank you Vienna: Eine großartige Hommage an die alte Dame Wien in neuem, apartem Gewand.

ARTISTS:
Helmut Kagerer - guitars
Ralph Lalama - saxes
Andy McKee - bass
Bernd Reiter - drums

I first met Helmut Kagerer in May 2009 when I was living in Munich. Of course I knew about Helmut before, he is one of Europe’s outstanding jazz players and has worked with stars such as Clark Terry, Benny Bailey, Arthur Blythe, Red Holloway, Dusko Goykovich, Roman Schwaller, Jimmy Cobb, Houston Person, Sheila Jordan and many more. Finally I had the chance to play with him and we immediately got a great musical and personal connection. Right away we decided to start a quartet project together and agreed on inviting Ralph Lalama, who we both knew from several concerts and recordings, to join us as the featured tenor saxophonist. Ralph is a solid fixture of the New York jazz scene since decades and respected world-wide, he embodies the best of the jazz sound ideal - great time, great swing, expressed through great melodic ideas, he is a first-class jazz soloist. On top he is equally a solid veteran of jazz ensembles and orchestras, he has worked with Woody Herman, Buddy Rich, and the Mel Lewis Orchestra - now the Vanguard Jazz Orchestra. Further he is a three-time Grammy winner through his work in the Joe Lovano Nonet and the Vanguard Jazz Orchestra.

In 2011 we did the first very successful European tour with the quartet, in return Ralph invited Helmut and me to New York. In April 2013 we travelled to NYC for two wonderful concerts at the renown jazz club “Smalls” and did this recording session. We were joined by the great bassist Andy McKee who I first met as a student on a workshop in Italy in 2001. Later on I also had the pleasure to be on some tours with him and this was indeed a special honour as Andy worked in the past for many years with “Philly” Joe Jones and Elvin Jones, my big drum heroes!
On our recording “New York Meeting” the quartet delivers swinging, energetic “Jazz at its Best”! It was truly a big pleasure and honour for me, thank you Ralph, Helmut and Andy for this wonderfull experience!

Bernd Reiter, July 2017

ARTISTS:
Anna Lauvergnac - vocals
Claus Raible - piano

The music you hear on this album is the result of an incredibly courageous recording session.

Italian singer Anna Lauvergnac and her musical soul mate, German pianist Claus Raible, entered the studio with a well-rehearsed program, ready to start the complex metamorphosis that transforms music from an intangible vision to physical reality.

For her new release Anna has chosen the most intimate and demanding of any musical line up: the duo. The dim lighting in the studio created a candle-light setting that enhanced the closeness of “being just two”.

When the recording engineer asked them to play something to set the sound levels, after a moment of silent contemplation Anna suggested “How about Angel Eyes”? The song was not on their pre-arranged recording set list, just a beautiful composition they both know and love. “OK, let’s try it in E-flat.” replied Claus.

After the last note faded out, the sound engineer asked “Would you please come to the control room and listen? There’s something happening here…”

The whole song had been recorded and it possessed the magic that only a first take can have: a combination of intensity, spontaneity, honesty and intuition.

The two musicians decided to abandon most of the planned material and embark on an extraordinary adventure: a recording built on instinctive interpretation and real time
arrangements.
It was a challenge that required not only profound music mastery but extraordinary sensitivity, two elements that allowed Claus Raible to envision and create some astounding on the spot
arrangements.

Anna’s interpretation of each song is instinctive and passionate and her dark and rich sound blends perfectly with the pianist’s harmony and rhythm.
Breaking out of the common pattern of accompanying a soloist, Claus’s playing sounds like an orchestral work enhancing and surrounding Anna’s melody lines.
There is such a strong emotional connection between the two that you can feel and hear this bond in every breath, every word, every chord and every note.

The distinctive trait of this duo and this beautiful album is grounded in the awareness of the jazz idiom and the freshness of authenticity and individuality. Indeed this recording required  -and reflects- “passion, intuition, freedom, faith and some madness”.

Claus Raible

German born Claus Raible got fascinated by Jazz as early as in his primary school days through listening to radio programs, in particular by the Voice Of America Jazz Hour hosted by legendary DJ Willis Conover. At the age of eleven he began studying trumpet, and three years later the piano became his second and eventually main instrument. By age sixteen, while still at high school, Claus had his first professional performing appearances, both as a sideman as well as a leader.

Still in his early twenties he had the chance and honor to be performing with such stellar musicians as Art Farmer, Andy Bey, Mark Murphy to name a few.

After graduating the Graz Music University with honor in 1992, Claus moved to New York City where he formed the Claus Raible Sextet which featured Brad Leali, Mike Karn, Shawn McGloin.

As a sideman he soon started appearing in many of the city jazz clubs with musicians such as Ben Dixon, Manny Duran, Jimmy Lovelace, Jon Faddis, and many others.

It was in New York that he met, and later took master classes from pianist Dr. Barry Harris who has been a great influence on his writing and arranging.

In 1998 Claus returned to Munich, Germany, and began splitting his time between the USA and Europe, touring extensively with his own projects as well as a sideman. Some of the greats that Claus has been
working with include: Jimmy Cobb, Keith Copeland, Charles Davis, Dennis Ervin, Herb Geller, Benny Golson, Alvin Queen, Ed Thigpen, etc.

Claus has done numerous works on commission for small groups as well as for orchestra. He has made featured arrangements and compositions for The Brad Leali Jazz Orchestra (N.Y., USA), Gospel Meets
Jazz (Dallas, TX, USA, San Antonio, TX, USA), The Al Porcino Big Band (Munich, GER), Works for orchestra and choir for the Black History Month celebration (Denton, TX, USA), just to mention a few.

He is among those piano maestros who feel especially indebted to the musical heritage of bebop pioneers Bud Powell and Thelonious Monk. Directness can well be Raible’s secret as musical interpreter.
He never comes across as a musician who scoops things up second hand, slavishly copying and than regurgitating it back: rather, he lives what he plays.

His music has nothing to do with nostalgia – it is about identity and integrity- and it is vital, gripping, moving.

“Claus Raible plays with a style that embodies vitality and authority, which is real, captivating and fresh, ....” Hans-Jürgen Schaal, Jazz Critic

“Wherever he performs, the band members, other musicians in the audience, and last but not least the audience itself are amazed by his confidence in style, his fantasy of improvisation, and
the stupendous virtuosity of his performance” - Claus Regnault, Süddeutsche Zeitung

Unter den vielen hervorragenden Jazzpianisten Europas nimmt Claus Raible eine Sonderstellung ein, weil er - wie kaum ein Zweiter, aus der ihm bestens vertrauter Tradition, heraus agiert. Also den Jazz der Blütezeit einerseits bestens bewahrt und ihn andererseits ins hier und jetzt transportiert, mit einem sehr persönlichen Touch. Jede einzelne Note von ihm ist purer Genuss, unverfälscht rauh und poetisch! Ganz im Sinne von “it don’t mean a thing, if it ain’t got that swing”. Magie statt Zeitgeist! - mathias rüegg

Anna Lauvergnac

Anna was born in Trieste, Italy, where short after starting singing jazz she started performing with some of the best jazz musicians of the North Italian jazz scene (Franco Vallisneri, Francesco Bearzatti, Renato Chicco, Glauco Venier, Bruno Cesselli and Paolo Conte’s guitarist Andrea Allione).

She started studying Jazz Singing in 1989 at the Berklee College Summer Clinics in Perugia - Italy, where she was offered a scholarship and received a special Artistic Mention. The same year she enrolled at the Art University for Music and Performing Arts of Graz - Austria, where she studied for four years with Jazz Greats Jay Clayton, Mark Murphy, Andy Bey and Sheila Jordan. In the same years she attended masterclasses with Reggie Workman in Croatia and with Barry Harris in New York during numerous stays in the States.

In 1994 she moved to Vienna where she soon was invited by star arranger-composer mathias rüegg to perform on different special events with Europe leading Big Band, the Vienna Art Orchestra. She started as well a serial of recordings for the ORF, the Austrian Radio, presenting each year a different project and performed with most of the great musicians of the Austrian Jazz scene (Upper Austria Jazz Orchestra, Wolfgang Puschnig, Bumi Fian, Oliver Kent, Hank Gradischnig, Karl Sayer, Christian Havel, Erwin Schmidt to name a few). She wrote songs and music for seven movies of Austrian director Xaver Schwarzenberger and she was featured on various radio shows and cultural events such as the opening to the Wiener Festwochen.

In 1999 she was again in New York starting to record her first solo album «Anna Lauvergnac» (which featured some of America and Europe top jazz musicians: Andy Bey, Pete Bernstein, John Di Martino, Boris Kozlov, Claus Raible, Fritz Pauer, Wolfgang Puschnig, Alegre Correa, Johannes Enders, Andy Scherrer) for the Swiss label TCB. When she returned to Europe mathias rüegg offered her to become the new singer of the Vienna Art Orchestra. In the following decade she appeared on hundreds of concerts with the band, performing at all the major European Jazz Festival as well as in China, Cuba, Canada and Russia. She recorded 12 CDs with the VAO, mostly for Universal Music.

On the side of her work with the orchestra she kept touring Europe with different groups collaborating with amazing artists such as Bojan Z, Alegre Corea, Fritz Pauer to name a few, and recorded the albums «You must believe in Spring» with the Till Martin quartet and «Come Closer» with the Julia Huelsmann trio.

In 2010 she formed her Pan-European quartet featuring Claus Raible, Giorgos Antoniou and Steve Brown. Since then the band performed in clubs and festivals in Europe and recorded two CDs, both nominated for the German Critic Prize. The second one won the award in 2014.

Her voice is a velvety and smoky rich alto, her singing is direct, emotional and passionate. Her unique sense of phrasing and the unaffectedness of her interpretation reveal a profound music personality that while being deeply rooted in the Jazz idiom maintains a strong personal approach and marked individuality.

“Praised by Sheila Jordan, Lauvergnac shares that veteran jazz artist’s willingness to risk unusual musical efforts” - Don Hackman, The Los Angeles Times

“She’s all the expression you need and want from a beautiful singer“ - Mark Murphy, Jazz legend

“Anna Lauvergnac sings, simply, as one should sing. Not only she sings perfectly in tune, but her voice is full of pathos, energy, poetry and emotion.” - Paolo Fresu, jazz trumpet player

TRACKLISTS
E lucevan le stelle (Giacomo Puccini) / Il sogno di Maria (Fabrizio De Andrè) / Il canto del Maggio (forma teatro canzone popolare) / Vicenzina e la fabbrica (Enzo Jannacci) / Inverno (Fabrizio De Andrè) / Almeno tu nell'universo (Bruno Lauzi, Maurizio Fabrizio)

ARTISTS:
Stefano Battaglia - piano
Mirco Capecchi - contrabbasso
Furia Massimiliano - batteria

Laboratorio Permanente di Ricerca Musicale is a special space for musical research I've created in Siena Jazz Academy since 1996.
I have been fortunate to share that space with hundreds of young and gifted musicians travelling from different countries.
The research include and contain four different ways and approach: two of them connected with traditions (denominated Book of Songs and Book of Jazz) and two aimed and directed to new music
(denominated Original Compositions and Tabula Rasa).
The goal of every group of research is perform and/or record the repertoire created during the season of rehersals, through nine months of work, and one meeting for month. This live record has been recorded in a beautiful small church on the border between Liguria and Tuscany and contain a small part of a huge work basically focussed on italian popular repertoire within Book Of Songs context.
We had a wonderful and very well setted Steinway D in the conch, the special sound of the stone of the church, with a musician as a sound engineer (the trumpeter Luca Cosi), and surrounded by the
peaceful landscape of south Liguria's hills all around us.
It is a beautiful memory for me, and sometimes is just perfect to have the chance to keep the moment, to save the unforgettable on a record.

TRACKLIST
Moonrays (Horace Silver) / Help to C (Harry Sokal) / A Swinging Bird for Children’s Fake (Harry Sokal) / Context (Kenny Drew) / TGTT (Duke Ellington) / Cherokee Sketches (Fritz Pauer) / Melancholia (Duke Ellington) / Farmers Market (Art Farmer) / Home Cookin’ (Horace Silver)

ARTISTS:
Harry Sokal - saxes
John Arman - guitar
Martin Kocián - bass
Michal Wierzgon - drums

Dass Harry Sokal ein Ausnahmemusiker ist, dessen herausragende Fähigkeiten in der internationalen Jazzwelt anerkannt und geschätzt werden, darf als bekannt vorausgesetzt werden.
Harry´s Entwicklung vom ungestümen jungen Nobody zu einem der profiliertesten Saxophonisten Europas hängt ursächlich mit einer Begegnung zusammen, die im Jahr 1979 stattgefunden hat. Damals lernte der 25 Jahre alte Harry den Trompeter und Flügelhorn-Spieler Art Farmer kennen. Art verbrachte zu dieser Zeit einen großen Teil des Jahres in Wien und spielte wann immer es ihm möglich war in und mit der Band des Österreichischen Rundfunks, der sogenannten ORF-Big Band. Art war 1979 bereits durch Kooperationen mit legendären Musikern wie Coleman Hawkins, Thelonious Monk, Charles Mingus, Ron Carter und Gerry Mulligan selbst zu einer lebenden Legende geworden. Speziell durch seine sensiblen, unnachahmlichen Balladen-Interpretationen auf dem Flügelhorn.
Nach einer gemeinsamen Probe, an der auch noch der unvergessene Pianist Fritz Pauer beteiligt war nahm Art den jungen Harry zur Seite und lud ihn ein, gemeinsam mit ihm in seiner Wohnung ein wenig zu proben. Art hatte damals wohl schon Harry´s außerordentliches Potential erkannt und war bereit, dieses zu fördern. Der Rest ist österreichische Jazz-Geschichte. Harry wurde ständiges Mitglied in Art Farmer´s „European Quintet“ und begleitete ihn selbst auf Tourneen, die in Art´s Heimat, die USA, führten.
Art ist seit 1999 nicht mehr unter uns. Als Erinnerung und Hommage zugleich hat Harry Sokal nun diese CD „I remember Art“ aufgenommen und legt sie allen ans Herz, denen Art Farmer ebenso unvergessen ist wie ihm selbst.

Frank Hoffman

ARTISTS:

John B Williams -bass
Andy Middleton -saxes
Lorenz Raab -trumpet
Oliver Kent -piano
Klemens Marktl -drums
Jessica Williams -vocals 3,9
Meghan Williams -vocals 6

Der in Los Angeles lebende John B. Williams ist einer der angesehensten Bassisten in den USA. Er spielte mit fast allen Größen der Jazzmusik, lernte bei Ron Carter, spielte jahrelang in der Johnny Carson Show, der ersten und wahrscheinlich wichtigsten late night show in den USA, die nach Carsons Rückzug nach fast 30 Jahren Jay Leno übernahm.

John B tourte danach einige Jahre mit Michael Wolf, Bennie Maupin und vor allem mit der Vokalgruppe Manhattan Transfer, bevor er sich nun gänzlich auf seine Solokarriere konzentrierte. Er hat eine eigene Band in Los Angeles, er lernte aber nach einem Konzert mit Michal Wolf den Musikproduzenten Peter Guschelbauer kennen und nach einem Manhattan Transfer Konzert in Linz, beschlossen die beiden zusammen zu arbeiten und produzierten im Sounddesign Tonstudio in Hagenberg ein erstes Album mit österreichischer Band.

Es wurde sein erstes Studio Soloalbum für Alessa ALR 1016 Arabesque, das seinem Vater gewidmet war, der aus Jamaica stammte, und John B schrieb Musik im karibischen Stil. Seine Frau Jessica Williams sang 2 wunderschöne Balladen darauf, was automatisch dazu führte seine Frau in die Band zu integrieren. Gemeinsam tourten sie mehrere Male durch Österreich, Deutschland und Tschechien.

Bald kam die Nachfrage nach einer weiteren CD und John B erinnerte sich an seinen alten Lehrmeister Horace Silver in dessen Band er spielte und dem er viel zu verdanken hatte. Mit dem Horace Silver 5tet spielte John B einige Jahre darunter auch das erste Mal in Österreich und zwar 1968 im Konzerthaus in Wien in folgender Besetzung.

Horace Silver – piano, Randy Brecker – trumpet, Bennie Maupin - sax,
John B. Williams – bass, Billy Cobham - drums

Heute würde man dazu eine All Star Band sagen, denn diese Band war wahrlich prominent besetzt und es sollten sich daraus ausschließlich Weltstars entwickeln.

John B. Williams dachte 2013 daran eine „tribute to Horace Silver CD“ einzuspielen, sein Produzent Peter Guschelbauer war von der Idee begeistert, und so nahm man die Aufnahmen in Angriff. Da John B von der Qualität der österreichischen Musiker schon von seinen Erfahrungen in den Jahren davor total überzeugt war, stellte man wiederum eine tolle österreichische Band in oben genannter Besetzung zusammen und es entstand die CD ALR 1028 „African Queen“ mit kleiner Tour durch Österreich, Deutschland und Tschechien. Das highlight war eindeutig das Konzert im Rahmen der Festwochen Gmunden, einem Sommerfestival am wunderschönen Traunsee.

John B kam nun 2016 erneut mit seiner österreichischen Band wiederum nach Hagenberg, um ein Volume 2 seines tributes an Horace Silver aufzunehmen, der ja inzwischen verstorben war, aber auch um ein paar Konzerte in Österreich zu spielen, wie 2 Tage im Jazzland in Wien, im Amsec in Hagenberg, im Cafe Museum in Passau etc.

Einige takes, vor allem die Gesangsaufnahmen mit Jessica Williams und ihrer Tochter Meghan fanden in Los Angeles und New York statt, und wurden dann in Hagenberg fertig gemischt.

ARTISTS:

Karlheinz Miklin - saxes
Sigi Feigl - conductor
Michael Abene - arrangements

reed section:
Patrick Dunst  - alto, soprano, flute, clarinet
Lisi Stiger - alto, soprano, flute, clarinet
Tobias Pustelnik - tenor, soprano, clarinet
Wolfi Schiefer - tenor, soprano, clarinet
Gernot Strebl - baritone, bass-clarinet; (track 04, 05)
Oleksandr Ryndenko - baritone, bass-clarinet; (all except track 04, 05)

trumpet section:
Mario Stuhlhofer - lead
Gerhard Ornig
Dominic Pessl  - ass. lead
Karl Rossman
Markus Krofitsch
trombone section:
Reinhard Summerer - lead
Sascha Krobath
Mátyás Papp
Wolfgang Tischhart - b-trb.

rhythm section:
Fabian Supancic - piano, el-piano
Thomas Wilding - double bass, el-bass
Klaus Fürstner - drums

This is not my first CD entitled „Next page“. After having played mostly in trio format I started to work in quartet with Fritz Pauer, Ron McClure and the drummers Victor Lewis, Adam Nussbaum und Billy Hart in the nineties
 – defenitely opening a 'next page'. Later I came back to play mostly in trio again, besides my ongoing work with Argentine musicians for decades. That Michael Abene proposed to write arrangements of my compositions means an honour and another very important next page for me. It puts me in an unusual context but Michael – a true master - succeeded in keeping the meaning of my songs and enriched them with beautiful sounds and colors. I would not have started this project without the support of my dear friend Sigi Feigl. His knowledge and dedication were indespensable to make everything happen. I hope you enjoy!
Karlheinz Miklin

My capacity for enthusiasm regarding big band music is unadulterated since my professional start in the early 1980’s. And almost since then an intense musical collaboration with Karlheinz Miklin had been along my way. Doing workshops with my first „big band baby“, the Big Band Süd, being my teacher and mentor at the Jazzdepartment in Graz and in the past years sharing the stage on bigbandish occasions once in a while. Therefore I’m extremly happy that it was possible – with the birth of another band - to bring this collaboration to another level. Performing and recording the music of Karlheinz Miklin with the handpicked and outstanding musicians of the brand-new „Jazz Orchester Steiermark“ is a wonderful piece of luck. The icing on this cake are the magnificant arrangements of great Michael Abene – who did an amazing job in putting „Charlie’s“ very personal music into a big band context. Happy and proud in having been a part of this project!
Sigi Feigl

Listening to Karlheinz Miklin several times in small groups I  got interested in his compositions, so the idea came up to arrange his music for big band. Doing that I had second thoughts . Here was this wonderful musician who has composed some very interesting music over the years but has very rarely been associated with big bands. Various sizes of small groups yes. The challenge I faced is to try to write the arrangements in such a way as to leave Karlheinz free to play as he would in a small group. His compositions can vary from the craziness of a Joltz's Waltz, Monk-key to beautiful melodies such as Para Pochin and Palomar. Hopefully I have accomplished this. This was a fun and challenging recording to work on and hope you enjoy the finished project.
Michael Abene, arrangements

ARTISTS:
Don Menza (USA) - tenorsax
Oliver Kent (A) - piano
Johannes Strasser (A) - bass
Bernd Reiter (A) - drums

Sonny Rollins has always been a great inspiration for me and has shown me how important honesty in one’s music is... To give praise at this point in his history would be redundant but equally justified.
For this I thank you “Newk” and dedicate this album. All of his fans become somewhat transfixed when listening to his playing - hence “Sonny Daze” (album title).
“It’s April Again” was written for Rose (my wife for 54 years) as an anniversary gift. There are lyrics and one day I will record it with a good singer (Billy Eckstine or Sarah Vaughn would be nice), ha!
All the other selections are favorites of mine (either jazz standards or movie soundtracks).
About the rhythm section --- I can confidently say I would have absolutely no reservations playing anywhere in the world with them. Thank you guys for your enthusiastic performances!
Looking forward to our next project ---- DON MENZA

I was a student when I first met Don Menza in Graz about 10 years ago when he became the saxophone guest professor for two semesters. I could not really profit from Don’s incredible musicality and experience because I was just not good enough at that time, I was scared to even play one note with him…
Some years later in 2011 I got the chance to do a brief tour with Don in Austria, Germany and Italy, hence meeting him “on stage”. This was truly a wonderful and special experience followed by many more through the last five years when we were touring Europe together with different projects and line-ups.
Don himself is the best example for being 100% honest and strong in life and music, just being around him (and of course playing with him) is a special gift for me, as it is for any musician who he has worked with (and these are many including all the jazz greats).
Don is a true giant, carrying on the jazz saxophone tradition of Coleman Hawkins, Lester Young, Sonny Rollins, Stan Getz etc. and showing younger musicians and audiences what “Real Jazz” is.
Thank you Don for all the musical and personal moments we shared through the years, I will never forget any of them and really learned a lot from you, as a musician and (even more important) as a human being!
We recorded this album for Don’s 80th birthday (unbelievable!!!), big thanks as well to Oliver and Hans for their great playing full of swing and spirit and their positive energy on and off the bandstand!
Looking forward to many more ---- BERND REITER
 

ARTISTS:
Kristina Barta - piano
Jan Feco - bass
Marek Urbanek - drums
David Friedman - vibraphone
Karel Ruzicka Jr. - saxophone
Miroslav Hloucal - trumpet
Krystof Tomecek - guitar

Kristina Barta, whose real name is Kristýna Bártová, was born in Prague in the Czech Republic. In 2015, she founded her own trio - Jan Feco on bass and Marek Urbanek on the drums. She recorded the first demo tape and with her own original arrangements, the famous song Autumn Leaves (J. Kosma) won the competition Jazz Prix 2015. The international jury composed of R. Dombrowski (German music journalist), G. Schroder (The US Attorney Kurland Agency ) and Rudy Linka (Czech jazz guitarist) took her distinctive and fresh approach to the arrangement, and to her own compositions. The trio has performed at the Bohemia Jazz Fest in Prachatice and Pilsen before the band Yellowjackets.

During the same year, a live recording of the bachelor concert by Kristina Barta was nominated by the Czech Radio as a member of the EBU (European Broadcasting Union) in the prestigious European competition for young jazz projects Euroradio Jazz Competition 2016. The trio was chosen by the European Commission among the four finalists and Kristina Barta performed together with Jan Fečo and Marek Urbanek at the legendary concert hall Bimhuis in Amsterdam.

"Their music is a combination of jazz tradition and efforts to explore something new. The band sounds optimistic, after the periods of nervous or depressive modern jazz, perhaps, this is a new trend. Helped by the fact they are the young musicians who do not stick to the surface, but go directly to the essence of musical magic", says the editor of Czech Radio Vltava Vaclav Vraný.

In 2016 Kristina Barta won with her song "Find peace of mind" which was performed and written by her sister Martina Barta, a competition for the best jazz composition which is annually organized by OSA (Performing and Mechanical Rights Society).

Other activities and projects

Kristina Barta studied jazz piano at the Music Academy of Performing Arts in Prague under the guidance of prof. Karel Ruzicka and Vit Kristan. She teaches for several years at music schools in Prague. In 2016 Ratibořická Music School opened a new instruction branch in piano, focusing on jazz interpretation under her leadership. In Berlin, working with students Jazz Institute at the Universität der Künste.

EMA29 debut album was released in 2017 by Kristina Barta at the Austrian Alessa Records in cooperation with the Austrian promoter Peter Guschelbauer (among others in the years 2002 - 2007 he was the promoter of the Austrian Joe Zawinul). The steady trio - Barta, Fečo, Urbanek and the album expanded with distinguished guests. Trumpeter and composer Miroslav Hloucal, guitarist Kryštof Tomeček, saxophonist and producer Karel Ruzicka jr. and American vibraphonist David Friedman, a professor at the Jazz Institute in Berlin. In his life, David Friedman worked with musicians such as Wayne Shorter, Horace Silver and Chet Baker. He was a member of the New York Philharmonic and also taught at the Manhattan School of Music in New York.

"My development itself and the emergence of the album was documented by the leading Czech photographer Petr Krejci whose photographs are admired by people all over the world. He has exhibits in Seattle, Houston and Beirut. This uncompromising and decadent photographer reveals and underscores the interiority of music, which I am introducing to you", Kristina Barta.

Marek Urbanek (*1992) is a young and acclaimed jazz drummer in Czech Republic.
Jan Feco (*1990) is a great saxophonist and bassist in one person.

ARTISTS:
Paul Schuberth - akkordeon
Tomás Novák - violine, gesang

Musik, die in keine Schublade passt, verstaubt meistens in der Schublade. Ein solch verstaubtes Ensemble bilden auch der tschechische Jazzgeiger und Liedermacher Tomáš Novák und der oberösterreichische Akkordeonspieler Paul Schuberth. Das junge Linzer Duo sucht den steinigen Weg von Jazz zu kritischen Songs, von unernster E-Musik zu ernster U-Musik. Kurz: ein Duo wie jedes andere.

Das Duo hat sich zum Ziel gesetzt, Musik zu machen, die nicht während des Autofahrens gehört werden kann. Zwar erscheint die Musik zuerst eingängig, doch bei genauerem Hören entpuppt sie sich als zwei-, wenn nicht gar drei- oder viergängig: dies kann zu angenehmen und unangenehmen Überraschungen führen.
Der Wiener "Falter" ist sich aber sicher: "Zwar jung an Jahren, aber voll mit musikalischen Ideen, die für einige Platten reichen würden, scheren sich die Virtuosen um keine Konvention. Jede Nummer ist ein neuer Kosmos."

ARTISTS:

Chris Haller - lead vocals, guitars
Peter Guschelbauer - bass, vocals
Andreas Szelegowitz - drums
Christoph Cech - organ, horn arrangements
Gabriella Häninnen - vocals
Reynhard Boegl - Harmonica
Clemens Salesny - all alto Sax soli
Jürgen Haider - alto
Charly Schmid - tenor
Georg Schwandtner - bariton
Stefan Fellner - 1st trumpet
Gerald Silver - 2nd trumpet
Hermann Mayr - trombone

As Jimi Hendrix released in 1967 the title “Purple Haze”, it defined Chris and my world new. But I never thought that after 50 years the music from Jimi will still take this central place in my life, brain & heart. It makes so much fun after all these years to play this great, great music and above all, that we could enlarge our trio to a 12 piece band with 6 horns and thanks to Christoph Cech, the shock arranger, the horns sound awesome and exciting, as I never heard it in a jazz rock formation before. We will celebrate Jimi’s 75th birthday together with my 64th birthday and our 50th anniversary of the stage jubilee of Chris and me excessively with all our friends, our wives Uli and Uli and our daughters Lisa and Alexandra, we love you, and I wish we can be hippies till the end of our life. So I want to thank all the musicians for their musical contribution and overwhelming musicality, hope we can still play some decades. We have still a lot of plans to realise, so let’s get started.
Peter Guschelbauer

ARTISTS:
Paul Schuberth - acc
Johannes Münzner - acc, e-bass
Victoria Pfeil - sax

ARTISTS:
Michael Kahr - piano
David Jarh - trumpet, flugelhorn
Martin Harms - tenor sax, sopran sax, flute
Mario Vavti - trombone
Wolfram Derschmidt - bass
Jörg Mikula - drums & percussion
Frank Hoffmann - voice

Die Musik des Ensembles um den Pianisten und Komponisten Michael Kahr ist eine Hommage an die Jazzgeschichte – eine künstlerische Auseinandersetzung mit der Geschichte der Jazzstadt Graz und ihren vielschichtigen Verbindungen zum internationalen Jazz.

Aus dem Blickwinkel der Gegenwart eröffnen das Repertoire und die unterschiedlichen musikalischen Konzepte der Jazzgeschichte – jeglicher Nostalgie zum Trotz – spannende Perspektiven zur Definition der eigenen künstlerischen Identität. Vergangene Momente erscheinen im Licht der Improvisation in neuer Gestalt, und neue Kompositionen entstehen als inspiriertes zeitgenössisches Statement, bei gleichzeitigem Bewusstsein der eigenen Geschichte.

Das Ensemble spielt ausgewählte Stücke des Grazer Jazz (wie Kleinschuster Sextett, Josel Trio und das Harry Pepl / Werner Pirchner JazzZwio) und stellt in den eigenen Werken Referenzen zur Musik von Dieter Glawischnig, Harald Neuwirth, Ewald Oberleitner, Karlheinz Miklin und anderen Veteranen der Grazer Jazzszene her. Auch die Verbindung von Jazz und Lyrik hat ihren Platz. Insgesamt versprechen das profunde Verständnis der Jazztradition und die spontane Ausdrucksfreude aller beteiligten Musiker ein faszinierendes, swingendes Hörerlebnis.

ARTISTS:
Per Mathisen (NOR) - electric & acoustic basses
David Kikoski (USA) - piano & keyboards
Utsi Zimring (ISL) - drums & percussion

This hard-hitting, jaw-dropping trio, features 3 extremely virtuoso musicians from 3 different parts of the world. A “Viking” from Norway on acoustic upright and electric bass, a drummer from Israel and a keys man from USA on acoustic piano, Fender Rhodes and Mini Moog synthesizer. The trio was hitting it together for the first time and recorded for “Alessa Records”, their CD “Final Destination” in NYC, January 2016, and will be touring extensively in the near future. The music the band performs is composed 50/50 by Per Mathisen and Utsi Zimring and is a wonderful mix of acoustic modern jazz and electric, high voltage, funky jazzrock, always with amazingly virtuosic solos and interplay of world class.

Per Mathisen is not only Norway’s answer to Jaco Pastorius on electric bass, he is also Norway’s answer to Niels Henning Ørsted Pedersen on acoustic upright. Performed in over 30 countries with some of the most famous jazz musicians in the world, to name a few: Alex
Acuna, Bill Bruford, Mike Stern, Adam Nussbaum, Gary Husband, Jon Christensen. Per has released 12 highly acclaimed CD’s as a leader, co leader or member of bands.

Utsi Zimring is an international artist, drummer and composer, who performed and recorded with such acclaimed jazz musicians such as Mike Stern, Bob Franceschini, Ruben Rodriguez and Dominic James in such famous venues such as Blue Note or Lincoln Centre in New York. He recorded over 100 CD’s, his solo project “Zone 23” was well received by Modern Drummer Magazine, according to which Utsi “shines brightly with impressive, funky gospel chops”. Drum Magazine compared Utsi to Tony Williams and Billy Cobham and considered to see Utsi play live as a must.

David Kikoski is no less than one of America’s most famous jazz piano players. The list of world jazz stars he has been performing with is endless and his collaboration with legendary drummer Roy Haynes lasted for over 20 year. Kikoski’s band with sax man Bob Berg and drummer Gary Novak was touring extensively around the world for many years. He was a member of the soul bop band from Randy Brecker and Bill Evans and he won a 2011 Grammy Award with the “Mingus Big Band” for the Best Live Jazz Ensemble Album.

TRACKLIST
se me ra morta privari (if death was to trick me) / canto amoroso (love song) / bez tebe (without you) / kažeta (little house) / carisa (caress) / istrarmenia (homesick) / tango istrando / sama (alone) / farabuti (rascals) / tomizziana

ARTISTS:
Tamara Obrovac - vocals, compositions
Fausto Beccalossi - accordeon
Uroš Rakovec - guitar, mandola
Žiga Golob - double bass
Krunoslav Levačić - drums

Ethnisch inspirierter mediterraner Jazz, beeinflusst durch die besonderen musikalischen und mundartlichen Traditionen ihrer Heimat, der kroatischen Küstenregion Istrien. Ihre einzigartige Musik spiegelt den historischen und kulturellen Hintergrund ihrer Heimat, an der Kreuzung zwischen dem Osten und dem Westen, des Mittelmeerraumes und des Balkans. Mit ihren besonderen und eigenen Kompositionen, exzellenten Musikern und ausdrucksstarker Stimme, schafft Tamara eine einzigartige künstlerische Form, in der sie mühelos und logisch Melodie und Improvisation, Sensibilität und Leidenschaft, formale Anforderungen und Freiheit, ethnische Musik und Jazz, Tradition und Moderne, ernsthaften Ansatz und Humor verbindet.

“Tamara Obrovac hat sich still und heimlich zu einer der großen europäischen ethnischen Jazzsängerinnen entwickelt… lm Grundton melancholisch, ist ihr Gesang zugleich von einer beeindruckenden inneren Kraft und Leidenschaftlichkeit, die die Mentalitäten-geschichte eines ganzen Landstrichs mitführt.” (Jazz Podium)

ARTISTS:
Daniel Nösig (A) - tp
Jure Pukl (SLO) - ts
Tzumo Arpad (HU) - p
Josh Ginsburg (USA) - b
Gregory Hutchinson (USA) - dr

Jure und ich kennen uns seit fast 15 Jahren! Es wurden unzählige Konzerte und Tourneen im In- und Ausland gespielt, Aufnahmen für's Fernsehen und Radio gemacht und div. CD's eingespielt…

Die Idee ein gemeinsames Quintett zu gründen drängte sich förmlich auf. Es dauerte…, 2012 war es soweit !!

Mit der grandiosen Rhythmus Gruppe, Tzumo Arpad am Klavier, Josh Ginsburg am Bass und dem Schlagzeuger Gregory Hutchinson vervollständigt sich das Quintett. Die Musiker dieser Rhythmus Gruppe begleiteten Größen wie Joe Lovano, Kenny Garrett, Wayne Shorter, Kurt Rosenwinkel, John Scofield, Tom Harrell, Phil Woods, Benny Golson, uva.

Zwei eigenständige Solisten und eine kochende Rhythmus Gruppe garantieren für ein Hörerlebnis der Spitzenklasse!

In der Musik des Daniel Nösig/Jure Pukl Quintetts finden sich div. Einflüsse zahlreicher Modern-Jazz-Protagonisten im Konzept einer aktuellen Band wieder. Immer neu, immer frisch! Ein Abenteuer voller überraschender Stimmungen und groovender und stets swingender Energien. Die Frontline zeigt eine fast "telepathische" Übereinstimmung und die Rhythmusgruppe bringt bei aller Eigenständigkeit genau die richtige Basis, um Trompete und Saxofon die notwendige Freiheit zu gewähren. ENJOY!!
Daniel Nösig

ARTISTS:
Oliver Kent - piano
Uli Langthaler - bass
Dusan Novakov - drums

Für diese Formation mit dem Namen triple ace - colours in jazz haben sich drei wunderbare Musiker der österreichischen Jazzszene zusammengefunden:
oliver kent - piano, uli langthaler - bass und dusan novakov - drums

Alle drei Künstler - sie spielen seit Jahren mit den besten Musikern und internationalen Stars zusammen - bringen unglaublich viel Erfahrung für diese Band mit. Die Reife, mit der hier gemeinsam musiziert wird, erahnt man auf ihrer zweiten CD faces bereits nach den ersten Tönen. triple ace - colours in jazz haben sich einem der wohl schwierigsten Formate des Jazz gewidmet, dem „Pianotrio“. Doch trotz der Konkurrenz tausender hervorragender Klaviertrios auf der ganzen Welt ist diese Band den hohen Ansprüchen der internationalen Jazzszene gewachsen.
Ja, ich behaupte: triple ace - colours in jazz setzt neue Standards!
Peter Guschelbauer, Alessa Records

ARTISTS:
Herwig Gradischnig - tenor saxophone
Claus Raible - piano
Steven Fishwick - trumpet
Giorgos Antoniou - bass
Matt Home - drums

With top musicians from Austria, England, Germany and Greece, the Gradischnig / Raible Quintet handles Hope’s music with love and understanding. All band members remain true to the spirit of Bebop, speaking its language with originality and natural ease. The 9-minute opener, “Stars Over Marakesh“, with its fascinating Middle Eastern feel, is an impressive, atmospheric opener. The quintet’s performance here is somewhat slower and smoother than Elmo Hope’s trio versions, with the horns adding emotional depth.
Hans-Jürgen Schaal

TRACKLIST / SOUNDS
Eins Punkt Eins / Frage nicht / Nackter Ast / Schwarzer Holler / Du bist nicht so schön wie Du aussiehst / Real doll / Roter Holler / Parapaddam Grzn Gösn / 68 / Panspermie / Hiniga Woiza / Freeselling

HörbeispieleSoundsamples (MP3)

Hörbeispiele und Download auf iTunesSoundsamples & Download on iTunes

ARTISTS:
Lukas Aichinger - Schlagzeug
Alex Löwenstein - Altsaxophon
Markus W. Schneider - E - Gitarre

Free Idiots sind ein eklektisches Jazztrio aus Wien - in etwas ungewöhnlicher Besetzung. Eine Konstellation, die ein hohes Maß an Verantwortung von jedem einzelnen Musiker fordert. Die aber mehr Offenheit zulässt. Da klassische Funktionszuweisungen der Instrumente so nicht gelten und gewisse Erwartungshaltungen gar nicht erst entstehen.

Free Idiots - das sind sie allemal. In entscheidenden Momenten. Und entscheidend sind eigentlich alle. Wenn sie von Einfall zu Einfall springen, in und aus dem Rahmen ihrer Kompositionen - energetisch, sprunghaft, irrational. Die Ekstase hat im Zweifelsfall Vorrang. Das ist ihre Idiotie. Unter anderem. (Pressetext)

"Spannender Beweis, dass sich aus dem Jazzpool schöpfend durchaus neue musikalische Gedanken formulieren lassen. Extrem spielwitziges Trio in ungewöhnlicher, bassloser Besetzung."
Christoph Cech

TRACKLIST / SOUNDS
Getting it Wrong and Right / Jan’s Balloon / Mercury Enters Virgo / Faces / Images (Suite)

HörbeispieleSoundsamples (MP3)

Hörbeispiele und Download auf iTunesSoundsamples & Download on iTunes

ARTISTS:
Omri Abramov - Tenor and Soprano Saxophones, EWI
Guy Shkolnik - Acoustic Piano, Synthesizers
Per Mathisen - Acoustic Bass, Electric and Fretless Bass
Utsi Zimring - Drums

A contemporary jazz band, Niogi performs original pieces using a combination of acoustic instruments and synths. The band members mix harmonic and rhythmic influences taken from classical, jazz and world music. Niogi's music expresses a unique interest in cutting-edge synths programming and other electronic means of expression. Niogi has performed at renowned international festivals such as Ingolstadter Jazztage Festival in Germany 2013, Jazz Bliss Festival in Myanmar and at Israel Festival 2014. In 2012 Niogi won a special grant from the Israeli Ministry of Culture to advance their music. The band tours regulraly all over Israel, playing at renowned jazz venues and university campuses, gathering an excited audience to follow them.

TRACKLIST / SOUNDS
Hexagon / CleanBackflip / Der Tourist / Ramba Zamba / Interflug

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Joschi Öttl - tp
Manuel Schönegger - sax
Phillip Harant - sax
Anselm Oberhummer - flute
Johannes Huber - git
Hans Huber - git
Florian Oberhummer - fender rhodes, moog
Nikolaj Fuchs - bass
Lukas Kreuzberger - percussion
Klaus Sauli - drums

Drei Jahre nach der Veröffentlichung ihres Debutalbums "Schall 7" legt Kosmotron nach: "Hexagon" stellt eine kompositorische Weiterentwicklung dar, ohne dabei dem energetischen Strom des Kollektivs Grenzen zu setzen. Die fünf Nummern des Albums entpuppen sich als stilistische Wundertüte, die einen großen Bogen von Heavy Funk über Afrobeat, bis hin zu ornamentalem Jazz-Punk spannen.

TRACKLIST / SOUNDS
Tanger / Let‘s get lost / Somewhere in the night / Song for my lady / Tricotism / Fungi Mama / Cute / Estate / Confrontation / All the chords i know / If you could see me now / Visitation / I love you / Sweet Lorraine

HörbeispieleSoundsamples (MP3)

Hörbeispiele und Download auf iTunesSoundsamples & Download on iTunes

ARTISTS:
Helmut Kagerer - guitar
Davide Petrocca - bass
Bernd Reiter - drums

Nostalgie kann Perspektive haben. Sie kann auch Herausforderung sein, denn natürlich wurde alles schon einmal irgendwie gespielt. Für Helmut Kagerer ist das genau der Spaß, der ihn zum Instrument greifen lässt. Da sind die Großen, die Autoritäten und Monumente jazzenzyklopädischer Verehrung, die aber auf den zweiten Blick auch nur und vor allem Musik gemacht haben. Man brauchte einem Joe Pass oder Jim Hall nur zuzusehen und spürte über ihr Spiel hinaus, wie sie sich in die Musik fallen, von ihr treiben ließen. Oft ist verblüffende Technik die Basis, nur um am Ende dem Feeling freien Lauf zu lassen. Old School Jazz, der aus dem Moment heraus lebt, ein bisschen Mythos, viel Lebensgefühl. Insofern kann Nostalgie inspirieren, denn der Blick in die Geschichte zaubert alle die aus dem Hut, die einst die Richtung vorgegeben haben.

Und Helmut Kagerer stubst sie an, klopft ihnen auf die Schulter, stellt sich ihnen lächelnd zur Seite. Einem Billy Bauer etwa, der die Abstraktion in den frühen Jazz brachte und nun mit „All The Chords I Know“ ins musikalische Gespräch verwickelt wird. Oder einem Attila Zoller, seinem früheren Lehrer und Duo-Partner, dem er mit „Confrontation“ mitteilt, wie er selbst die Gitarrenwelt sieht. Auch einem Barney Kessel, mit dem er elegant und „Cute“ plaudert, vielleicht sogar den Ahnherrn Wes, dem er an einigen Stellen mit Daumen statt Pick einen Gruß zuwirft. Auch wenn die Großen der modern swingenden Gitarre nicht persönlich angetreten sind, kann man sie erahnen, Chimären und gute Geister eines Künstlerlebens, die im Laufe der Jahre ihre Ideen zu Kagerers Welt hinzugefügt und ihn darüber hinaus geführt haben.

Denn es ist eine Kunst, verankert zu sein, ohne festgelegt zu klingen. Von allen Gitarristen hierzulande, die sich hörbar auf die Tradition beziehen, ist Helmut Kagerer der individuellste Stilist. Das mag an seiner profunden Liebe zum Melodischen liegen, die selbst ins Abstrakte gleitende Passagen im Inneren zusammenhält. Es hängt aber auch mit einer natürlichen Lässigkeit zusammen, die sogar Purismus pfiffig klingen lässt. Und das eben ist die Idee von Nostalgie ohne Melancholie. Der Bandleader lässt sich davon leiten, wie auch seine Triopartner Davide Petrocca und Bernd Reiter, deren Bass und Schlagzeug mit trockenem Witz, beiläufiger Virtuosität, aber ohne überflüssige Redundanzen dem kommunikativen Miteinander erst die Form geben. Am Ende entsteht im Wechselspiel von alt und neu, von Witz und Eleganz eine Musik, die auf wundersame Weise zeitlos ist. Mit Hilfe vieler Freunde, von damals bis zur Gegenwart.

Ralf Dombrowski

TRACKLIST / SOUNDS
Floating Fretless Dreams / Baitina Scenery / Eric / June Winds / High Ground / Tritone Funk / The Ambling Alp / I don’t wanna know / Der Boden des Weißensee

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Per Mathisen - e- & upright bass
Ruggero Robin - guitars
Gergo Borlai - drums
Alex Acuna - percussion (track 06)

As traveling musicians we come across a lot of people on our journeys. Of course we meet all kinds of different musicians and colleagues, but this homage is not about them, this is about those special ones, off stage, that leaves the doors wide open to their houses or their lodges, and their hearts, so you always feel most welcome.
To have a chance to move around and meet these kind of people is truly one of the most wonderful thing about being a traveling musician. There are some of these kinds in particular who has contributed and inspired a lot to the making of these recordings, probably even without knowing it themselves. The product you are holding in your hand is the result of these people’s generous hospitality. The CD couldn’t be made without the generosity of these wonderful human beings and therefor is this production, and the title “ospitalita generosa”, a tribute and dedication to them. This is what Wikipedia says about hospitality and characterises the persons mentioned below here in the best possible way: Hospitality is the relationship between the guest and the host, or the act or practice of being hospitable. This includes the reception and entertainment of guests, visitors, or strangers. Louis, chevalier de Jaucourt describes hospitality in the Encyclopédie as the virtue of a great soul that cares for the whole universe through the ties of humanity[3]. Uli Atteneder and Peter Guschelbauer in Hagenberg, Austria: “The way you two open your house and makes everybody feel at home, while recording in the studio, is overwhelming and deeply moving.” “You meet us always with a big smile, a warm hug and splendid food on the table.” Uli’s Schweins-braten extraordinaire is unglaublich gut. Peter, thank you for who you are and the enormous amount of work you do every day for us and so many other musicians.
Siblings Almut Knaller and Michael Knaller at BIO-Hotel Gralhof, Weissensee, Austria: “The beauty of Weissensee is immense but the beauty of your souls are even more formidable.” The tune “Der Boden des Weissensee” is dedicated to the place, the people, the lake and the best Apfelstrudel in the world.
Vivian Daria & Yuri Verlato at La Baitina Asiago Hotel, Italy: “You opened the doors to your accommodation for us so we could start this trio project in the most amazing surroundings.” Fantastic landscape, wonderful people and marvellous food. It was the best start any group can have. The tune “Baitina Scenery”, is dedicated to you.
Wolfgang Litterak and your whole family at the Weissenwolff hotel, Steyregg, Austria: “Yes come back and play concerts, yes come back anytime and stay as long as you need, yes, yes, yes”. “Never have I heard a no from anybody at Weissenwolff Hotel.”
The “bass” tune, “Floating fretless dreams” is dedicated to you, Wolfgang.
Yours sincerely, Per Mathisen.

ARTISTS:
Per Mathisen - e- & upright bass
Gergo Borlai - drums
Ruggero Robin - guitars

Chapters of the DVD:

1. On the road to Inntoene jazz festival. Ruggero and Nicola Robin arrives the festival in Diersbach, Austria, driving from Padova, Italy, Saturday the 07.06.2014, the day before the concert.

2. Presentation of the festival, rig and soundcheck.Gergo arrives with car from Budapest, Hungary, in the morning. Soundcheck only with guitar and drums because Per arrives from Oslo, Norway, only 30 minutes before the concert starts at 1pm. Frantic work with connecting all the cables and pedals. 

3. Festival director, Paul Zauner announcing the trio. 

4. Concert: “Tritone Funk”

5. “High Ground”

6. “Floating Fretless Dreams”

7. “Baitina Scenery & The Ambling Alps”

8. “I don’t wanna know” 

9. After the Inntoene jazz festival concert, jumping in the cars and hitting the road from Diersbach to the wonderful Weissensee in the Alps. 

10. Breakfast and soundcheck in sunny Weissensee. 

11. Festival director, Michael Knaller announcing the trio. Sunday the 08.06.2014. 

12. Concert: “One for Sco”.

12.1. “Tritone Funk”.

12.2. “High Ground”. 

13. After the concert enjoying the beautiful lake, then back on the road driving from Weissensee to Hagenberg and setting up in the studio, getting ready for CD recording. Ending the day with a cold one and Internet outside the super hotel Weissenwolf in Steyregg. A wunderbar hot summer night. 

14. Recording the track “June Winds”.

(No bass on the recording because this clip is made from the recording room. You hear how the track actually sounds on the CD). 

15. Studio work and sound engineer Christoph Kapfer is talking about the studio, how it’s operated and what equipment they are using. 

16. Recording the track “Eric”. (Again no bass on the recording because this clip is made from the control room. You hear how the track actually sounds on the CD). 

17. Some silly and funny moments. 

18. Photos.

TRACKLIST / SOUNDS
Kurzwurz / Wie eine Dachtraufe / Springlink / Arothron (for A.W.) / Oktoberschatten / Wie gut wär's / Novemberstories / Flo / Avalon, Avalon, Avalon / Nos'n / Älter geworden

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Agnes Heginger - vocals
Peter Herbert - bass
Christoph Cech - piano

Mit Agnes Heginger, Peter Herbert und Christoph Cech hat sich ein improvisierendes "Dream Team" gefunden. "Zu jedem Moment alle Möglichkeiten vorfinden", könnte ein Motto der drei Musiker sein, die allesamt häufig Brücken schlagen - Brücken zwischen Jazz und E-Musik. Mit Leichtigkeit bedient man sich unterschiedlicher Materialien und erzeugt eine Musik, in der die Grenzen zwischen Komposition und Improvisation ausgelöscht sind, die Komposition die spontane Kraft der Improvisation in sich trägt und die Improvisation auf feine, formgestaltende Durchdringung nicht verzichtet. Drei Persönlichkeiten als Garanten einer spannenden Reise zwischen "komponiert" und "improvisiert". Virtuosität im Weiterspinnen musikalischer Gedanken, Grenzen sind nicht mehr wahrnehmbar, es entsteht neue Musik ohne Imponiergehabe. Werke aller drei finden Platz im Bogen der Performance. Stilistische Zuordnungen treffen wir nicht, man bedient sich lustvoll bei allem, was neugierig macht, den Geist zum singen, den Körper zum schwingen bringt.
Christoph Cech

"Wie eine Dachtraufe", "Wie gut wärs", "Älter geworden": lyrics by Joseph Kopf, Rimbaud-Verlag / music by Peter Herbert, aziza publishing nyc AKM/SESAC.
Christoph Cech plays a Yamaha C6 from Klavierhaus Schimpelsberger, Wels.
Peter Herbert uses Thomastik Belcanto strings, AKG DB-1 pickups, AKG C 214 mikrophon.

TRACKLIST / SOUNDS
Decalcomania / Motherland / Hot Coal and Cold Feet / This One / Homebound / Axiom / Culturessence / From the Spiritual To the Dust / One For You / Mnemonic Devices

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Chanda Rule - vocals
Jason Rigby - saxes
Martin Reiter - piano, keys
Raphael Preuschl - basses
Gernot Bernroider - drums

Gernot Bernroider's Culturessence ist eine Neuformation der Gruppe "Oulipians" die im Jahr 2007 im Rahmen der Late Night Groove Series im Blue Note in New York City debütierte. Als eine Variante zu der literarischen Gruppe mit demselben Namen, die um 1960 in Paris von Raymond Queneau und Francois Le Lionais gegründet wurde, verschmolzen die Oulipians Strukturen verschiedener Stilrichtungen um kreative Musik zu schaffen.Mit der neuen Namensgebung “Culturessence” wollte ich mit einem deskriptiven Namen die Chance auf eine Wiedererkennung unseres Ensembles verbessern.
Die Songs auf diesem Album sind Eigenkompositionen die durch Weltmusik, Weltkultur und Literatur  inspirierte  Musik mit Jazz, Sprachgesang und lyrischen Texten verflechten.
Mit Chanda Rule und Jason Rigby sind zwei außergewöhnliche Interpreten meiner Musik auf diesem Album verewigt. Beide, Chanda mit ihrer glasklaren und gefühlvollen Stimme und Jason mit seinem perfekt, zwischen korpulent und zerbrechlich wirkend, balancierten Tenorsaxofonsound, heben die Musik jederzeit auf das oberste Echelon künstlerischer Ausdruckskraft und Kreativität.
Mit Martin Reiter am Klavier und Keyboard, Raphael Preuschl am akustischen und E-Bass sind wir eine, glaube ich, gut geölte Rhythmusgruppe die unterstützt, ermuntert und reagiert.

TRACKLIST / SOUNDS
Fortakslaus Basic Income / Suite solidaire / Whistleblower's Satisfaction / Grauschattenschein / Ombra / Spontaninnovation / Red Love Story / Akk:zeptanz / Suite solidaire trois / Lyric Thrill / Puls

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Paul Schuberth - accordion
Johannes Münzner - accordion
Victoria Pfeil - saxes

Das 2011 gegründete trio akk:zent nimmt sich fest vor, nicht nur wegen seiner außergewöhnlichen Besetzung, sondern auch ob des Mutes zur stilistischen Unbekümmertheit, ein spezielles Klangerlebnis zu sein.
Geplanten Grenzsprengungen stehen die Ensemblemitglieder skeptisch gegenüber, diese sind dann schlussendlich unvermeidlich, sehen sich die jungen Musiker doch unterschiedlichsten musikalischen Einflüssen ausgesetzt.
Dass hier Jazz, World Music, imaginäre Folklore, freie Improvisation und Neue Musik konkurrieren oder verschmelzen können, ist dem Umstand geschuldet, dass alle Drei unterschiedliche Vorstellungen von Musik und Jazz im Speziellen mitbringen und niemand sonderlich daran interessiert ist, Kompromisse einzugehen. Trotzdem oder gerade deswegen haben sich eine gewisse Rollenvariabilität und ein homogenes Klangbild entwickelt. Im Zentrum steht nie ein einziger Spieler oder eine Spielerin, sondern immer das Trio. Der Gesamtklang ist hier das Individuum.

TRACKLIST / SOUNDS
Dancing Sunbeam / Farewell Farwell / Omicron / Gentle Art of Love / General Mojo's Well Laid Plan / Waltz For Ruth / O. P. / Mraz / Dacapolypso

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Harry Sokal - Tenorsax, Sopranosax
Tizian Jost - Piano, Vibes
Johannes Ochsenbauer - Doublebass
Mario Gonzi - Drums
Claus Reichstaller - Trumpet , Flugelhorn

Wir leben in einem Zeitalter, in dem Musiker auf beiden Seiten des Atlantiks gerne bestimmte Techniken des Jazz für Projekte verwenden, mit dem Wunsch, eine bestimmte Ästhetik zu erzeugen. Die Versuche sind jedoch häufig zum Scheitern verurteilt. Daher ist es höchst erfreulich, dass es im 21. Jahrhundert noch Jazzmusiker gibt, die ein Händchen für die richtigen Werkzeuge haben und diese Techniken genau da anwenden, wo sie am effektivsten sind.

Johannes Ochsenbauer wählte Kompositionen von Bassisten, die seinem Empfindungsvermögen entsprechen und scharte eine Band von gleichgesinnten Musikern um sich, um diese Stücke im Bewusstsein der Tradition ihrer Entstehung zu interpretieren. Die Musiker haben sich die Stücke genau angehört und Wege gefunden, sich selbst – vielmehr ihre Seele – wirkungsvoll und ehrlich in der Musik klingen zu lassen, ohne verlegen zeitgenössische Elemente darin einzuflechten. Das Resultat ist Musik, die neuer und spontaner klingt als manch andere aus den neuesten (und häufig verwässerten) Jazzstilistiken. Fortschreitende Tradition ist das, was diese Musik ausmacht.

Man hört rhythmische Dynamik und elenganten Swing, der den Stücken durch das Spiel von Schlagzeuger Mario Gonzi ein Fundament gibt und sie gleichzeitig antreibt. Man erkennt dadurch die musikalische Sprache sofort wieder, in der die Kompositionen geschrieben wurden. Man hört, dass sich Johannes Ochsenbauer über die geschickte Orchestrierungsvielfalt des Albums – ein Duett, zwei Trios, Quartett- und Quintett-Formationen – gewissenhaft Gedanken gemacht hat. Oscar Pettiford’s Gentle Art Of Love erfährt eine innige Interpretation als Bass-Solo. Es scheint, dass die heutigen Bassisten langsam die tiefe Bedeutung von Pettiford’s Beitrag zum Jazz zu würdigen wissen. Charles Mingus‘ O.P. ist eines der kompositorischen Höhepunkte dieser Platte, ein wunderbares Stück, in das nicht nur geschickt ein Zitat aus Pettiford’s Blues In The Closet eingeflochten wurde, sondern das auch ein paar beseelte 3/4 Takte bereithält, die kurz den 4/4-Takt unterbrechen, um den Hörer für einen Augenblick in ein anderes Bezugssystem zu entführen, aus dem der treibende 4/4–Swing wieder umso frischer erscheint. Mingus hat seine Anerkennung für Pettiford deutlich gemacht und die Musiker zeigen bei dieser Aufnahme ihre Anerkennung und Überzeugung für den Jazz an sich. Und sie haben es nicht zuletzt auch geschafft, den Geist meines Stückes einzufangen!

TRACKLIST / SOUNDS
Lullaby of the Leaves / Be Still, My Soul / Get Out of Town / Soft Winds / Music Is / You`re My Thrill / Let`s Face the Music and Dance / I Know a Song / For Heaven's Sake / Nobody Else But Me / Coming Back Home

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Anna Lauvergnac - vocals
Claus Raible - piano
Giorgos Antoniou - bass
Steve Brown - drums

Anna Lauvergnac is an artist with a complex personality.
In her carreer she has been able to fit into many musical environments, keeping her distinct style and sound in every musical situation. In her many years with the Vienna Art Orchestra she used her voice as a horn in the saxophone section, duetted with Adrian Mears' didjeridoo and interpreted Ellington and Strayhorn ballads. She arranged and sang the opener for the Orchestra on the programs Nine Immortal Non Evergreens For Erich Doplhy ( for two voices and electronics, with the late Monica Trotz) and she appeared as a solo performer, both as actress and singer, in her humorous and poignant eight-minute introduction on the  « A Centenary Journey » tour.
In her splendid first solo recording she courageously produced a full project of ballads, my favorites being her duets with jazz legend Andy Bey, she shone on Till Martin's spare arrangements and delighted audience and critics interpretating the compositions of Randy Newman with the Julia Huelsmann Trio.

But she never sounded so beautiful and fully expressive as with her own quartet, and "Coming back home", the second recording of the band, is simply superb.
Anna Lauvergnac reaffirms her elegance in phrasing, excellence in rhythmic interpretation and uncommon sensitivity, the album is remarkable, a marriage of well-known and rarely-explored jazz standards, and four original songs. A pleasant peculiarity here is the judicious choice of extraordinarily modern-sounding compositions selected from the bursting jazz catalog of the 30's and 40's. It`s hard to believe that a song like "You're My Thrill" was written in 1934, not 2004.

The art of writing a song lies in the respect of a fragile balance between lyrics and melody, mood and sound, but most of all in the emotional and musical authenticity that a song needs to be expressive and sincere: the four original songs featured on this recording fulfill this task. They are a reverie of the four seasons:  spring, light and fresh on "I Know A Song"; summer, hot and bright on "Music Is"; autumn, dusky and fragile on "Coming Back Home" and winter, contemplative and meditative on "Be Still, My Soul".

The quartet performs with flawless unity, yet each musician maintains a marked individuality that celebrates the strength and spirit of jazz. They transcend any lick or cliché and dive into the heart and essence of music.

Claus Raible has something approaching telepathy with Anna Lauvergnac. Their synchronicity in unpredictable music movements is astounding as he breaks the rules of classic 'comping' to create a freer and fuller interdependence between melody, lyrics and harmony. As always, Raible proves to be able to draw power from the roots of modern jazz to flourish into his own personal musical language, delivering a serial of spectacular solos in which he takes risks and music phrases to the limits.
 Like an aerialist defying gravity, he creates unforeseen lines which soar with beauty and danger in a perfect balance between rhythmic urging and harmonic tension.

From the first bar, bassist Giorgos Antoniou provides a platform for the music to glide with a warm depth and groove. His fabulous bass lines and distinctive harmonic sense melt elegance and a rootsy pulse. His solos are jewels.

Drummer Steve Brown's dynamic drive is truly impressive. He swings on the cymbals, his beat is strong and he anticipates and supports the wide range of variations and moods. Brilliant on the up-tempos and intense on the ballads, he is a first-rate drummer - tasteful, imaginative and effective.

Leroy Windwood

Quotes & press

About ANNA:

"Most appealing is her desire to cruise the cutting edges of jazz vocal performance." -Don Hackman, The Los Angeles Times
"She's all the expression you need a want from a beautiful singer" Mark Murphy, Jazz Legend
"Anna Lauvergnacs elegantly simple and sometimes smoky vocals are at the center of the artistic creations, and gives them soul and mind." - Martin Laurentius, Jazzzeitung
"She puts the audience under the spell of her music, her voice, her charisma." -  Christian Köpf,  Donaukurier

About CLAUS:

"Wherever he performs, the band members, other musicians in the audience, and last but not least the audience itself are amazed by his confidence in style, his fantasy of improvisation, and the stupendous virtuosity of his performance" - Claus Regnault, Süddeutsche Zeitung
"Claus Raible plays with that style that embodies vitality and authority, which is real, captivating and fresh, yet without being nostalgic."- Hans-Jürgen Schaal, Jazz Critic

About GIORGOS:

"Giorgos Antoniou weaves a subwoofing net in a wundrefully  relaxed manner and with a "conductive to the music" attitude. In his solo work he doesn't just show off some skills but rather does scintilate by unobtrusiveness". - Christian Köpf, Donaukurier


About STEVE:
"On drums, Brown (a tall young man with an eager grin) is a delight. He has an urbane understatement and sidelong wit that adds zip and buoyancy to the sounds around him. Alert to every approaching detail, he fills out melodies with hissing hi-hat snaps and briefly jolting rolls, drops back to minimalist rimshots and erupts into fizzing cymbal swing with an effect like a door suddenly swung open to a busy street. An absolute
treasure." - John Fordham, The Guardian.


About the band:

"Anna - together with her extraordinary traveling companions- has built up a complex architecture that in its apparent simplicity is directed toward music only." -Paolo Fresu
"Anna Lauvergnac with her excellent travel companions are a real band, able to reach such level of inspiration and communication that they turn a concert into an intense and unforgettable experience. And while even the most demanding Jazzpurist will be pampered, also Jazz newcomers will be introduced to what this music can be : not a mere show in which exposing abilities, but a real act of love." -Marcus A. Woelfle, Jazz Zeit
"Wonderful. Honest, and real, and soulful." - Sheila Jordan

TRACKLIST / SOUNDS
The Path / Afternoon View From the Epic / Hyoshi / Ocean Love / Women Hold Up Half the Sky / Spring Street / April and Silence

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Fabio Puglisi - piano
Giuseppe Guarrella - acoustic bass
Francesco Branciamore - drums

As I heard the recordings of the Summer´s End Trio for the first time, I thought to myself, what a great synthesis between an energetic and dynamic pianist who expresses himself not in a typical jazz language, and a very jazzy bassist and drummer.

And as I read that those three are from Sicily/Italy, all this images, which are so typical for this island came up, Greek temples, the volcano Etna, Erice - this beautiful village on top of a hill in the West with a great view on Trapani, Taormina in the East, and, and, and…..

Enjoy the music and go on this musical trip with the Summer´s End Trio through this wonderful island.

ARTISTS:
Ori Dakari (Israel) - guitar
Uri Gurvich (Israel/ New York) - alto sax
Pascal Niggenkemper (F/Ger/ NYC) - bass
Ronen Itzik (Israel/ New York) - drums

His second release, along side his New York based quartet, captures those attempts. The album comprised of 7 original compositions by Dakari, featuring Ori's long time musical partner, New York based, Uri Gurvich on Alto Sax. French-German-New York based, Pascal Niggenkemper on Bass and New York based, Ronen Itzik on drums.
 
The music fuses the seemingly disparate worlds of modern jazz and the folk music of Israel (which contains its many folk musical origins such as Yemenite music, East European music and North and East African music) into one global, complete and adventures musical experience.
 
Born and raised in Israel, Ori started to play the guitar at the age of 12. At the age of 18 he was acknowledged by the Israeli Ministry of culture and the Israeli army an “Outstanding Musician”. He served his army duty as a guitar player. In 2004, Ori received a special scholarship and merit award from the famous Berklee College of Music in Boston. He moved to the US and began study with Jazz masters like Joe Lovano, Hal Crook, Mark Whitefield and others. In 2007 he moved to New York City.
 
 
Ori Dakari has been developing a reputation as one of the most promising guitarists in the scene today since his arrival to the US in 2004. In Only a few years this native Israeli had played in numerous festivals and venues around the world with his group, including venues in New York, Yardbird Suite (Edmonton, Canada), Ashkenaz Festival (Toronto, Canada), Savassi Jazz Festival (Brazil), Belgrade Jazz festival and Nisville Jazz festival (Serbia), Kaunas Jazz Festival (Lithuania), Rigas Ritmi Jazz Festival (Latvia), St. Petersburg Jazz festival and many more.

TRACKLIST / SOUNDS
Ballerina / Prayer / Arrogant Stars / When We Say Goodbye / On My Youth / Kris / The Other Side / Xtension / Truth / Twisted / My Funny Valentine

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Soo Cho: piano, compositions
Javier Girotto: soprano saxophone

Ausführliche CD- Besprechung bei Jazz’halo

TRACKLIST / SOUNDS
Silver's Serenade / Sister Sadie / Happy Medium / It's Time / Cape Verdean Blues / Peace / Brain Wave / The Kicker / Senior Blues / The African Queen

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Andy Middleton - sax
Lorenz Raab - trumpet
Oliver Kent - piano
John B Williams - bass
Klemens Marktl - drums
Jessica Williams - vocals on track 3,6,9

Der in Los Angeles lebende John B. Williams ist einer der angesehendsten Bassisten in den USA. Er spielte mit fast allen Größen der Jazzmusik, lernte bei Ron Carter, spielte jahrelang in der Johnny Carson Show, der ersten und wahrscheinlich wichtigsten late night show in den USA, die nach Carsons Rückzug nach fast 30 Jahren Jay Leno übernahm.

John B tourte danach einige Jahre mit Michael Wolf, Bennie Maupin und vor allem mit der Vokalgruppe Manhattan Transfer, bevor er sich nun gänzlich auf seine Solokarriere konzentrierte. Er hat eine eigene Band in Los Angeles, er lernte aber nach einem Konzert mit Michal Wolf den Musikproduzenten Peter Guschelbauer kennen und nach einem Manhattan Transfer Konzert in Linz beschlossen die beiden zusammen zu arbeiten und produzierten im Sounddesign Tonstudio in Hagenberg ein erstes Album mit österreichischer Band.

Es wurde ein Album das eher seinem Vater gewidmet war, der aus Jamaica stammte und John B schrieb Musik im karibischen Stil. Seine Frau Jessica Williams sang 2 wunderschöne Balladen darauf, was automatisch dazu führte seine Frau in die Band zu integrieren. Gemeinsam tourten sie mehrere Male durch Österreich, Deutschland und Tschechien.

Bald kam die Nachfrage nach einer weiteren CD und John B erinnerte sich an seinen alten Lehrmeister Horace Silver in dessen Band er spielte und dem er viel zu verdanken hatte. Mit dem Horace Silver 5tet spielte John B einige Jahre darunter auch das erste Mal in Österreich und zwar 1968 im Konzerthaus in Wien in folgender Besetzung:

Horace Silver - piano, Randy Brecker - trumpet, Bennie Maupin - sax, John B. Williams - bass, Billy Cobham - drums

Heute würde man dazu eine All Star Band sagen, denn diese Band war wahrlich prominent besetzt.

John B. dachte daran eine "tribute to Horace Silver CD" einzuspielen, sein Produzent Peter Guschelbauer war von der Idee begeistert und so nahm man die Aufnahmen in Angriff.
Da John B von der Qualität der österreichischen Musiker schon von seinen Erfahrungen in den Jahren davor total überzeugt war, stellte man wiederum eine tolle österreichische Band zusammen. Und wiederum sang Jessica Williams 3 Titel ein und wird natürlich auch immer wieder mit der Band touren. 7 Instrumentaltitel wurden im März 2013 aufgenommen, die Gesangstitel wurden am Vortag zu dem Auftritt im Rahmen der Festwochen Gmunden wiederum im Sounddesign Tonstudio in Hagenberg am 12. August 2013 eingespielt, womit die CD fertig aufgenommen war. Sie wird African Queen heißen und im Jänner 2014 veröffentlicht werden.

TRACKLIST / SOUNDS
All of Me / Somewhere Over the Rainbow / No Moe / All the Things You Are / The Last Train From Leibnitz / You Don't Know What Love Is / Non Dimenticar

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Don Menza (USA) - tenorsax
Renato Chicco (ITA) - KeyB organ
Bernd Reiter (A) - drums

"Here goes!!!
What started out to be a very short last minute tour two years ago turned out to be a really very satisfying musical experience for me. Bernd organized a few concerts in Germany, Austria and Italy.
Logistically it was a bit diffi cult but we made it work. The drive from Garmisch to Trieste was exhausting and I was afraid we had left all our energy in Garmisch but after listening to a recording of the nite in Trieste, Bernd suggested we record a live album on our next tour.
What you hear on this CD is a result of that tour - recorded live at Jazzland in Vienna. The selections are self explanatory and all show the enthusiasm and musicality of Renato and Bernd. I‘m proud to have been a part of this group and I hope that we will have many more opportunities to play together.
Thank you Bernd and Renato, Don Menza."

TRACKLIST / SOUNDS
On a Clear Day / Bein' Green / Love You Madly / My One and Only Love / Double Rainbow / It's Alright With Me / Estate / Nobody Else But Me / Smile / Just Squeeze Me / You Taught My Heart To Sing

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Bettina Krenosz (A) - voice
Ryan Langer (USA/A) - piano
Robert Goodenough (USA/A) - bass
Wolfgang Dorer (A) - drums

Das "Bettina Krenosz JazzQuartett" ist das perfekte Zusammenspiel von vier international agierenden Musikern, die sich zusammengefunden haben, um die reichhaltigen Facetten des Jazz in seiner kammermusikalischen Trio + Vocal-Form zu zelebrieren.

Dabei ist die unverwechselbare und ausdrucksstarke Stimme von Bettina Krenosz ein unverzichtbarer Teil der Darbietungen. Einfach "gute Musik", viele sagen Jazz dazu,... inspiriert, kompetent und ehrlich interpretiert.

Es ist dies Bettina's Debutalbum und sie bedient sich gemeinsam mit ihrem Klavier Trio in großartiger Weise am "american songbook", von Duke Ellington, Cole Porter, McCoy Tyner bis zu Jerome Kern ist alles in ihrem Repertoire.

TRACKLIST / SOUNDS
Black Nile / Delaunay's Dilemma / Emily / Mary Ann / Last Minute / Estate / 8/4 Beat / Polkadots and Moonbeams / If I Were a Bell / Turnin' Round / Song For My Brother

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Vid Jamnik - vibraphone
Stane Hebar - guitar
Luka Herman Gaiser - double bass
Bernd Reiter - drums
Nicole Herzog - vocals
Jim Rotondi - trumpet, flugelhorn
Rob Bargad - piano, Hammond organ

The leader of the band is a young Slovenian vibraphone player Vid Jamnik, whose work is enthralling audiences far outside the borders of Slovenia as well and who belongs to the most talented young musicians in this part of Europe. Despite his young career, he has already played with many illustrious names of jazz.
The band was formed by expanding the Vid Jamnik Trio, which was joined by an excellent Austrian drummer Bernd Reiter, a graduate of the University of Music and Performing Arts Graz. Vid is a student at the Carinthian State Conservatory in Vid Jamnik Quartet (Slo\A)
Klagenfurt and Stane and Luka are graduates of the same school, where the trio was also first formed. Bernd and Vid have already played on many European stages before.
Vid Jamnik Quartet has already played many concerts (among others also on the Lent festival in Maribor, Slovenia and in Royal Garden Jazz Club in Graz, Austria) and also made a recording for the Slovenian National Television's programme called »Slovenian jazz scene«.
The group plays jazz standards and originals as well as own compositions of its members.

TRACKLIST / SOUNDS
Uganda Kobb / Love In the Cloisters (Uthando) / Freedom In Mind / Bamacum / Sambesi's Song / Bomba Misteriosa / Esperame En El Cielo / Fulano De Tal / Chano, Willie, Mongo, Patato Y Tata

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Leopoldo F. Fleming - percussion, coro
Christian Gonsior - tenorsaxophone, flute (8)
José Mangual Jr. - vocals, coro
Dinah Vero - piano
Joel Diamond - piano (7 & 9)
Alex Hernández - bass
Emilio Valdés - drums, timbales (8), coro
Annette Blichmann - coro (8)

Bekannt als versierter und gefühlvoller Begleitmusiker und Solist an den verschiedensten Perkussionsintrumenten mit Stars wie Miriam Makeba, Nina Simone, Randy Weston, Harry Belafonte, Eartha Kitt, Lonnie Liston Smith, Archie Shepp, Boys' Choir of Harlem, spielte und tourte Leopoldo mit dem Who-is-Who der internationalen Jazzszene während der letzten 50 Jahre.

Durch die Initiative des langjährigen Freundes und Saxophonisten Christian Gonsior und dessen Liebe zu Rhythmen afrikanischer Herkunft und Modern Jazz konnte diese Aufnahme realisiert werden. Die Musikerfreunde Emilio Valdés an Schlagzeug und Timbales, Sänger José Mangual Jr., Dinah Vero und Joel Diamond am Klavier und Alex Hernández am Bass tragen mit ihrer Professionalität und Kreativität zum Gelingen des konzeptuellen Projekts bei. Gegensätze überwindend steht der Titel "Trato Común" (Gegenseitige Übereinkunft) für Liebe über die Kontinente hinaus, für das gegenseitige Verständnis und das Vertrauen zueinander.

TRACKLIST / SOUNDS
Geometry 1: Trapezoid / Skumringstimen / 16 Knödeln / Geometry 3: Octagon / Geometry 2: Triangle / Zahorska Scenery / Obsession / One Line (for Schoenberg) / Android City / The Cookie Man

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Ole Mathisen - sax
Per Mathisen - bass
Juraj Burian - guitar
Martin Valihora - drums

Ole Mathisen, einer der besten Saxophonisten New York's und sein Bruder Per, einer der gefragtesten Bassisten in Norwegen, treffen auf die beiden besten Musiker, die die Slowakei jemals hervorgebracht hatte, nämlich den Gitarristen Juraj Burian und Schlagzeuger Martin Valihora. Dieses musikalische Treffen ist hoch explosiv, alle 4 Musiker sind phänomenal auf ihrem Instrument und zusammen sind sie einfach pures Dynamit. Man hört atemberaubende Soli, wunderbare Zwischenspiele, schöne Sounds und Melodien, immer mit einer gewissen Wärme dem Publikum gegenüber und einem gewinnenden Sinn für Humor. Obwohl das Quartett dem Bereich des elektrischen Jazz zuzurechnen ist, wird man Sounds, Rhythmen, Akkorde und Melodien hören, die aus einem breiten Bereich musikalischer Genres entnommen worden sind.   

Die einzelnen Titeln wurden von Ole, Per und Juraj geschrieben, alle in einer Art und Weise, die dem Musiker größtmögliche persönliche Freiheit zur Interpretation und vor allem zur Improvisation lassen.

Die Liste der weltbekannten Musiker und Künstler mit denen die Mitglieder von Crossing Borders gespielt haben ist endlos, Mike Stern, Ron Carter, Peter Erskine, Omar Hakim, Alex Acuna, Bill Bruford, Jojo Mayer, Eddie Gomez, Gil Goldstein, Lee Ritenour, Hiromi, Dream Theater, Darryl Jones, Randy Brecker, Abraham Laboriel, Antonio Sanchez, Geri Allen, Jerry Donohue, Gary Husband, Hiram Bullock, etc. etc. um nur einige zu nennen. Alle haben auch hoch gerühmte CDs unter ihrem eigenen Namen veröffentlicht.

Für weitere Informationen:
Ole Mathisen: http://www.myspace.com/olemathisen
Per Mathisen: http://www.myspace.com/permathisen
Juraj Burian: http://www.myspace.com/jurajburian
Martin Valihora: http://www.myspace.com/martinvalihora

TRACKLIST / SOUNDS
Jumping Through the Green / Stup / Liberte 3 / Tanz Der Barbaren Im Donaudelta / Trava / Inje / Tango Alentando / Laub / Ahavoitua / Desine / La Cancion De La Confluencia / Saxomove

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Paul Schuberth - accordion, vocals
Johannes Münzner - accordion, diatonic harmonica, didgeridoo
Victoria Pfeil - all saxes


Es war fast so etwas wie musikalische Liebe auf den ersten Blick, als sich die beiden für ihr Alter schon erfahrenen Akkordeonspieler Paul Schuberth (18) aus Steyr und Johannes Münzner (21) aus Wien bei einem Akkordeonworkshop von Professor Friedrich Lips in Imst trafen. Ein ähnliches Verständnis von Musik und dieselben Vorbilder führte sie zusammen und prägt nun auch ihre Musik.
Zusammen mit der ebenfalls aus Steyr stammenden und vier Saxophone beherrschenden Jungmusikerin Victoria Pfeil (17) eröffnen sich dem Zuhörer in dieser neuen Besetzung neue klangliche Erfahrungen, die bisherige Erfahrungswerte mit den Instrumenten Akkordeon und Saxophon bei weitem übertreffen.

Das Trio sprengt Grenzen, die zuvor für längst nicht mehr existierend gehalten wurden. Der Titel der neuen CD "so oder so", zeigt auf doppeldeutige Weise, dass die drei Jungmusiker sich dessen vollauf bewusst sind, dass sich ihre Musik nicht leicht einordnen lässt - denn sie machen es ja so oder so "so oder so".

TRACKLIST / SOUNDS
The Great City / Since I Fell For You / Senza Fine / Speak Low / Why Don't You Do Right / Tell Me More And More And Then Some / Social Call / Travelling Light / You Know Who / Lonely Town

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Anna Lauvergnac - vocals
Claus Raible - piano
Giorgos Antoniou - double bass
Howard Curtis - drums

"Anna singt aus ihrem Herzen", hat Sheila Jordan einmal über die längjährige Sängerin des Vienna Art Orchestra gesagt. Daher, so möchte man ergänzen, besitzt sie auch die Fähigkeit die Herzen der Menschen zu berühren. Das belegt ihr aktuelles Programm "Unless There's Love" mit gänsehautverdächtigen Interpretationen eher selten gesungener Standards.  Es gibt viele Sängerinnen mit einer schönen Stimme, die sich von swingenden Gefährten begleiten lassen; wenige besitzen aber wie Anna Lauvergnac die Fähigkeit, im Zusammenwirken mit vier exzellenten Könnern, die zugleich "ihre Brüder, ihre besten Freunde" sind, beglückende Kommunikation zum intensiven Erlebnis machen. Und während noch der verwöhnteste, anspruchsvollste Jazzpurist zum akustischen Genießer wird, wird auch Jazzneulingen an so einem Abend erfahrbar, was
diese Musik sein kann: Nicht nur eine Show, bei der Fertigkeiten vorgeführt werden, sondern ein Akt der Liebe. (Marcus A. Woelfle)

In Kritikerkreisen wird Anna Lauvergnac zu Recht als großartige Jazz- und Soulsängerin gerühmt, deren mit weichem Timbre versehene Stimme erfüllt ist von Leidenschaft, Energie, Poesie und Emotion. Doch trotz dieser Klassifizierung lässt sich die markante Künstlerin kaum in die Jazzschublade pressen.
Zusammen mit den versierten Musikern des "International Quartets", zeigte die faszinierende Persönlichkeit höchste Bühnenpräsenz. Dabei glänzte Anna Lauvergnac mit ihrer scheinbar beliebig modulierbaren, Timbre geladenen, warmen und schönen Stimme und ihrem ganz persönlichen, unverkennbaren Stil. (Johanne Seifert)

Wonderful. Honest, and real, and soulful. (Sheila Jordan)

Anna Lauvergnac sings, simply, as one should sing. (Paolo Fresu)

She’s all the expression you need and want from a beautiful singer (Mark Murphy)

Praised by Sheila Jordan, Lauvergnac shares that veteran jazz artist's willingness to risk unusual musical efforts, regardless of the potential consequences. (Don Heckman, Los Angeles Times)

TRACKLIST / SOUNDS
Yukon Flats / Thing-A-Ma-Jig / Finally / Zlaty Bazant / Wiggly Waggly / Alter Schwede / Fraptious Day / Hex for Lex / Linear Coordinates / Forward Motion / Fuzzroom

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Andy Middleton - soprano, tenor saxophone
Robert Jukic - double bass
Owen Howard - drums

Andy Middleton ist ein mit Preisen und Ehrungen überschütterter amerikanischer Tenor und Sopran Saxophonist, der sich vor einigen Jahren in Wien angesiedelt hat. Zu diesem Zeitpunkt, das kann man ruhig so sagen, war er bereits ein Star, es gibt Lobesworte von allen möglichen Größen des Jazz wie zB Randy Brecker oder David Liebman, er hat CDs veröffentlicht mit außergewöhnlichen Musikern wie Dave Holland, Ralph Towner, Randy Brecker, Maria Schneider, Kenny Wheeler, Lionel Hampton, Bob Mintzer, Joey Calderazzo, Bill Evans, Adam Nussbaum und John Abercrombie, um nur einige zu nennen.

Er ist in Harrisburg, PA, geboren und hat sein Diplom in Komposition an der Universität von Miami abgelegt. Und das sollte auch entscheidend für seine weitere Entwicklung sein, Andy Middleton ist nicht nur ein herausragender Solist, sondern auch ein außergewöhnlicher Komponist. Das sollte ihm bei seinem fast 20-jährigem Wirken in der New Yorker Szene zu Ruhm und Ehren gereichen. Viele  Kompositionsauszeichnungen bezeugen dies.

Das neue Album „Three Hearts, Three Minds“ wurde nach einer Europa Tournee des Trios Middleton / Jukic / Howard in Peter Guschelbauers Sounddesign Studio in Hagenberg eingespielt und nun anlässlich eines Konzertes im Wiener Jazzland veröffentlicht und präsentiert.

Alle 3 Musiker haben hier gleichberechtigt Kompositionen eingebracht, was zu einer sehr abwechslungsreichen CD beigetragen hat.

TRACKLIST / SOUNDS
Playin' For A Reason / Mads In Forest / Funk For A Fancy Lady / Nightzone / Cobra King / The Bunch / Goa / The C Sharp Man

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Stig Roar Wigestrand - bass-violin
Per Mathisen - electric & upright acoustic basses
Roy Powell - grand piano, keyboards
Eirik-André Rydningen - drums

Dieses neue Album wurde nach einer Europa Tournee des Trios Middleton/Jukic/Howard im Sounddesign Studio in Hagenberg eingespielt und anlässlich eines Konzertes im Wiener Jazzland veröffentlicht und präsentiert.

TRACKLIST / SOUNDS
Crosstown Traffic / Foxy Lady / Little Wing / Stone Free / Red House / Purple Haze / Bold As Love / Burning Down The Midnight Lamp / Freedom / Manic Depression / Fire / The Wind Cries Mary

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Peter Guschelbauer - bass, organ, backing vocals
Chris Haller - guitar, lead vocals
Andreas Szelegowitz - drums
Bernhard Welz - drums

Special guests: Reynhard Boegl (harp), Gabriella Hänninen (voc), Barbara Schachinger-Hiesinger (voc), Charly Schmid (ts), Fabian Rucker (bs), Clemens Salesny (as), Daniel Nösig (tp), Hermann Mayr (tb), Gerald Silber (tp)

TRACKLIST / SOUNDS
Gratitude / My Favorite Samba / Love the One / Juan Latino / So You Say / Samba de la Compasa / Arabesque / You're With Me / Star Search

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
John B. Williams - acoustic & electric basses
Jessica Williams - vocals on 2 & 5
Karen Asatrian - piano, keyboards
Robert Pockfuss - guitars
Klemens Marktl - drums
Luis Ribeiro - percussion
Charly Schmid - tenor sax on 8
Llew Matthews - keyboards on 5

"The arabesque is an artistic motif that is characterized by the application of repeating geometric forms and fancifully combined patterns; they symbolize the infinite ..."
... One could say the same of the jazz music of John B. Williams.

Music can relax, it can energize, it can arouse powerful emotions, and it can also take you on a cavation from the dreary, the dull, the dark and the small. In "Arabesque" John B. and his band of revelers instead take us to the lands of sun and surf and samba, where love is hot and the music hotter.     
John B. Willams    
      
The world is getting smaller every day and musicians and music styles from all over the globe coming together in a fusion of sounds and rhythms, and amen to all !  
      
John B. Williams Band at studio     And so you have Karen Asatrian (Bösendorfer acoustic piano and electric keyboards) from Armenia, Klemens Marktl (drums) and Robert Pockfuss (guitars) from Austria, Luis Ribeiro (percussions) from Brazil, Llew Matthews (keyboards on "So You Say") and John B. (basses) and his stunning wife (musically and otherwise!) Jessica (vocals) from the USA, each combing their passion, their heritage and their musical gifts to transport us to distant horizons.  
      
So dive into the beats, swim far out into the warm ocean waters of tropical rhythms, have a mojito or a cold beer or a local caipirinha and a tall glass of caldinho de feijáo at the local hangout. Fall in love for the night with a dark-haired beauty (hombre or mujer!), sleep late and then dance the samba, rumba and mamba like your life depended on it. Because it does. That's what the music is for; it's what John B. and his amazing compadres have done here in "Arabesque": remind us all to live. (Bradley Rand Smith)   

 
John B. studierte Bass bei Ron Carter und war das erste Mal im Jahre 1968 mit dem Horace Silver Quintet in Österreich. Am Schlagzeug war damals Billy Cobham, Randy Brecker an der Trompete und Bennie Maupin am Saxophon. Er spielte in der Folge in der Billy Cobham Band die Alben “Spectrum”, “Crosswind”, etc. ein, und war als Sideman mit Musikern wie Hugh Masekela, Dizzy Gillespie, Leon Thomas, Kenny Burrell, Jon Hendricks, Horace Parlan, Jimmy Smith, Grady Tate, Sir Roland Hanna unterwegs und nahm Platten mit Roy Ayers, Bobby Hutcherson, Harold Land, Johnny Hammond Smith, Count Basie, Louis Armstrong und Benny Carter auf.
Nach einigen Jahren in der Johnny Carson Show und der Arsenio Hall Show tourte er mit Nancy Wilson und war die letzten 3 Jahre mit Manhattan Transfer unterwegs.

Jetzt will er sich ausschließlich auf seine Solokarriere konzentrieren, diese CD ist seine erste als Leader !!

TRACKLIST / SOUNDS
The Opener / Wiedergeburtsorganisationsblues / Darkness / Bobby / Sounds Of A City / Song for Rosa / When Eric met Ornette

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Klemens Marktl - drums
Johannes Enders - saxes
Peter Madsen - piano
Milan Nikolic - bass

Der 1976 in Klagenfurt geborene Drummer und Komponist Klemens Marktl, der in den vergangenen Jahren hauptsächlich in Den Haag, Amsterdam und New York lebte und musizierte, präsentiert hier sein mit Weltklasse-Musikern besetztes Quartet.
Durch seine ständigen musikalischen Aktivitäten in New York macht Klemens Marktl immer wieder die Bekanntschaft zu großartigen internationalen Musikern und ladet diese dann für Tourneen nach Europa ein.
In seinen Bands spielten bereits Jazzgrößen wie z. B. Seamus Blake, Chris Cheek, Aaron Goldberg, John Swana, George Garzone, Rob Bargad, Matt Penman,...
    
Das Quartet von Klemens Marktl kann man durchaus als Sensation betrachten.
Die Tasten bedient der aus New York stammende Pianist Peter Madsen. Sein Spiel wird besonders von Energie und Harmoniereichtum geprägt. Er spielte bereits in den Bands von Stan Getz, Stanley Turrentine, Joe Lovano, Maceo Parker,...
Gemeinsam mit dem Drummer Klemens Marktl sorgt der aus Serbien stammende Bassist Milan Nikolic für das Fundament dieser Band. Sie haben sich in New York kennengelernt und intensivierten ihr spannendes Zusammenspiel auf zahlreichen Sessions und Bandprojekten. Milan Nicolic wurde ein Fixpunkt der österreichischen Jazzszene und spielte u. a. mit Benny Golson, Johnathan Blake, Renato Chicco, … . Sein Basspiel wird besonders von rhythmischer Flexibilität, starkem Groove und großen Sound geprägt.
Das Saxophon spielt der aus Deutschland stammende Johannes Enders, welcher bereits durch internationale Projekte wie z. B. Enders Room, Endgrad, Billy Hart Trio, … ein Fixpunkt der europäischen Jazzszene ist.
Durch seinen warmen Ton und einfallsreicher Melodik bekommen die Kompositionen von Klemens Marktl den richtigen Glanz.

Diese großartigen Musiker für sein eigenes Bandprojekt zu gewinnen spricht für das Können des jungen Kärntner Musikers.

TRACKLIST / SOUNDS
Jungle City / Jangala / Blessing / One For Jaco / Voices / Maya Pejo / Det Bästa / Africa / Visions / Tribute / NightZone

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Alex Acuna - drums, percussion
Jan Gunnar Hoff - piano, keyboards
Per Mathisen - electric & acoustic bass

CD-Review bei "all about Jazz".

TRACKLIST / SOUNDS
Can't Buy Me Love / Jean de fleur / Along Came Betty / One for the Tradition / Here's My Little Girl / Evidence / You Got Soul / Hopeless Romantic / Jumping With Nat / Changed

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Bastian Stein - trumpet, flugelhorn
Bernhard Wiesinger - saxes
Christian Havel - guitar
Anthony Wonsey - piano
Milan Nikolic - bass
Joris Dudli - drums

SPECIAL GUESTS USA:
Benny Golson - tenor sax
Vincent Herring - alto sax
Jeremy Pelt - trumpet
SPECIAL GUESTSAUT:
Oliver Kent - piano
Erwin Schmidt - organ.

Zur Besetzung:
Diese CD ist eine Art Zusammenfassung einer über 30 jährigen musikalischen Reise. Alles begann in den 70er Jahren in Wien, bei Austropop- Produktionen von Ambros bis Fendrich und vielen Jam- Sessions mit Musikern von Puschnig und Sokal bis Fritz Pauer und Karl Ratzer, der Entstehung von Vienna Art Orchestra und dem Art Farmer Quintett.
Dann kamen insgesamt fast 10 Jahre New York, die mir die Gelegenheit gaben, die Tiefen des Jazz zu erforschen und mit den Größten der Szene mitzumischen. Mit einem Adressbuch voller bekannten und weniger bekannten, doch nicht weniger talentierten, Jazzmusikern etablierte ich mich dann wieder in Österreich und formte mit Hilfe meiner in USA gewonnenen Kontakten Projekte, von denen es Touren und CD-Aufnahmen gab (darunter die Hip Hop und R&B-Band "Yoiz" und das Gemeinschaftsprojekt "Earth Jazz Agents" mit Vincent Herring und nicht zuletzt ein eigenes Jazz Quintett), für die natürlich auch immer neues Material geschrieben werden musste.
So haben sich im Laufe der Jahre die Kompositionen aus mehreren Stilen angesammelt und sich außerdem auch eine neue, ideale Besetzung herauskristallisiert, nämlich ein Sextett mit 2 Bläsern und Gitarre. Gitarre vor allem deshalb, um die "Funk" Elemente besser herausheben zu können, aber nicht zuletzt, weil sich Christian Havel durch seine Vielseitigkeit und hochkarätiges Spiel in fast allen meinen Bands zu einem unentbehrlichen Partner gemacht hat.
Mit den zwei ganz jungen, hervorragenden Talenten Bernhard Wiesinger und Bastian Stein als Frontline und dem phantastischen Milan Nikolic am Bass hat sich der Kern des Sextetts geformt.
    
Zu den Gästen:     
Durch die regelmäßigen Touren der "Earth Jazz Agents" in Europa haben sich die perfekten Gäste für die Aufnahme angeboten. Mit Vincent Herring und Anthony Wonsey besteht schon lange eine musikalische Dauerfreundschaft und so mancher meiner Songs hat seinen Weg in Vincent Herrings Bandmappe gefunden.
Fallweise ist auch Jeremy Pelt bei einer "Earth Jazz Agents"-Tour dabei, somit entstanden fast die gesamten Einspielungen an einem Tag vor einer Tour im März 2008.
Doch der mit Sicherheit exklusivste Gast ist natürlich Benny Golson und er kam erst ein halbes Jahr später nach Wien, wo wir jährlich eine Woche im Jazzland spielen (es ist wohl der Traum jedes Jazzmusikers, Benny Golson auf seiner eigenen CD Aufnahme zu hören...). Bei diesen 2 Tracks mit Benny war Oliver Kent der Pianist und genauso wie mit Erwin Schmidt, der mit seinem Orgel-Overdub "You Got Soul" verschönerte, verbindet mich auch mit ihm eine langjährige musikalische Freundschaft.     

Zur Musik:           
Viele meiner Bekannten und Fans bestätigen mir, dass "A Rewarding Journey" meine beste CD ist (hmm, Kunststück, es ist auch meine erste...!). Nein, im Ernst, ich habe einfach ebenfalls das Gefühl, dass das Album nicht besser hätte werden können. Wenn Freunde, die keine "hardcore" Jazzfans sind sagen, sie "spielen die CD 'rauf und 'runter", ist das für mich der beste Beweis, die Gratwanderung von Kreativsein, gutem Sound geschafft zu haben. (Joris Dudli)

TRACKLIST / SOUNDS
Motor 1 / Princesa / Everwhat / Robot's Game / Nowhere / Dombräu / Not Without / Your Smile / Dombraäuer / Am Dombräuesten

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Alex Pinter - guitar
Peter Natterer - tenor/soprano sax
Raphael Preuschl - bass
Michael Kihn - drums

Guests on track 07:
Herbert Pirker -drums
Martin Eberle - trumpet

Mit dem Alex Pinter Quartet gibt es eine weitere junge, erfreulich frisch und modern klingende neue Jazzformation, bestehend aus den trotz ihres jungen Alters als Routiniers zu bezeichnenden Raphael Preuschl (b) und Peter Natterer (ts/ss), ergänzt durch die beiden zukünftigen Berklee-Studenten Michael Kihn (dr) und Bandleader und Mastermind Alex Pinter (g).
Das Quartett bewegt sich auf der Suche nach einem eigenständigen Sound gerne stilübergreifend - Jazz am Puls der Zeit, der sich nicht scheut, Anleihen aus den quasi modernen Musikstilen wie z.B. Drum'n'Bass zu nehmen, ohne dabei jedoch zu vergessen, wo der Jazz seine Wurzeln hat. In diesem modernen Kontext wird sowohl "traditionell" improvisiert, als auch mit diversen Klangverfremdern improvisatorisch umgegangen. Formen werden eingehalten als auch spontan rearrangiert.     
Alex Pinter    
      
Alex Pinter Quartet     Auch soundtechnisch sind die 10 Songs des neuen Albums "PAY 8 GET 10!" nicht eindeutig zuzuordnen - auch hier ist eine gesunde Portion Jazztradition zu hören, dem aber auch das Bewusstsein des 21. Jahrhunderts gegenübersteht.
Mit Herbert Pirker (dr) und Martin Eberle (tp) haben sich auch 2 Gäste eingefunden, die man der österreichischen Jazzszene nicht weiter vorstellen muß.

Fazit: ein junger talentierter Vierer, der in Zukunft sicher noch von sich hören lassen wird - listening highly recommended!

TRACKLIST / SOUNDS
Welcome / A Peaceful Journey / Way to Go / Magny Marcelline / Lucia / Nsi Keu Beu Zi / Just a Little Prayer / What'S Up? / Djila? / Fake / Mobwo / Daddy

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Gino Sitson - vocals, percussion, vocal instruments & effects, body percussion, sanza
Helio Alves - piano
Lonnie Plaxico - double bass
Willard Dyson - drums

TRACKLIST / SOUNDS
05:59 / Desert Dance / Suite / Example / Arab Spring 01 / Arab Spring 02 / Lilting Landscapes / Laubwald / Electric Red

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Martin Gasser - alto sax, EWI
David Gratzer - electric-guitar
Philipp Kienberger - electric-bass
Markus Fellner - drums

Das Modern Shape Quartet ist eine junge österreichische Band, die den Sound des Jazz in moderne Klänge und Formen einbettet.

Schon die erste gemeinsame Probezeit wies den Weg: auf der Suche nach Identität, nach einer gegenwartsbezogenen, musikalischen Ausdrucksweise, wurde das Ausbrechen aus dem konventionellen Jazz-Kontext zur Notwendigkeit. Das anfängliche Jazz/Fusion-Programm wurde zunehmend von persönlicheren Eigenkompositionen abgelöst. Ein Ohr blieb dabei immer offen für das Schaffen anderer Künstler verschiedener musikalischer Genres.

Lange Liedformen, Zeitgenössische Harmonik, Odd Meter, 'free'-Teile die zur Interaktion anregen, als auch Exkurse in die elektronische Musik, sind fixe Bestandteile des Bandsounds. Ziel ist die perfekten Balance zwischen Komposition und Improvistion. Beim Musizieren werden Dynamiken ausgereizt: intime, zerbrechliche und  minimalistische Passagen wachsen zu bedrohlich dichten 'Noise-Gewittern' heran. 'Music from the dept of the soul to the hight of the universe.'

Geschult an der Eleganz des Jazz und gehärtet am Lärm der Stadt gehen die vier jungen Musiker keine Kompromisse ein, wenn sie zu ihren Instrumenten greifen. Gewagt wird viel, Exzess dennoch vermieden.

Zum Eintauchen in die musikalischen Gefühlswelten des Modern Shape Quartet empfiehlt sich ein Konzert-Besuch!

TRACKLIST / SOUNDS
Alalia / Blue Cup / Bubbles / Bil / Hjuki / Green Cup / Melencolia I / Kiourdi / Monday

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Clemens Salesny -  saxes
Philipp Jagschitz - piano
Josef Wagner - bass
Thomas Froschauer - drums

Das seit 2009 bestehende Quartett "Memory Control" um den Bassisten und Komponisten Josef Wagner hat mit "The Wonderful Music Gives Happy You" ein äußerst abwechslungsreiches und vielschichtiges Debütalbum abgeliefert.
Zahlreiche Spielarten des modernen Jazz wie Kollektivimprovisationen, erweiterte Modalität, Klangexperimente aber auch konventionelles Changes-Spiel finden Eingang in die Musik der Gruppe, wobei die kompositorische Handschrift Wagners sowie die stilistische Eigenständigkeit der beteiligten Musiker das Ergebnis vor Eklektizismus und Beliebigkeit bewahren. Die Ausdruckspalette auf "The Wonderful Music Gives Happy You" reicht von subtil-kammermusikalisch bis rockig-ekstatisch. Eine sensibel ausgewogene Ballade fehlt ebenso wenig wie "Monk"-Anklänge in verschlepptem New Orleans Groove oder ein melancholisch-romantisches Drum-Feature.
Der Saxofonist Clemens Salesny präsentiert sich auf Altsaxofon, Saxello und Bassklarinette wieder einmal als virtuos-expressiver Musiker, der stets das Interplay mit der Rhythmusgruppe sucht. Philipp Jagschitz an Klavier und Fender Rhodes agiert sowohl als hintergründig-kreativer Begleiter wie auch als facettenreicher Solist. Gemeinsam mit Josef Wagner an der akustischen Bassgitarre und dem nuancenreichen, dynamischen Spiel des Schlagzeugers Thomas Froschauer entsteht ein erfrischend unverbrauchter Ensembleklang, der einerseits tief in der Jazztradition verwurzelt ist, andererseits stets einen Hang zum Experimentellen zeigt.


Die Musiker:

Josef Wagner ist Komponist und Bassist der „LA Bigband“ sowie Komponist des "Chamber-Pop"-Ensembles "Punches & Judies". Zusammenarbeit mit dem Literaten Herman Niklas in der Performancegruppe "schalldicht", Komposition elektronischer Musik mit dem Duo "Breaking Pavel". Als Bassist spielte er u.a. mit Wolfgang Puschnig, Allegre Correa, Heavy Tuba, Lorenz Raab, Gerald Preinfalk, Edward Powell, Wolfgang Bräuer, Frank Schwinn…

Clemens Salesny leitet die Gruppen "Salesny/Schabata/Preuschl + Herbert Joos" sowie die Clemens Salesny Electric Band. Salesny ist Mitbegründer der Jazzwerkstatt Wien und mehrfacher Hans Koller Preisträger. Zusammenarbeit mit: Steven Bernstein, Uri Caine, Eddie Henderson, Joe Zawinul, Oliver Lake, Sunny Murray, Harry Pepl, Uli Scherer, Donald Smith, Georg Breinschmid, Max Nagl…

Philipp Jagschitz spielt mit seinem eigenem Trio mit Matthias und Andreas Pichler und ist Pianist zahlreicher Gruppen wie Falb Fiction, Maja Osojnik Band, Bastian Stein's Gravity Point und Schwarzmarkt. Weitere Zusammenarbeit mit: Wolfgang Puschnig, Wolfgang Schiftner, Lorenz Raab, Gerald Preinfalk, Gerald Gradwohl, Ulrich Drechsler…

Thomas Froschauer ist als Schlagzeuger in den Gruppen cafè mut., das mädchen hinkt, Big John & The Vienna Soul Society, hiroi, Veland und dem Wolfgang Bräuer Trio aktiv. Weitere Zusammenarbeit mit: Bumi Fian, Alpine Aspects, Uli Scherrer, Hubert Tubbs, Thomas Gansch, Würzburg Jazz Orchestra, James Cottriall, Anik Kandinsky, Billy Swan, Hans Salamon…

TRACKLIST / SOUNDS
Smoke Gets In Your Eyes / Night In Tunisia / High Fly / Braithaway / I Can't Get Started / Invitation

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Georg Braith III - saxes, braithophon
Hans Strasse - bass
Doug Hammond - drums

TRACKLIST / SOUNDS
Love for sale / Bei Dir war es immer so schön / Aber schön war es doch / Der Novak / I liasset Kirschn für di wachsen / Ich hab dich zu vergessen vergessen / Weil vorbei ist, was mal war (The end of a love affair) / Bei Dir war es immer so schön 2 / Du hast mich ganz in der Hand (I've got you under my skin)

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Sandra Rose - Vocals
Uwe Urbanowski - Bass
Werner Feldgrill - E-Bass (1, 2, 7)
Paul Urbanek - Keyboards (8)

Eine behutsam ausgewählte deutschsprachige Titelliste mit lebensnahen Texten, deren Neubearbeitung durchaus auch als Verneigung vor den dazugehörigen Komponisten, Autoren und ursprünglichen Interpreten wie Hildegard Knef, Georg Kreisler, Karl Hodina oder Cole Porter verstanden werden darf.

Ursprünglich ein Duo-Programm von Sandra Rose und Uwe Urbanowski, im Quartett nun auf (George-) "bensoneske" Art verfeinert von Werner Feldgrill am E-Bass und Paul Urbanek an den Keyboards.     
"Stimme, Bass und viel Raum... Für die Stimmungen sich langsam auszubreiten, sich zart vorwärtszutasten von Sandra Rose mit dunklem Timbre eingefärbt, getragen von den Grooves Uwe Urbanowski's.

Lieder? Jazz? Jazzlieder? Egal. Auf jeden Fall ein stilübergreifendes Projekt. Musik die dich atmen lässt, mit berührenden Momenten, grossartig in ihrer Schlichtheit.
Und noch dazu: auf Deutsch gesungen!!! Es ist angenehm ungewohnt wie authentisch und ungekünstelt die deutsche Sprache klingen kann wenn sie gut gesungen wird. Ein nicht zu unterschätzender Bonus. Eine wunderbare CD." (Wolfgang Puschnig)

Eine behutsam ausgewählte deutschsprachige Titelliste mit lebensnahen Texten, deren Neubearbeitung durchaus auch als Verneigung vor den dazugehörigen Komponisten, Autoren und ursprünglichen Interpreten wie Hildegard Knef, Georg Kreisler, Karl Hodina oder Cole Porter verstanden werden darf.

Ursprünglich ein Duo-Programm von Sandra Rose und Uwe Urbanowski, im Quartett nun auf (George-) "bensoneske" Art verfeinert von Werner Feldgrill am E-Bass und Paul Urbanek an den Keyboards.     
"Stimme, Bass und viel Raum... Für die Stimmungen sich langsam auszubreiten, sich zart vorwärtszutasten von Sandra Rose mit dunklem Timbre eingefärbt, getragen von den Grooves Uwe Urbanowski's.

Lieder? Jazz? Jazzlieder? Egal. Auf jeden Fall ein stilübergreifendes Projekt. Musik die dich atmen lässt, mit berührenden Momenten, grossartig in ihrer Schlichtheit.
Und noch dazu: auf Deutsch gesungen!!! Es ist angenehm ungewohnt wie authentisch und ungekünstelt die deutsche Sprache klingen kann wenn sie gut gesungen wird. Ein nicht zu unterschätzender Bonus. Eine wunderbare CD." (Wolfgang Puschnig)

TRACKLIST / SOUNDS
Oy Oy Oy Blues / Con Alma / Sing Me Softly of the Blues / Sugar / Ground Blues

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Heinz von Hermann - tenor sax
Dusko Goykovich - trp, flh
Adrian Mears - trb
Jörg Reiter - piano
Mats Vinding - bass
Bruno Castellucci - drums

After having a pretty successful quintet in the 90’s for various reasons it became more and more difficult to continue, so in consequence the last couple of years I played mostly with my trio. I enjoyed this very much, the intimacy of playing without drums almost like chamber music.
But going straight on, I had to do something more, so when I met some of my old friends and fellow musicians, the desire arouse to form a sextet, with the classic frontline: trumpet, tenor and trombone.
Being lucky enough that Dusko Goykovic and Adrian Mears loved this idea, for piano I asked Jörg Reiter, with whom I played for years and years with the Peter Herbolzheimer Big Band, of course, Bruno Castellucci on drums for me was the only choice and last but not least, Mads Vinding on bass, who also is heard on my first trio CD, is back on my side again.     

During our first tour "Alessa Records" recorded the concert we played in the Jazz Club BIRDLAND in Neuburg/Germany and here is the CD with a selection of titles from this concert on 6th of May 2005.

Enjoy listening to just "straight ahead" Jazz with Europes top musicians - check their age: You are listening to more than 366 years of Jazz! (Heinz von Hermann)

TRACKLIST / SOUNDS
Vision Fugitives / Free For One / Unbound / Turtle Dream / Inconvenient / Living At Random / Chiaroscuro / Time Honoured / Free For One Another

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Olga Konkova - grand piano, Fender Rhodes
Per Mathisen - upright acoustic bass, fretted and fretless el. bass
Ole Mathisen - soprano & tenor sax, electronic loops
Gary Husband - drums, Fender Rhodes on Chiaroscuro

TRACKLIST / SOUNDS
Jennifer's Secrets / Uncle Nick / As I Awaken / Ghosts Have / Black Liquid / Her Face / Lady of Silence / A Choise of Days / The Best Dog / No Brother Was I / Dreammaker / Traces / A Breabie That Never Stops Beating / Child's Play

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Uri Caine - piano
Gust Tsilis - vibes, marimba

TRACKLIST / SOUNDS
Spass in 3 und 4 / A & F / Always Blue / Bebop und Lulatsch / Thelonious Monk Medley: Epistrophy / Thelonious Monk Medley: Misterioso / Hü hott! / Last Track

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Clemens Salesny - altosaxophone, bassclarinet
Bumi Fian - trumpet
Clemens Wenger - piano, fender rhodes, accordeon
Bernhard Osanna - doublebass
Thomas Froschauer - drums

In den letzten zwei Jahrzehnten hat Österreich eine Vielfalt von Talenten und beachtlichen Jazzmusikern hervorgebracht, die eine äußerst lebendige, für ganz Europa repräsentative Jazzszene entstehen ließen.

Vier solcher Ausnahmebegabungen haben sich hier um den Langzeit - Trompeter des Vienna Art Orchestra, Karl "Bumi" Fian, Jahrgang 1960, geschart, um ein Quintett zu bilden:
Der Saxophonist Clemens Salesny, Schüler von Klaus Dickbauer und trotz seiner Jugend (Jahrgang 1980) bereits in zahlreiche Projekte mit Künstlern von Eddie Henderson, Joe Zawinul und Thomas Gansch bis zu Sabina Hank involviert gewesen.     
Pianist und Keyboarder Clemens "Bumpfi" Wenger, 1982 geboren und viel beschäftig hin - und her pendelnd zwischen Avantgarde (Renald Deppe, Max Nagl), Jazz und Populärem (Ausseer Hardbradler).
Thomas Froschauer, ebenso wie Salesny und Wenger aus Niederösterreich stammend, Big Band - erfahren und von Jazzkapazitäten wie Puschnig, Scherer und Radovan gleichermaßen geschätzt wie von Austro - Rocker Andy Lee Lang.
Und schließlich Bernhard Osanna, Kontrabassist, als Jahrgang 1972 beinahe schon ein "Senior", Mitstreiter von (u.a.) Jeff Hamilton, Bill Holman, Flip Philips oder Hans Salomon.

Dieses Clemens Salesny – Bumi Fian Quintett beherrscht die musikalische Sprache des zeitgenössischen Jazz perfekt: ausgeweitete, modale Harmonik, komplizierte, oftmals etwas vertrackte Linien, das Aufbrechen der Form, Improvisationen in großen Intervallsprüngen, Tempowechsel, Dissonanzen als Stilmittel, microtonale Effekte und vieles mehr, das seit Ornette Coleman, Eric Dolphy und Charles Mingus zur Ausdruckspalette der Jazz – Moderne gehört. Konventionelle Klischees fehlen der Musik des Quintetts gottlob ebenso wie die Hingabe zu modisch – zeitgeistigen Strömungen. Dafür gibt es bestens ausgenützte improvisatorische Freiräume, mehrheitlich Tonalität, Bluesverbundenheit (Fian!) und gelegentlich sogar Gespür für’s Dramatische.

Was einst als revolutionäre Neuerung schockiert hat, wird von den fünf Musikern unverkrampft mit einer Leichtigkeit und Selbstverständlichkeit in das 21. Jahrhundert transformiert, wobei vor allem Salesny's Kompositionen – sie bilden die Mehrheit der acht Titel – in Anlehnung an das Genie Charles Mingus viel melodische und formale Eigenständigkeit und Charakter aufweisen. Auch die Arrangements der beiden Stücke ("Epistrophy", "Misterioso") von Thelonious Monk, einem weiteren "Genius Of Modern Music", lassen Originalität und Ideenreichtum erkennen.

"ALWAYS BLUE" und das Clemens Salesny – Bumi Fian Quintett sind ein weiterer, hervorragender Beleg für die künstlerische Potenz des "Jazz made in Austria".
Klaus Schulz

TRACKLIST / SOUNDS
Mr. Syms / Minor League / Sweet Dulcinea / Echoes / Skylark / You Don't Know What Love Is / Fee Fi Fo Fum / The Moon and You / Beautiful Love / Where Are You

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
John Abercrombie - git
Arthur Blyte - sax
Terri Lyne Carrington - dr
Anthony Cox - b
Mark Feldman - violin
Gust Tsilis - vib

TRACKLIST / SOUNDS
Association / In the Dark / St Marx Intro / St Marx / Spaces / Down Home / Black Mallory / Alliance / Oh Lass Den Tag / Time Out / Joseph / Oh Lass Den Tag 2

Hörbeispiele (MP3)

Hörbeispiele & Download auf ITunes

ARTISTS:
Paul Zauner - tb, voc
Eddie Henderson - tp, flgh
Clemens Salesny - bcl, as
Woody Schabata - vib
Wolfram Derschmidt - b
Gerald Endstrasser - dr

Ende der 80-er Jahre hatte Paul Zauner die Möglichkeit mit wichtigen amerikanischen Jazz-musikern wie Leon Thomas, George Adams, David Murray und Hamiet Bluiett Konzerte und Tourneen zu bestreiten sowie CD´s aufzunehmen. Gleichzeitig entstand eine regelmäßige Zusammenarbeit mit österreichischen und polnischen Musikern wie Bumi Fian, Jarek Smietana und Woody Schabata. Diese musikalischen Beziehungen reichen bis in die Gegenwart. Anfang der 90-er gab es für einige Jahre eine Kooperation mit Jean Paul Bourelly und John Purcell. Den nachhaltigsten Eindruck hinterließ allerdings die Zusammenarbeit mit dem genialen Musiker Harry Pepl.

1992 gründeten Paul Zauner und Franz Hackl ihre erste Band mit dem Namen ITSLYF. In dieser spielten von 92-97 Franz Hackl (Musical Director), Thomas Kugi, Gottfried Stöger, David Gilmore, Kenny Davis, Rodny Holmes, Pavan Kumar u.a.

Tourneen nach Asien, Africa, Nord- und Südamerika und große europäische Festivals brachten große Erfolge mit Avantgarde-Fusion Jazz.
Die CD "Hep Caolin" (PAO/VERVE) wurde im Rollings Stones "Guide of Jazz and Blues" zu den besten CD`s des Jahrhunderts aufgenommen und mit 5 Sternen bewertet.     
      
Nach dieser musikalischen Hochleistungsbahn kam eine Nachdenkpause und der Wunsch, das musikalische und organisatorische Konzept zu vereinfachen und mit österreichischen Musikern in einen einfachen Jazzkontext, Erlebtes zu verarbeiten und neue musikalische Empfindungen und Gedanken zu verfolgen.

Der elegante Meistervibraphonist Woody Schabata ist ein wichtiger Partner auf diesem Weg. Ebenso der Bassist Wolfram Derschmidt. Außergewöhnlich ist das Können und die Tiefe der Musik des Schlagzeugers Reini Winkler. Saxophon und Bassclarinette spielt Jungstar Clemens Salesny.

"Musik aus der Tiefe des Blues zur neuen Europäischen Musik, gewürzt mit menschlichen Verfehlungen".

Als spezieller Gast im August 2003 spielt Eddie Henderson. Er ist ein großartiger Trompeter, welcher in wichtigen Bands und CD´s als Leader und Sideman spielt. Art Blakey's "Jazz Messangers" und bei Herbie Hancock als Sideman.

Im Sommer 2003 gab es das Spezialprogramm „Impressionismus im Modern Jazz“. Dies ist eine musikalische Zeitreise, beginnend mit einer Hommage an Claude Debussy und Eric Satie. Eine weitere interessante und wichtige Station ist der aus Deutschland stammende Bix (Bismark) Beiderbeck, der unter dem stilistischen Deckmantel des Dixielands impressionistische Stilmittel in seine Musik einbrachte und durch seine "coole" Tongebung das moderne Trompetenspiel bereits in den 30-er Jahren teilweise vorwegnahm. Ein weiterer Programmpunkt besteht aus Fragmenten seines Titels „In a Mist“, welches als neues Stück unter dem Titel "Tribute to Bix Beiderbeck" gespielt wird. Das restliche Programm wird komponiert von Woody Schabata und Paul Zauner.